Peter Paul Rubens

Rubens vide la luce il 28 giugno 1577 a Siegen, nella regione della Vestfalia, nel cuore della Germania settentrionale. Tuttavia, la sua crescita, la sua maturazione artistica e la sua intera carriera si svolsero principalmente ad Anversa, in Belgio.

Proveniva da una famiglia benestante, certo, e ricevette un'educazione improntata agli ideali umanistici.

Già nell'infanzia, manifestò un talento innato per l'arte, avviando così un percorso formativo artistico di estremo rigore.

Nel 1598, intraprese un viaggio cruciale in Italia, ove si immerse nello studio delle opere dei grandi maestri rinascimentali: Michelangelo, Raffaello Sanzio e Tiziano, tra gli altri.

Quel soggiorno italiano, davvero, si rivelò un periodo formativo imprescindibile per la sua evoluzione artistica. Gli consentì di acquisire una conoscenza vasta e profonda di tecniche e stili.

Nel 1600, Rubens fece ritorno ad Anversa, dove si affermò rapidamente come pittore di primo piano.

In breve tempo, divenne uno degli artisti più richiesti in città, fondando il proprio studio, un vero e proprio laboratorio d'arte, dove collaborò con un nutrito stuolo di assistenti e allievi.

Il suo stile, inconfondibile, si distingueva per una tecnica virtuosistica, per l'uso magistrale del colore e per la rappresentazione avvincente di soggetti storici, mitologici e religiosi.

Nel 1609, appena un anno dopo il rientro dall'Italia, Rubens sposò Isabella Brant; la coppia è qui ritratta dall'artista stesso, in un'opera celebre.

Il matrimonio di Rubens con Isabella durò dal 1609 al 1626.

Da questa unione, benedetta, nacquero due figli: Albert Rubens e Clara Serena Rubens.

Quattro anni dopo la scomparsa di Isabella, Rubens convolò a seconde nozze con Helena Fourment, e anche da questa unione nacquero due bambini.

Rubens fu un pittore incredibilmente prolifico: la sua carriera fu costellata da un numero impressionante di opere.

Le sue tele si distinguono per un'esuberanza travolgente, per la loro intrinseca energia e un dinamismo senza pari.

Le sue composizioni brulicano di figure in movimento; ogni muscolo, ogni espressione facciale è resa con una precisione sorprendente.

Oltre alla sua maestria pittorica, era anche un disegnatore di straordinaria abilità.

Ma non solo arte: accanto alla sua fulgida carriera artistica, Rubens rivestì un ruolo cruciale anche come diplomatico.

Fu inviato in numerose missioni dai reggenti dei Paesi Bassi, agendo come sottile intermediario in delicate negoziazioni politiche e diplomatiche.

Le sue innumerevoli doti, unite a una profonda conoscenza dell'arte e della cultura, lo resero una figura di innegabile influenza nella società del suo tempo.

Peter Paul Rubens si spense il 30 maggio 1640 ad Anversa, lasciando dietro di sé un'eredità artistica semplicemente immortale.

Ancora oggi, le sue opere vengono ammirate per la loro superba padronanza tecnica, per l'uso vibrante del colore e per quella rara capacità di cogliere, e restituire, emozione e dramma.

La sua influenza si irraggiò in tutta Europa, imprimendo un'impronta indelebile, definitiva, nella storia dell'arte.

GALLERIA - ARTE COMMENTATA

Le tele di Rubens, come già accennato, sono caratterizzate da un'esuberanza prorompente, da un'energia palpabile e da un dinamismo travolgente.

Le sue composizioni, vere e proprie scene viventi, pullulano di figure in movimento, con una resa minuziosa dei muscoli e delle espressioni facciali; tutto ciò è intrinseco allo stile barocco che gli era così peculiare.

Rubens riuscì a fondere la maestria del realismo fiammingo con le consolidate tradizioni del Rinascimento italiano, dando vita a uno stile potente, sì, e incredibilmente esuberante. Egli sintetizzò il movimento barocco, all'epoca immensamente popolare, promosso dalla Controriforma nel suo instancabile sforzo di ristabilire il fasto della Chiesa Cattolica.

Questo stile pose l'accento sul movimento, sul colore vivido, sul dramma e sulla sensualità intrinseca. Rivitalizzò la pittura, infondendole un nuovo, travolgente desiderio di vita dopo un periodo, tutto sommato, relativamente conservatore per l'arte.

Lo stile inconfondibile di Rubens nel ritrarre la figura femminile venne coniato come "Rubenesque", un termine ancora oggi ampiamente riconosciuto per descrivere nudi dalla sensualità voluttuosa.

Rubens ritrasse questo trio più volte a partire dal 1620. In questa specifica versione, però, impiega le raffinate tecniche classiche dell'antica Grecia.

Con ogni probabilità, la sua seconda moglie, Helena Fourment, posò per lui per esaltarne la bellezza sensuale, ma le pose stesse affondavano le radici nella scultura greca classica.

La maestria di Rubens nel rendere le sfumature della pelle, nel suo incarnato, è del resto evidente anche in questo magnifico trio.

Egli impiegava le tre colori primarie – giallo, rosso e blu – i pilastri cromatici che, in fondo, compongono l'aspetto di ogni cosa nel mondo.

In questo autoritratto, Rubens rivolge al suo osservatore uno sguardo benevolo, sì, e diretto, quasi amichevole.

Uno sguardo, in questo particolare caso, che si fa pensieroso, indagatore, e al contempo rivela una spiccata gentilezza.

Per l'abito, scelse un semplice giustacuore nero, con fessure che lasciavano intravedere il colore chiaro della camicia sottostante.

Il cappello a larghe falde è il suo unico, ma distintivo, accessorio.

La vista appena abbozzata sullo sfondo, peraltro, contribuisce all'atmosfera informale, quasi intima, della tela.

Confrontato con il suo contemporaneo Rembrandt, Rubens realizzò sorprendentemente pochi autoritratti: appena quattro, a fronte dei circa quaranta di Rembrandt.

In essi, Rubens si presenta sempre con una dignità composta e una ferma autostima, come un vero gentiluomo.

Questi autoritratti sono, in fin dei conti, essenziali per la piena comprensione della sua personalità. Attraverso di essi, il pittore rivela non solo come si percepiva, ma anche come desiderava essere percepito dallo spettatore.

Fungono da veri e propri biglietti da visita, rappresentando la forma più autentica, e definitiva, della sua auto-promozione.

Rubens stesso considerava quest'opera tra le sue più significative.

Esse lavoro, infatti, incarna l'apice assoluto dell'artista, il momento in cui egli raggiunse la piena padronanza tecnica nell'esecuzione della sua arte.

Si tratta di un classico dipinto mitologico che raffigura il semidio Prometeo, condannato da Zeus a una punizione atroce per aver donato agli uomini il segreto del fuoco.

Il titano è qui incatenato perennemente a una roccia sul Monte Caucaso, mentre la feroce aquila di Giove – simbolo inequivocabile di Zeus – si ciba incessantemente del suo fegato, ogni singolo giorno.