Gustav Klimt : Trajectoire et Génie. L'éclat de sa période dorée, la fascination des figures féminines et l'héritage de ses chefs-d'œuvre emblématiques.

Emilie Flöge (1874-1952), issue d'une famille bourgeoise viennoise. En 1891, sa sœur Hélène épousa Ernst, le propre frère de Gustav Klimt. Une connexion amicale, profonde, se tissa alors entre Emilie et le peintre, pourtant de douze ans son aîné, dès leur toute première rencontre.

Klimt, dit-on, lui voua un amour profond. Pourtant, jamais il ne la demanda en mariage.

Portrait d'Emilie Flöge — Sur un fond d'une gravité presque intimidante, Klimt enveloppa la silhouette d'Emilie d'une lumière éclatante, un rayon qui capture instantanément le regard, le guidant vers l'étoffe de sa robe.

Les deux formes indistinctes, qui bordent la figure et flottent dans un espace tout aussi insaisissable, jouent, somme toute, un rôle identique.

De cette amitié fervente avec Emilie, Klimt tira une collaboration : il l'aida à établir une boutique. La ligne de vêtements qui en émergea connut un succès retentissant, aussi bien auprès des clientes habituelles de Klimt qu'au sein de son célèbre Atelier de Vienne.

Gustav Klimt a su immortaliser de nombreuses figures féminines dans ses œuvres. Par ses couleurs, ses touches d'or, il a forgé un chapitre singulier, incomparable, dans l'histoire de l'art mondial.

N'ayant jamais contracté de mariage officiel, il vécut pourtant ses passions sans la moindre restriction.

Emilie Flöge (1874-1952), née à Vienne dans une famille bourgeoise. En 1891, sa sœur Hélène épousa Ernst, le frère de Gustav Klimt.

Entre Emilie et le peintre, de douze ans son aîné, une profonde amitié s'instaura dès leur première rencontre.

LE LOGO GK

À la manière des maîtres japonais signant leurs œuvres de sceaux distinctifs, Klimt, lui aussi, a imaginé un monogramme stylisé, intégrant avec élégance les initiales de son nom.

Cette marque devint un véritable modèle, une référence même, pour les membres du conseil directif de l'Atelier de Vienne.

Intégrer ces sceaux dans ses tableaux dépassa la simple signature ; cela devint un véritable élément de composition.

Son Œuvre, Berceau de l'Art Nouveau

Des formats carrés aux compositions diagonales audacieuses, des agencements symétriques à la stylisation géométrique, des mosaïques chatoyantes aux feuilles d'or et d'argent ; sans oublier, bien sûr, une érotisation puissante.

Tels sont les traits distinctifs, dominants, de l'art de Gustav Klimt. Ces caractéristiques s'entremêlent intimement à ses réflexions si personnelles sur l'essence même de l'Univers : la vie, l'amour et l'inéluctable mort.

Avant son avènement, la peinture autrichienne passait souvent pour provinciale.

On y voyait surtout des portraits de la bourgeoisie, des scènes du quotidien, sans réelle audace.

Son approche, valorisant l'esprit, son style pictural si novateur, foncièrement décoratif, ont marqué l'aube de l'Art Nouveau, un mouvement dont l'impulsion initiale émana de la Sécession.

JUDITH I

L'éternel féminin : voilà son grand thème, le moteur insatiable de ses portraits et de ses riches allégories.

La sensualité, l'érotisme exacerbé de ses figures féminines bousculèrent la société autrichienne. Ces représentations dévoilaient l'ambiguïté profonde de l'époque, engendrant simultanément une fascination irrésistible et une répulsion farouche.

Sa façon audacieuse de dépeindre le nu lui attira une décennie entière de confrontations, d'âpres batailles même, avec les autorités officielles, ces grands mécènes de l'art viennois.

Les allégories, commandées pour l'Université de Vienne, furent un tournant dans sa carrière. Elles consolidèrent la posture inébranlable de Klimt face aux réactions d'une société parfois scandalisée.

Nombre de ses créations s'inspiraient de ces sources, hélas disparues. Elles périrent, avec d'autres toiles, lors du tragique incendie du château d'Immendorf, en 1945.

Le mythe de Danaé, cette jeune nymphe que Zeus, sous une pluie d'or fécondante, visita. Klimt, lui, en proposa une lecture, une composition de la scène mythologique, foncièrement novatrice.

Il dépouilla la scène de tout élément superflu, écartant les codes de l'iconographie classique. Son geste audacieux ? Concentrer toute l'action sur l'instant précis de la fécondation, le métamorphosant en une vibrante description du moment de l'extase.

La scène n'est d'ailleurs pas exempte d'une touche parodique.

Tout comme Zeus se travestit en pluie dorée pour inséminer Danaé, Klimt, avec une audace subtile, a voilé l'autosatisfaction de la jeune femme sous le torrent séminal de la divinité.

La sensualité, elle, irradie. On la perçoit dans ce voile qui enlace les chevilles de la jeune femme, dans ces anneaux dorés de l'étoffe qui, délicatement, caressent son corps.

Durant l'été 1908, ayant élu domicile à Kammer, au sud du lac Atter, et toujours en compagnie de son amie Emilie Flöge, Klimt fut profondément captivé par le château local. Ses murailles se mirant, majestueuses, dans les eaux limpides du lac alpin, ne cessaient de le fasciner.

Le peintre consacra trois toiles entières à ce motif.

Ces œuvres furent exécutées directement depuis le lac, le chevalet ingénieusement installé à bord d'une embarcation. Un procédé d'ailleurs déjà cher à un certain Monet et aux impressionnistes.

La Vie et la Mort

Cette toile fit sa première apparition publique à Rome, en 1911. Elle y fut couronnée de la médaille d'or lors de l'Exposition Internationale d'Art.

Après un séjour prolongé dans son atelier, le peintre viennois y apporta de profondes retouches. Elle fut ensuite présentée à la Sécession de Berlin, en 1916.

La teinte, à l'origine dorée, fut remplacée par une couleur bleutée, plus profonde. Certaines figures furent également modifiées, d'autres même ajoutées.

Reflétant un conflit éternel entre la vie et la mort, cette toile recèle un sens profondément ambigu.

Les sinuosités, qui animent le côté droit des étoffes de la Mort, trouvent un écho parfait dans les courbes du contour gauche de la colonne de la Vie. Les couleurs chaudes de cette dernière insufflent une intensité dramatique à l'ensemble.

Il ne s'agit pas tant d'une confrontation que d'un dénouement inéluctable. Car enfin, le cycle de la vie ne se conçoit pleinement qu'avec la présence, la perspective, de la mort.

PORTRAIT D'ADELE BLOCH-BAUER I

On le tient pour le plus illustre des portraits réalisés par Klimt et, de concert avec Le Baiser, il incarne le sommet, l'apogée même de sa période dorée.

Devant nous se dévoile la figure d'Adele Bloch-Bauer. Elle était l'épouse de Ferdinand Bloch, un prestigieux banquier viennois d'origine juive, et c'est lui qui en commanda le portrait au peintre.

Un examen attentif de cette œuvre révèle la présence frappante de symboles. L'œil égyptien, par exemple, ou encore ces ornements d'inspiration byzantine que Klimt affectionnait particulièrement et employait si souvent.

Les triangles, de même que ces motifs ornés d'un "B" majuscule, ont souvent été interprétés comme les initiales du modèle portraituré.

Le Baiser est, sans conteste, considéré comme l'œuvre la plus emblématique de Klimt.

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