Biographie de Diego Velázquez
Biographie de Diego Velázquez
Diego Velázquez fut un peintre espagnol du Siècle d'Or, au XVIIe siècle. Il compte parmi les figures les plus marquantes de l'histoire de l'art, particulièrement au sein du Baroque.
Son maniement magistral de la lumière et de l'ombre conférait volume et profondeur à ses toiles. Sa dextérité à saisir la réalité de manière naturaliste était frappante.
Ses coups de pinceau libres, cette façon d'évoquer le détail avec une étonnante économie de moyens, ont marqué de leur empreinte l'évolution de la peinture européenne.
Son œuvre est d'une grande richesse thématique : portraits, scènes mythologiques, religieuses ou de genre. Elle révèle une polyvalence et un talent rares.
BIOGRAPHIE
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez voit le jour le 6 juin 1599 à Séville, en Espagne.
Son père, Juan Rodríguez de Silva, était d'ascendance portugaise ; sa mère, Jerónima Velázquez, était sévillane.
À l'âge de onze ans, il entreprend sa formation artistique dans l'atelier de Francisco de Herrera, dit l'Ancien, peintre reconnu de son temps.
Un an plus tard, pourtant, il rejoint l'atelier de Francisco Pacheco. Là, il bénéficie d'une instruction plus vaste en arts et en humanités.
En 1618, Velázquez épouse Juana Pacheco, la fille de son maître, Francisco Pacheco.
Si Francisco Pacheco était un peintre maniériste de modeste talent, ses préceptes furent néanmoins essentiels. Ils permirent à Velázquez d'affiner son style naturaliste des débuts.
Durant son séjour à Séville, Velázquez forge son style propre. Il y réalise certaines de ses premières œuvres majeures.
Ses tableaux de cette époque témoignent de son habileté à dépeindre la réalité avec une précision remarquable, de son intérêt manifeste pour le quotidien.
En 1623, il s'installe à Madrid. Il est alors nommé peintre du Roi Philippe IV.
Cette nomination marque le début d'une brillante carrière à la cour royale. Il n'y peindra pas seulement le souverain et sa famille, mais aussi des portraits de nobles et de personnalités éminentes du temps.
Sa capacité à saisir la personnalité et la dignité de ses sujets lui valut la faveur royale, lui assurant une place de choix à la cour.
En 1627, Velázquez se voit accorder une distinction : il est nommé gentilhomme portier du roi.
L'année 1628 le voit accueillir le célèbre artiste baroque flamand, Rubens, son aîné. Ce dernier demeura six mois à la cour de Madrid.
Velázquez et Rubens échangèrent et travaillèrent côte à côte durant cette période. Ils nouèrent un profond respect mutuel.
Rubens encouragea Velázquez à se rendre en Italie, terre où, selon lui, l'art véritable prenait son essor.
Velázquez entreprendra deux voyages décisifs en Italie, de 1629 à 1631, puis de 1649 à 1651. Ces périples marqueront profondément son œuvre.
En Italie, il étudia les œuvres des maîtres de la Renaissance et du Baroque. Cela enrichit considérablement sa technique et son style.
Des toiles telles que La Forge de Vulcain illustrent bien l'impact de ces excursions sur son travail.
À son retour d'Italie, Velázquez entame la période la plus féconde de sa carrière.
Il retrouve son rôle de portraitiste officiel. De temps à autre, on le sollicite pour des sujets mythologiques destinés à orner les appartements royaux.
Durant cette période, ses œuvres religieuses se font rares et singulières.
Dans Le Couronnement de la Vierge, la solennité et la dignité des figures saintes sont magnifiées. Leurs amples drapés colorés s'intègrent à une composition d'une splendeur inouïe. Cette œuvre convenait admirablement pour un tableau de la Reine du Ciel, destiné à l'oratoire de la reine d'Espagne.
La dernière œuvre majeure de Velázquez fut un portrait de groupe de la famille royale espagnole. Il s'intitule Les Ménines, et est devenu l'une des toiles les plus disséquées de la peinture occidentale.
Velázquez s'éteint le 6 août 1660 à Madrid.
Son héritage perdure à travers ses chefs-d'œuvre. Ceux-ci demeurent des sujets d'étude et de contemplation.
Son influence se manifeste avec éclat chez des artistes ultérieurs, notamment Francisco de Goya, Édouard Manet et Pablo Picasso.
HÉRITAGE
Velázquez est souvent perçu comme une source d'inspiration primordiale pour l'art d'Édouard Manet et des impressionnistes.
Manet, qui le nommait "le peintre des peintres", admirait la hardiesse de ses coups de pinceau libres et déliés. Ce style, si singulier, restait pourtant ancré dans la formation académique baroque de ses contemporains.
Manet s'est d'ailleurs appuyé sur les motifs de Velázquez dans sa propre création.
Adolescent et étudiant aux beaux-arts à la Real Academia de Bellas Artes de Madrid, Pablo Picasso fréquenta assidûment les galeries du Musée du Prado. Il y copia diverses œuvres de Velázquez. Les Ménines exercèrent sur lui une telle emprise que Picasso les réinterpréta plus de cinquante fois dans son style cubiste tardif, dans les années 1950.
ANALYSE D'ŒUVRE
Son tableau Le Triomphe de Bacchus, aussi désigné sous le titre (Los Borrachos ), semble s'inspirer de Titien et de Rubens. Pourtant, son traitement réaliste du sujet, typiquement espagnol, est une constante chez Velázquez, qu'il conservera toute sa vie.
Dans Le Triomphe de Bacchus, la composition se révèle ferme et solide dans ses figures. Les zones claires et sombres, quant à elles, marquent une évolution par rapport aux œuvres antérieures de Velázquez.
La composition fut conçue avec un foisonnement de diagonales et de points focaux complexes, pour captiver l'œil du spectateur.
Sur la gauche, Bacchus et le satyre derrière lui apparaissent entièrement nus, hormis les drapés légers habituels de la mythologie classique.
Bacchus, drapé et vivement éclairé, fixe l'extérieur du tableau. Il pose une couronne de feuilles sur un homme à la veste dorée, agenouillé devant lui.
Une figure mythologique d'une obscurité intense se tapit dans le coin inférieur gauche.
Le côté droit de la composition accueille plusieurs hommes plus âgés, vêtus de sombre. Ils boivent et conversent.
Deux d'entre eux fixent directement le spectateur, comme pour l'inviter à la liesse ambiante.
L'œuvre se distingue par l'emploi du naturalisme cher à Velázquez. Même transposé à un sujet aux proportions mythiques, l'artiste parvient à maintenir un réalisme saisissant. Le spectateur est comme convié à prendre part à cette scène onirique.
HÉRITAGE
ANALYSE D'ŒUVRE
Dans Le Souper à Emmaüs, le réalisme acéré et les gestes des figures, sublimés par un éclairage dramatique, évoquent la production de Caravage. Velázquez a pu l'étudier d'après des copies à Séville.
Le Christ y est figuré au moment où deux disciples le reconnaissent, après sa résurrection.
La source de lumière, dans cette œuvre, émane de notre gauche. Elle semble concentrée sur la tête du Christ, ou du moins à son proche voisinage.
Il en résulte des visages éclatants, sur un fond assombri.
Le Christ est le point d'orgue. Il dégage une présence sereine et méditative, tandis que les disciples, eux, réagissent par des mouvements et des expressions de stupéfaction ou de trouble émotionnel.
VÉNUS AU MIROIR, UN CHEF-D'ŒUVRE DE L'ARTISTE
Dans la mythologie antique, la déesse Vénus incarnait le symbole de l'amour, et toute la beauté sublime et gracieuse de la femme.
Sur cette toile, elle est représentée alanguie, les genoux à demi-pliés, sur de légers voiles flottants.
L'artiste a mis en lumière la beauté du corps féminin. Il a délibérément évité le faste des drapés, écartant les ornements tels que fleurs et bijoux.
