Biografía de Joaquín Sorolla: Legado, Grandes Encargos y Galería de Obras
Biografía de Joaquín Sorolla: Legado, Grandes Encargos y Galería de Obras
(Sem Penalidade CLS)
El genio pintó el techo de la capilla más célebre del mundo.
Sorprendentemente, le llevó más de cuatro años trabajar en condiciones casi asfixiantes.
(Sem Penalidade CLS)
En 1911, el hispanoamericano Milton Huntington confió a Joaquín Sorolla un encargo muy singular, uno que marcaría los últimos años de su existencia: la decoración de una vasta sala rectangular en la Hispanic Society, institución fundada a principios del siglo XX con la misión de difundir la cultura española en Estados Unidos.
Sorolla debía completar una serie de paneles, ilustrando las diversas provincias de España, capturando su esencia a través de paisajes y gentes.
La sala, en un principio concebida como biblioteca, acabó transformándose en la "Sala Sorolla", albergando catorce paneles de enormes proporciones, todos ellos pintados al óleo.
Se instalarían de forma póstuma en 1926.
Esta serie, cuyo boceto Sorolla inició en 1911, estaría terminada en 1919. Su ejecución implicó que el artista recorriera España de punta a punta, capturando escenas y haciendo estudios durante los ocho años que duró la gestación del proyecto.
En 1913, sin abandonar el empleo de diversas técnicas, Sorolla comenzó a pintar los paneles directamente del natural.
Al año siguiente, dio forma a cinco paneles.
En 1915, sumó otros cuatro; en 1917, solo uno.
Entre noviembre de 1918 y enero de 1919, culminó un panel más. Finalmente, en ese mismo 1919, pintó el último de todos: La Captura del Atún (Ayamonte).
En suma, esta obra colosal absorbió los últimos años de su vida productiva;
Él mismo la consideraba "la obra de su vida", refiriéndose a ella con ese mismo apelativo en diversos escritos que, por fortuna, se han conservado.
El 29 de junio de 1919, Sorolla envió un telegrama desde Ayamonte a su familia, comunicando el fin de su última pintura.
Tristemente, Sorolla no pudo viajar a Nueva York para la instalación de los paneles; el 17 de junio de 1920 sufrió un derrame cerebral.
La enfermedad le impidió tanto la entrega de la obra como el cobro de lo pactado.
Como secuela del derrame, Joaquín Sorolla falleció el 10 de agosto de 1923 en Cercedilla, provincia de Madrid.
Tras su muerte, la Hispanic Society of America liquidó el contrato, y la Sala Sorolla no fue inaugurada hasta el 16 de enero de 1926.
EL ARTISTA Y SU OBRA
Declaró Sorolla:
"Detesto la oscuridad", Claude Monet dijo una vez que la pintura, en líneas generales, nunca es lo bastante luminosa.
Comparto su opinión.
Pero los pintores jamás podremos reproducir la luz solar tal como es. Solo nos queda acercarnos a su verdad.
Sorolla representa la cumbre del impresionismo español, con una lectura fundamentada en la trascendencia absoluta de la luz y el dinamismo de las figuras.
Las variaciones en la intensidad lumínica son capaces de alterar colores y difuminar contornos.
Sus colores, puros —sin mezclas—, se aplican con pinceladas cortas y yuxtapuestas, lo que intensifica su luminosidad.
Su producción artística sorprende por su magnitud: abarca casi tres mil pinturas y más de veinte mil dibujos y bocetos.
Aunque en su obra se percibe la estética impresionista, es innegable que el estudio de Diego Velázquez y Francisco de Goya modeló tanto su concepción artística como sus temas.
Sorolla desplegó una técnica innovadora: una pintura de empaste generoso que capta la vibración lumínica del cielo mediterráneo, las velas desplegadas, la arena y, sobre todo, los cuerpos húmedos de los niños en sus escenas de playa y pesca valencianas.
GALERÍA - ARTE COMENTADO
¡Otra Margarita! - Esta pintura le valió la medalla de primer lugar en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1892.
La obra recrea una escena que el artista presenció durante un viaje: una madre, acusada de infanticidio, siendo trasladada a prisión en un vagón de tren, escoltada por dos guardias civiles.
Destaca la dramaticidad de la escena, intensificada por las expresiones y gestos de los personajes.
La luz juega un papel crucial en la composición.
Para poder llevar a cabo esta pintura, Sorolla alquiló un vagón de tren de tercera clase durante quince días.
Madre - la pintura que inmortaliza a Clotilde junto a su hija Elena.
Una composición sencilla, sí, pero de una eficacia rotunda. Utiliza tonos azules para plasmar el rostro fatigado de Clotilde después del parto.
Mientras, la niña presenta una tonalidad rosada, irradiando un efecto de frescura.
Un fulgor emana de la cama, una masa esponjosa de luz blanca, enmarcada por una pared gris claro.
Una sutil gama de grises predomina en la obra, aunque el artista también empleó toques amarillos y verdes para dotarla de volumen; una técnica inusual en su repertorio, habitualmente más vibrante en color.
Desde ese instante, las representaciones de su familia, en sus diversas etapas vitales, se harían frecuentes.
El rasgo distintivo de los retratos de Sorolla reside en la cercanía que el artista confiere a sus modelos, casi como si el espectador los conociese de antemano.
Siempre busca centrar la mirada en el rostro, que suele aparecer más iluminado en contraste con la vestimenta y el fondo.
Hay un trazo fundamental en la base, sí, pero las pinceladas se muestran sueltas.
GALERÍA
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