L'Héritage d'Anita Malfatti : Analyse de ses Œuvres Majeures et leur Impact sur le Modernisme Brésilien

"J'ai exploré toutes les techniques, mais je suis revenue directement à la simplicité ; je ne suis plus ni moderne ni ancienne, j'écris et je peins ce qui m'enchante." - Anita Malfatti

ŒUVRES MAJEURES

• A BOBA

La toile se compose d'une symphonie de couleurs : oranges, jaunes, bleus, verts, qui exaltent les zones chromatiques délimitées par des lignes noires, la plupart diagonales. Au premier plan, une figure anguleuse et asymétrique reçoit la couleur de façon inégale. Jaunes, bleus et verts, ils subliment ainsi les zones chromatiques cernées par des lignes sombres, le plus souvent diagonales.

Sur la physionomie du personnage, l'expression étrange et lointaine de la jeune femme est mise en évidence par des traits noirs, fidèle à l'esthétique expressionniste de l'irrationnel et du dissonant. Le fond, lui, est élaboré avec des touches rapides, offrant un contrepoint saisissant.

Le personnage, le regard perdu, semble naviguer dans son propre univers. Ses yeux sombres sont cernés de noir, ses sourcils se dessinent en accent circonflexe. Ses cheveux noirs, séparés au milieu, couvrent ses oreilles.

Le fond de la composition, teinté de bleu et de vert, offre un contraste saisissant avec la tenue du personnage et sa chaise.

- TROPICAL

Désireuse d'être reconnue comme artiste dans son propre pays, la peintre délaisse l'inspiration expressionniste pour insuffler des touches plus réalistes à ses créations.

Son œuvre « Tropical » fut la première peinture moderne à aborder un thème brésilien. L'artiste y représente une femme à la peau métisse. Le personnage, portant un panier de fruits tropicaux, esquisse, d'une certaine façon, l'âme du Brésil de cette période.

– O Farol

C'est l'une des œuvres les plus célèbres d'Anita Malfatti. Dans cette peinture, le paysage se fond davantage avec la présence humaine, au travers des édifices qui composent le décor.
L'artiste a réalisé ce tableau alors qu'elle étudiait encore aux États-Unis. Son professeur, Homer Boss, avait l'habitude d'emmener ses élèves sur l'île de Monhegan, au nord du pays, où se trouvait ce phare, déjà immortalisé par d'autres peintres.

"NOUS PEIGNIONS DANS LE VENT, SOUS LE SOLEIL, SOUS LA PLUIE BATTANTE ET DANS LA BRUME. DES TOILES, ET ENCORE DES TOILES. C'ÉTAIT LA TEMPÊTE, LE PHARE, LES PETITES MAISONS DE PÊCHEURS DÉVALANT LES COLLINES, LES PAYSAGES CIRCULAIRES, LE SOLEIL ET LA LUNE, ET LA MER. LE PLUS GRAND PROGRÈS DE MA VIE, JE L'AI ACCOMPLI SUR CETTE ÎLE, À CETTE ÉPOQUE, DANS DES AMBIANCES SI PARTICULIÈRES. J'ÉTAIS PROFONDÉMENT ENCHANTÉE PAR LA PEINTURE." Anita Malfatti

Durant sa première année, Anita entre en contact avec toute l'effervescence moderniste, visitant les expositions avec une curiosité insatiable, bien que ses études restent encore très classiques. À l'académie, elle suit des cours de dessin, de perspective et d'histoire de l'art. Son intérêt pour les nouveaux langages s'intensifie lors des cours particuliers avec le professeur Fritz Burger-Mühlfeld (1867 - 1927). Cet artiste, proche du post-impressionnisme allemand, lui ouvre des horizons artistiques bien au-delà des approches traditionnelles. La présence du modernisme dans sa formation est accentuée par les cours avec Lovis Corinth (1858 - 1925) et Ernst Bischoff-Culm. En 1912, en visitant la grande rétrospective d'art moderne Sonderbund à Cologne, Anita s'était déjà familiarisée avec la production contemporaine. Les portraits peints par l'artiste à cette période révèlent l'assimilation des nouvelles poétiques. Le contour classique prévaut, certes, mais les couleurs sont employées de manière expressive, manifestant une dynamique plus ample et plus contrastée que celle du dessin. Bien qu'elles n'entrent pas en conflit avec les formes, il est perceptible que les éléments opèrent selon des logiques distinctes. Anita expose ces tableaux lors de sa première exposition personnelle, en 1914, après son retour à São Paulo.

En 1915, l'artiste entame une nouvelle période d'études, cette fois-ci aux États-Unis, où elle suit des cours avec Homer Boss (1882 - 1956) à l'Independent School of Art. La fréquentation de ce professeur américain et l'atmosphère avant-gardiste de l'école vont propulser le développement de la liberté moderne cultivée en Allemagne. C'est là qu'elle réalise ses œuvres les plus célèbres, telles que O Farol (1915), Torso/Ritmo (1915/1916) et O Homem Amarelo (1915/1916). Dans ces tableaux, le dessin s'affranchit de la vraisemblance classique pour acquérir un sens plus interprétatif. Parfois, le contour épais et sinueux présente les figures comme une masse lourde et volumineuse. Dans d'autres œuvres, avec un trait plus dense, la couleur est aplatie et compose des portraits et des paysages libres, grâce à l'articulation de surfaces aux couleurs contrastantes.

Au Brésil, en 1917, l'artiste associe cette liberté de composition formelle à une critique nationaliste des modèles importés de représentation. Des peintures comme Tropical (1917), initialement intitulée Negra Baiana, et Caboclinha (1907) s'inscrivent dans cette démarche. Toutes ces œuvres sont rassemblées lors de sa deuxième exposition personnelle : l'Exposition d'Art Moderne, en décembre 1917. Cette dernière eut des répercussions décisives sur son travail. Les réactions sont diverses. Si d'un côté l'exposition stimule un rapprochement entre artistes et intellectuels qui, plus tard, organiseront à São Paulo la Semaine d'Art Moderne de 1922, de l'autre, elle devient la cible d'une réaction virulente contre les langages modernes. Les opposants aux avant-gardes d'origine européenne, dont le plus éminent représentant est Monteiro Lobato (1882 - 1948), jugent l'exposition un gaspillage du talent d'Anita, qui se perdait, selon eux, dans des étrangetés éblouies et mystificatrices.

Cette réaction, pour certains, ébranlera la confiance de l'artiste, provoquant un impact violent sur sa carrière ; pour d'autres, Anita oscillait déjà entre des schémas formels plus réalistes et des solutions plus proches du modernisme international. Après l'exposition de 1917, elle se rapproche du langage traditionnel et prend des cours avec l'académicien Pedro Alexandrino (1856 - 1942). Ses travaux deviennent également plus réalistes. Encouragée par le groupe qui allait organiser la Semaine d'Art Moderne, comme Menotti Del Pichia (1892 - 1988), Oswald de Andrade (1890 - 1954) et Mário de Andrade (1893 - 1945), Anita, vers 1921, s'intéresse de nouveau aux langages d'avant-garde. Lors de la Semaine d'Art Moderne de São Paulo, en 1922, l'artiste expose à nouveau les toiles présentées en 1917, aux côtés de nouvelles œuvres modernistes, et est alors considérée par Sérgio Milliet (1898 - 1966) comme la plus grande artiste de l'exposition.

En 1923, Anita obtient enfin la bourse du Pensionnat Artistique de l'État – qu'elle n'avait pas décrochée lors de l'exposition de 1914 – et part pour Paris, où elle réside pendant cinq ans. Durant son séjour, elle prend ses distances avec les positions polémiques de l'avant-garde. Elle peint des scènes d'intérieur comme Intérieur de Monaco et La Rentrée, et se rapproche du fauvisme et de la simplicité de la peinture primitive. L'artiste ne renie pas le modernisme, mais en écarte l'aspect de rupture. À son retour au Brésil, en 1928, elle s'intéresse aux thèmes régionalistes et se tourne vers des formes plus traditionnelles, telles que la peinture de la Renaissance et l'art naïf.

Son penchant pour une peinture plus fluide et désinhibée rapproche Anita du groupe de peintres de la Família Artística Paulista - FAP. Elle s'identifie à la quête d'une peinture spontanée et bien exécutée, non prisonnière des modèles consacrés ni égarée dans un désir d'innovation à tout prix. À partir des années 40, l'artiste se tourne de plus en plus vers la représentation de scènes de la vie populaire. Dans les années 50, le populaire n'est plus seulement un thème, mais s'intègre également aux formes, influencé par l'art populaire. En 1963, un an avant de s'éteindre, elle expose en solo à la Casa do Artista Plástico et se voit consacrer une rétrospective de son œuvre lors de la 7e Biennale Internationale de São Paulo. C'est le dernier hommage qu'elle reçoit de son vivant.

GALERIE DE QUELQUES ŒUVRES