Manabu Mabe - Vida y Obra

Su mirada puesta en la abstracción, junto a una habilidad pasmosa para plasmar hondura emocional, lo catapultaron a un lugar de privilegio. Se convirtió en una figura clave: no solo para la historia del arte brasileño, sino para la abstracción global.

Manabu Mabe vino al mundo un 14 de septiembre de 1924. Su cuna fue Kumamoto, Japón.

A los diez años, en 1934, emigró con su familia a Brasil. Se asentaron en Lins, una localidad del interior paulista, para dedicarse al cultivo de café.

Llegó 1945. Y, para disgusto de su padre, Manabu tomó los pinceles; empezó a pintar, de forma autodidacta.

Dos años después, en 1947, viajó a São Paulo. Allí conoció a Tomoo Handa, un artista que, al instante, captó su talento. Lo animó, con insistencia, a seguir pintando.

La década de los cincuenta fue vibrante, prometedora; un torbellino para aquel joven artista.

Mabe se alzó como una figura capital en el panorama artístico brasileño.

Su obra, una huella indeleble, se caracterizó por una fusión inigualable: la finura de la pintura tradicional japonesa se entrelazó con el vigor del expresionismo abstracto occidental.

En 1950, su primera exposición. Tuvo lugar en la Asociación de Artistas de São Paulo.

Un año después, en 1951, exhibió su trabajo en el Salón Nacional de Bellas Artes de Río de Janeiro.

Para 1953, ya participaba en la II Bienal Internacional de Arte de São Paulo. Y aquello se repitió, con frecuencia, durante toda la década. Su culminación llegó en 1959, al alzarse con el "Premio al Mejor Pintor Nacional".

En 1957, Mabe y su familia se mudaron. Su destino: Jabaquara, en São Paulo, un barrio pegado a la Liberdade. Aquel era, y sigue siendo, el corazón de la colonia japonesa en la capital paulista.

Entre 1957 y 1959, el artista regresó a su tierra natal, exponiendo en la Exposición Internacional de Tokio.

Ese mismo año, 1959, Mabe fue galardonado con el premio Braun Editions en la I Bienal de Jóvenes Artistas de París. Este reconocimiento fue tan sonado que la revista Time proclamó 1959 como "El Año de Manabu Mabe".

Para 1960, Mabe ya era un nombre propio, aclamado en todo el mundo. Recibió el Premio Fiat en la 30ª Bienal Internacional de Arte de Venecia.

Los años sesenta vieron cómo se afianzaba su lazo con otros artistas nipo-brasileños. En 1961, expuso en la OEA (Artistas Japoneses de las Américas). Luego, en 1964, fue el turno del Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro. Y así, un sinfín de exposiciones, marcando el siglo.

Una fecha fatídica: 30 de enero de 1979. Tras una exposición en Tokio, 153 de sus cuadros, tesoros de su arte, viajaban a bordo de un Boeing de carga de Varig. La ruta: Tokio a Río de Janeiro, con escala en Los Ángeles.

La aeronave, simplemente, se desvaneció. Desapareció en el Pacífico, a unos 30 minutos (200 km al ENE) de Tokio.

¿Las causas? Siguen siendo un enigma. Ni los restos del avión ni los cuadros, piezas de valor incalculable, se recuperaron jamás.

Su valor superaba, con creces, el millón doscientos cuarenta mil dólares.

Los ochenta lo vieron inmerso en nuevos proyectos. Creó un panel para la Unión Panamericana en Washington; ilustró el Libro de Hai-Kais; y diseñó el telón de fondo para el Teatro Provincial en Kumamoto, su ciudad natal en Japón.

Mabe no se detuvo. Siguió pintando, exponiendo. En 1986, el Museo de Arte Moderno de São Paulo le rindió tributo con una gran retrospectiva.

Mantuvo tres talleres, repartidos por los países donde residió: São Paulo, Nueva York, Tokio. En cada uno, absorbió matices, dejó una estela. Su arte, una marca imborrable, perduró.

Manabu Mabe nos dejó. Fue en São Paulo, el 22 de septiembre de 1997. Una infección, tras un trasplante de riñón, apagó su vida.

Su legado, sin embargo, sigue vivo. Resplandece en su obra, hoy custodiada en museos y colecciones privadas por todo el orbe.

GALERÍA - ARTE COMENTADO

Las pinturas de Manabu Mabe a menudo se emparentan con las del catalán Antoni Tàpies, y, por extensión, con el arte informal europeo.

«Poseo un estilo pictórico que yo mismo, con gran esfuerzo y perseverancia, he forjado. Es, además, fácilmente identificable.

En tono de broma, lo bauticé como 'mabismo'.» – Manabu Mabe, septiembre de 1994

Análisis de Obra de Arte - Agonía, de 1963

En el cuadro titulado «Agonía», el artista fue acumulando y esculpiendo la pintura con una espátula. Esto le permitió generar un sinfín de texturas, ricas y variadas.

Describió el tema: una expresión de la angustia existencial, esa que nace de las oposiciones binarias de la experiencia humana.

«Desde la más remota antigüedad hasta nuestros días —explicaba—, el ser humano subsiste bajo los signos de la vida y la muerte.

El espíritu de la vida edifica, sí; mientras el espíritu de la muerte resplandece, espléndidamente, en el espacio.»

En la composición, estos contrastes se hicieron visibles mediante una paleta cálida y fría. Un juego de texturas diversas, superpuestas.

Un campo azul, casi uniforme, domina el lienzo. Lo interrumpe una masa gestual: óxidos, grises, blancos. Una explosión de rojo vivo la atraviesa.

Garabateó signos enigmáticos sobre esa masa gestual. Luego, extendió una fisura lineal, lateralmente. La implicación: aquella línea podría proyectarse hasta el infinito.

Aunque resulte difícil saber si el artista alentó una lectura simbólica específica de formas o de la paleta, las oposiciones y divergencias que urdió, formalmente, nos susurran el contraste de emociones que definen la humanidad.

«Agonía», de Manabu Mabe, formó parte de la VII Bienal de Arte de São Paulo. Más tarde, la obra fue adquirida y, generosamente, donada a la Sección de Artes Visuales por Francisco Matarazzo Sobrinho, presidente de la Bienal.