Biografía de Diego Velázquez

Sus pinceladas, sueltas, audaces, junto a su increíble capacidad de sugerir detalles con la mínima expresión, marcaron a fuego la evolución de la pintura europea. Fue un punto de inflexión.

Su obra abarca una gama amplísima de temas: desde retratos, claro, hasta escenas mitológicas, religiosas y de género. Una versatilidad y un talento, hay que decirlo, fuera de serie.

BIOGRAFÍA

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez vino al mundo un 6 de junio de 1599 en Sevilla, España.

Su padre, Juan Rodríguez de Silva, tenía raíces portuguesas; su madre, Jerónima Velázquez, era sevillana.

Con apenas once años, comenzó su andadura artística en el taller de Francisco de Herrera, el Viejo, un pintor sobresaliente de aquellos tiempos.

Sin embargo, tras solo un año, se trasladó al obrador de Francisco Pacheco. Allí, sí, obtuvo una formación mucho más completa, tanto en artes como en humanidades.

En 1618, Velázquez contrajo matrimonio con Juana Pacheco, la hija de su maestro, Francisco Pacheco.

Francisco Pacheco, digámoslo, fue un pintor manierista tirando a mediocre. Pero fue, precisamente, bajo su tutela que Velázquez pulió y desarrolló ese estilo naturalista, tan suyo, de sus comienzos.

Durante su estancia en Sevilla, Velázquez fraguó su estilo personal; allí gestó algunas de sus primeras obras de peso.

Las pinturas de esa etapa nos revelan su agudeza para plasmar la realidad con minuciosidad, su ojo para el detalle; y su marcado interés por la vida cotidiana.

En 1623, la vida lo llevó a Madrid. Allí fue nombrado, ni más ni menos, pintor del Rey Felipe IV.

Este nombramiento, claro está, marcó el despegue de una carrera fulgurante en la corte real. No solo retrató al monarca y a su estirpe, sino también a otros miembros de la nobleza y a personajes clave del momento.

Su don para capturar la personalidad y la dignidad de sus modelos le granjeó el favor real, sí, y una posición envidiable en la corte.

En 1627, Velázquez fue recompensado con el título de ujier de cámara, una distinción notable.

Un año más tarde, en 1628, tuvo el honor de recibir la visita del ya consagrado maestro flamenco, Rubens. El grandísimo artista barroco pasó nada menos que seis meses en la corte madrileña.

Velázquez y Rubens, durante esa estancia, compartieron conversaciones, pinceles y, al final, una admiración mutua profunda. Un respeto genuino surgió entre ellos.

Rubens, que era un convencido, animó a Velázquez a poner rumbo a Italia. Creía firmemente que allí, y solo allí, la verdadera expresión artística echaba raíces.

Velázquez, ni corto ni perezoso, emprendió dos viajes vitales a Italia: uno entre 1629 y 1631, y otro de 1649 a 1651. Ambas estancias marcaron, y mucho, su producción.

En tierras italianas, se sumergió en la obra de los grandes maestros renacentistas y barrocos. Aquello, sin duda, nutrió su técnica y, por supuesto, su estilo.

Pinturas como La fragua de Vulcano son un claro testimonio de la huella profunda que dejaron esos viajes en su arte.

A su regreso de Italia, Velázquez inició la fase más fructífera de su carrera.

Volvió a empuñar los pinceles como retratista; de vez en cuando, le encargaban temas mitológicos para engalanar las estancias reales.

Por aquel entonces, sus creaciones religiosas son escasas, obras singulares.

En La Coronación de la Virgen, la solemnidad, la dignidad de los personajes sagrados, se magnifican por sus vestiduras voluminosas, de un colorido exquisito. Una composición de esplendor único, pensada a la medida para un lienzo de la Reina del Cielo, destinado a adornar el oratorio de la reina de España. Qué maravilla.

La última, la gran obra de Velázquez, fue ese retrato de grupo de la Familia Real Española que conocemos como  Las Meninas. Un cuadro, por cierto, que se ha convertido en una de las piezas más estudiadas y diseccionadas de toda la pintura occidental.

Velázquez nos dejó un 6 de agosto de 1660, en Madrid.

Su legado, sin embargo, pervive, vibrante, en cada una de sus obras maestras. Piezas que siguen hoy, intactas, captando el estudio y la admiración a partes iguales.

Su huella es innegable en la obra de muchísimos artistas posteriores. Pensemos, por ejemplo, en Francisco de Goya, Édouard Manet y, cómo no, Pablo Picasso.

LEGADO

A Velázquez se le considera, a menudo, una influencia capital en el arte de Édouard Manet y, por ende, de los mismísimos impresionistas.

Manet, que lo apodó "pintor de pintores", sentía una devoción especial por esa combinación tan audaz de pinceladas libres, sueltas, que definían el estilo velazqueño. Y todo ello, ¡ojo!, sin renunciar a su sólida formación en la academia barroca, tan arraigada en sus coetáneos.

Manet, a su vez, bebió de los motivos velazqueños para nutrir su propia creación.

Siendo un adolescente, mientras estudiaba arte en la Real Academia de Bellas Artes de Madrid, Pablo Picasso se pasaba horas en las galerías del Museo del Prado. Allí, no solo admiró, sino que llegó a copiar varias obras de Velázquez. De hecho, Las Meninas fue tan, tan decisiva que impulsó a Picasso a reinterpretarla más de cincuenta veces con su personal estilo cubista en la década de 1950. Un auténtico diálogo entre genios.

LECTURA DE OBRA DE ARTE

Su pintura El Triunfo de Baco, también conocida, popularmente, como (Los borrachos ), parece beber, en su origen, de Tiziano y Rubens. Pero esa aproximación tan realista al tema, esa, es inconfundiblemente española; una marca que Velázquez mantuvo a lo largo de toda su vida.

En El Triunfo de Baco, la factura, la pincelada, es firme, rotunda en sus figuras. Y las zonas de luz y sombra nos desvelan ya una clara evolución respecto a sus trabajos previos.

La composición se articuló con la deliberada intención de atrapar al espectador. ¿Cómo? Mediante un juego ingenioso de diagonales y puntos focales, verdaderamente complejos.

A la izquierda, Baco y el sátiro que lo secunda aparecen completamente desnudos, sí. Solo los cubre la ligereza de los paños tradicionales de la mitología clásica.

Baco, con una pose estudiada y una iluminación vibrante, nos mira, se sale del cuadro. Mientras, impone una corona de hojas a un hombre de chaqueta dorada, arrodillado ante él. Es un momento clave.

En el rincón inferior izquierdo, agazapada, una figura mitológica, sombría, casi oscura por completo.

El flanco derecho de la composición lo ocupan varios hombres, ya entrados en años, de vestimenta oscura, que beben y charlan, ajenos al mundo.

Dos de ellos, de hecho, dirigen su mirada directamente al observador. Como si nos invitaran a sumarnos a la algarabía, a la fiesta.

Lo que sobresale de esta obra es, sin duda, ese naturalismo tan propio de Velázquez. Es asombroso cómo, incluso al abordar un tema de proporciones míticas, logra mantener un pulso de realismo que parece invitar al espectador a adentrarse en esa escena onírica. Es casi una ventana.

Un año más tarde, en 1628, tuvo el honor de recibir la visita del ya consagrado maestro flamenco, Rubens. El grandísimo artista barroco pasó nada menos que seis meses en la corte madrileña.

Velázquez y Rubens, durante esa estancia, compartieron conversaciones, pinceles y, al final, una admiración mutua profunda. Un respeto genuino surgió entre ellos.

Rubens, que era un convencido, animó a Velázquez a poner rumbo a Italia. Creía firmemente que allí, y solo allí, la verdadera expresión artística echaba raíces.

Velázquez, ni corto ni perezoso, emprendió dos viajes vitales a Italia: uno entre 1629 y 1631, y otro de 1649 a 1651. Ambas estancias marcaron, y mucho, su producción.

En tierras italianas, se sumergió en la obra de los grandes maestros renacentistas y barrocos. Aquello, sin duda, nutrió su técnica y, por supuesto, su estilo.

Pinturas como La fragua de Vulcano son un claro testimonio de la huella profunda que dejaron esos viajes en su arte.

A su regreso de Italia, Velázquez inició la fase más fructífera de su carrera.

Volvió a empuñar los pinceles como retratista; de vez en cuando, le encargaban temas mitológicos para engalanar las estancias reales.

Por aquel entonces, sus creaciones religiosas son escasas, obras singulares.

En La Coronación de la Virgen, la solemnidad, la dignidad de los personajes sagrados, se magnifican por sus vestiduras voluminosas, de un colorido exquisito. Una composición de esplendor único, pensada a la medida para un lienzo de la Reina del Cielo, destinado a adornar el oratorio de la reina de España. Qué maravilla.

La última, la gran obra de Velázquez, fue ese retrato de grupo de la Familia Real Española que conocemos como  Las Meninas. Un cuadro, por cierto, que se ha convertido en una de las piezas más estudiadas y diseccionadas de toda la pintura occidental.

Velázquez nos dejó un 6 de agosto de 1660, en Madrid.

Su legado, sin embargo, pervive, vibrante, en cada una de sus obras maestras. Piezas que siguen hoy, intactas, captando el estudio y la admiración a partes iguales.

Su huella es innegable en la obra de muchísimos artistas posteriores. Pensemos, por ejemplo, en Francisco de Goya, Édouard Manet y, cómo no, Pablo Picasso.

LEGADO

A Velázquez se le considera, a menudo, una influencia capital en el arte de Édouard Manet y, por ende, de los mismísimos impresionistas.

Manet, que lo apodó "pintor de pintores", sentía una devoción especial por esa combinación tan audaz de pinceladas libres, sueltas, que definían el estilo velazqueño. Y todo ello, ¡ojo!, sin renunciar a su sólida formación en la academia barroca, tan arraigada en sus coetáneos.

Manet, a su vez, bebió de los motivos velazqueños para nutrir su propia creación.

Siendo un adolescente, mientras estudiaba arte en la Real Academia de Bellas Artes de Madrid, Pablo Picasso se pasaba horas en las galerías del Museo del Prado. Allí, no solo admiró, sino que llegó a copiar varias obras de Velázquez. De hecho, Las Meninas fue tan, tan decisiva que impulsó a Picasso a reinterpretarla más de cincuenta veces con su personal estilo cubista en la década de 1950. Un auténtico diálogo entre genios.

LECTURA DE OBRA DE ARTE

La Cena de Emaús. Aquí, el realismo tan minucioso, la viveza en las acciones de las figuras —todo ello realzado por una iluminación dramática y potente— nos trae a la mente, irremediablemente, la obra de Caravaggio. No es descabellado pensar que Velázquez pudo haber estudiado sus copias ya en Sevilla.

Cristo es retratado justo en el instante del reconocimiento por parte de dos discípulos, tras su resurrección. Un momento de epifanía.

La fuente de luz, en esta obra, se cuela por nuestra izquierda; su foco principal parece concentrarse en la cabeza de Cristo, o muy cerca de ella. Es sutil, pero efectiva.

El efecto: rostros que se iluminan, un fondo que se ensombrece. El contraste es brutal.

El protagonista, sin duda, es Cristo. De él emana una presencia serena, pensativa. Mientras tanto, los discípulos reaccionan; sus gestos y expresiones son un torbellino de sorpresa, de confusión emocional. ¡Qué escena!

VENUS DEL ESPEJO, UNA OBRA MAESTRA DEL ARTISTA

En la mitología antigua, Venus, la diosa del amor, era la personificación misma de la belleza, la sublimación de lo femenino. Qué figura.

En este lienzo, la vemos, majestuosa, reclinada. Las rodillas, apenas flexionadas, se apoyan sobre finas y ligeras colchas. Qué delicadeza.

El artista, en un ejercicio de pura maestría, centró toda su atención en la belleza del cuerpo femenino. Evitó, con plena intención, la opulencia de cortinajes, el oropel de flores y joyas. La desnudez como eje.