Francisco de Goya  famoso artista espanhol, ocupa uma posição única na história da arte ocidental e é frequentemente citado como um Velho Mestre e o primeiro artista verdadeiramente moderno.  Sua arte incorpora a ênfase do Romantismo na subjetividade, imaginação e emoção, características refletidas mais notavelmente em suas gravuras e pinturas. Graças às suas obras, nas quais o drama da existência humana é retratado de forma particularmente realista, capaz de atingir o espectador de uma forma quase violenta, ele era um observador astuto do mundo ao seu redor, e sua arte respondia diretamente aos eventos tumultuosos de sua época, desde as libertações do Iluminismo, às repressões da Inquisição, aos horrores da guerra após o Invasão Napoleônica.

BIOGRAFIA

Francisco José de Goya y Lucientes nasceu no dia  30 de março de 1746, em Fuendetodos, uma vila no norte da Espanha. Era o quarto de seis filhos. Sua família mudou-se mais tarde para Zaragoza, onde o pai  trabalhou como dourador. Com cerca de 14 anos, o jovem Goya foi aprendiz de José Luzan, um pintor local.

Em 1770, ele viajou para a Itália com a finalidade de continuar seus estudos de arte onde ganhou em segundo lugar um concurso de pintura realizado em Parma com a pintura Sacrifício ao Pan .

Ele voltou em 1771 para Zaragoza, onde iniciou seus estudos com Francisco Bayeu, que se tornou um grande amigo. Em 1773, Goya casou-se com a irmã do amigo, Josefa Bayeu, com quem teve vários filhos, embora apenas um tenha sobrevivido à idade adulta, Javier. Goya disse uma vez que seu filho era tão bonito, que as pessoas nas ruas de Madrid paravam para admirá-lo, o que deixava o pai extremamente orgulhoso. Quando seu filho adoeceu, Goya escreveu que “parou de viver durante todo aquele período”.

Durante o século XVIII, a Igreja foi a mais importante fonte de encomendas de pinturas depois da corte, uma vez que tinha uma enorme riqueza à sua disposição. Seu poder, prestígio e influência eram quase ilimitados; fosse mendigo ou rei, qualquer um que encontrasse um sacerdote carregando a hóstia consagrada tinha que se ajoelhar em veneração.
Goya agora podia viver muito bem com sua renda; aos 27 anos, ele ganhava quase tanto quanto seu professor Luzan.

Em 1774, ele pintou seu mais extenso ciclo de murais no isolado Mosteiro Cartuxo de Aula Dei. Eles foram pintados com óleo aplicado diretamente nas paredes e cobrem uma área total de quase 240 metros quadrados. Em grande parte esquecido por muitos anos, este ciclo sobre a vida da Virgem Maria está, no entanto, entre os mais interessantes dos primeiros trabalhos de Goya, apesar de seu estado precário. O artista  desenvolveu um estilo completamente novo para esses afrescos. Em um fundo de paisagem e características arquitetônicas, figuras encapuzadas em trajes amplos, são capturados por um movimento rítmico majestoso. Amplas áreas de luz e sombra destacam as figuras. Das onze pinturas originais, sete ainda existem.

De 1775 a 1780, Goya alcançou seu primeiro sucesso popular. Ele se estabeleceu como pintor de retratos da aristocracia espanhola, sendo eleito para a Academia Real de San Fernando em 1780 e nomeado em 1786 pintor da corte, sob Carlos III.

De 1789 a 1792, iniciou a criação de desenhos para a fábrica real de tapeçaria de Madrid. Este foi o período mais importante de seu desenvolvimento artístico. Como desenhista de tapeçaria, Goya fez suas primeiras pinturas de gênero, ou cenas da vida cotidiana. As tapeçarias resultantes foram instaladas em dois palácios reais. O artista aproveitou essa experiência para aumentar suas conexões dentro da corte espanhola.

A experiência adquirida, o ajudou a se tornar um observador atento do comportamento humano. Ele também foi influenciado pelo neoclassicismo, que estava ganhando preferência em relação ao estilo rococó. Finalmente, seu estudo das obras de Velázquez na coleção real, resultou em uma técnica de pintura mais solta e espontânea. Ao mesmo tempo, também começou a trabalhar em um conjunto de águas-fortes, Goya se tornaria um mestre da gravura, que passou a servir como o principal meio pelo qual ele expressou seus sentimentos mais pessoais sobre os acontecimentos sociais e políticos de sua época.

Uma doença grave em 1792 o deixou permanentemente surdo. Com a doença, preferiu se isolar, se ocupando cada vez mais com as fantasias e invenções de sua imaginação e com as observações críticas e satíricas da humanidade. Com isso, desenvolveu um novo estilo ousado e livre próximo à caricatura. Embora tenha continuado a trabalhar para a família real espanhola, sua deficiência o levou a se distanciar da vida pública, à medida que se tornava cada vez mais amargo e melancólico.

De 1795 a 1797, atuou como diretor de pintura na Royal Academy e foi nomeado primeiro pintor da corte espanhola em 1799, se estabelecendo como o favorito de Carlos IV, a posição mais alta para um artista na casa real. Ele serviria nessa posição até a invasão napoleônica de 1808, embora tenha continuado a ganhar comissões do novo regime depois de jurar lealdade aos bonapartistas. No mesmo ano,  ele publicou Caprichos, uma série de gravuras satirizando a loucura e a fraqueza humana. Seus retratos tornaram-se caracterizações penetrantes, revelando seus temas como os via. Em seus afrescos religiosos, ele empregou um estilo amplo e livre e um realismo terreno sem precedentes na arte religiosa.

Durante o auge de sua afiliação com a corte espanhola, Goya fez amizade com o influente primeiro-ministro Manuel de Godoy, que encomendou outras obras do artista para sua coleção particular, incluindo a notória A Maja desnuda  (The Naked Maja). Esta pintura levou a especulações generalizadas sobre a verdadeira identidade do modelo, gerando rumores sobre os casos ilícitos de Godoy com duas mulheres diferentes e seu eventual questionamento pela Inquisição Espanhola.

De 1808 a 1814, durante a invasão napoleônica e a guerra de independência espanhola, Goya serviu como pintor da corte para os franceses. Ele expressou seu horror ao conflito armado em Os desastres da Guerra (The Disasters of War), uma série de gravuras totalmente realistas sobre as atrocidades da guerra, que só foram publicadas muito depois de sua morte.

Em 1812, faleceu sua esposa Josefa Bayeu.

Em 1816 publicou suas gravuras sobre touradas, chamadas de ” La Tauromaquia” . Trata-se de um álbum de 33 gravuras. Posteriormente, teve várias outras edições.

Após a restauração da monarquia Bourbon em 1814, Goya retirou-se completamente da vida pública; pouco se sabe sobre seus últimos anos. Ele mudou-se para uma casa de fazenda nos arredores de Madrid, La Quinta del Sordo (A Casa do Homem Surdo), onde em 1821 ele completou as chamadas pinturas negras , que foram pintadas diretamente nas paredes de gesso da casa. Livre de restrições judiciais, ele adotou um estilo cada vez mais pessoal. Nas Pinturas Negras, executadas, o artista deu expressão às suas visões mais sombrias e assombradas, uma série de gravuras também chamadas de Provérbios.

Em 1824, mudou-se para Bordéus para escapar do regime opressor e autocrático de Fernando VII. O artista passou o resto de sua vida no exílio na França com sua empregada e companheira, Leocadia Weiss  e sua filha até sua morte em 16 de abril de 1828.

Após a morte de Goya, La Quinta del Sordo foi deixada nas mãos de seu neto Mariano. Algum tempo depois, seus descendentes a mantiveram até a demolição no verão de 1909. Em 1876 foi demolida a parte da casa onde se encontravam as famosas Pinturas Negras, pois quando foram retiradas das paredes dois anos antes, esses cômodos estavam totalmente arruinados.

A Duquesa de Alba, um capítulo à parte…

O próprio Goya foi objeto de escândalos e rumores, especialmente no que se referia a seus relacionamentos com membros da elite social espanhola. Por exemplo, ele era suspeito de conduzir um caso de amor com a aristocrática Mária Cayetana de Silva, a 13a. Duquesa de Alba, uma das mulheres mais famosas da Espanha. A ligação entre eles provavelmente começou após a morte do Duque de Alba em 1796. O artista sem dúvida ficou encantado com a beleza altiva da Duquesa, com sua figura curvilínea, tez de alabastro e volumosos cachos negros como podemos observar em um dos retratos pintados por ele, o mais famoso…

Pintado um ano após a morte do Duque, este retrato da Duquesa a mostra em luto negro, usando o traje tradicional de uma maja, mulher conhecida por seu comportamento ousado. Ao se passar por maja , a duquesa estava fazendo uma tentativa de se conectar com as massas, apesar de sua posição social elevada. Em pé com uma das mãos no quadril, ela aponta para o chão com a outra mão, onde Goya desenhou levemente seu nome na areia escura, sugerindo “Goya está nos meus pés”. Quando a pintura foi restaurada, a palavra “solo” foi descoberta ao lado do nome de Goya, implicando que o artista era seu único amor (embora ela use dois anéis em sua mão, um com a inscrição “Alba” e o outro “Goya”).

Embora a pintura tenha sido encomendada pela Duquesa, Goya a manteve em sua posse por 15 anos, indicando seu forte apego à obra e seu tema, ou, possivelmente, a incapacidade da Duquesa de aceitar uma pintura que ostentasse abertamente o romance. Muitas das imagens que povoariam as gravuras e desenhos de Goya após o fim de seu relacionamento – mulheres como tentadoras inconstantes, homens como tolos traídos, amantes torturados por paixões incontroláveis ​​- levou historiadores de arte a suspeitar que seu coração foi partido pela Duquesa.

LEGADO

O uso de pinceladas amplas e visíveis por Goya, abriu o caminho para o estilo espontâneo do impressionismo, assim como o tema essencialmente espanhol de sua arte.  Édouard Manetfoi influenciado pela Maja Desnuda para criar a sua Olympia, e foi igualmente ousado, senão mais ousado, em sua reinvenção radical do nu clássico como uma prostituta moderna. Enquanto isso, ainda de Manet,  sua pintura fragmentária de A Execução do Imperador Maximiliano faz referência direta a pintura O Três de Maio de 1808, de Goya , tanto em sua expressão de indignação moral quanto em sua composição formal, embora as simpatias de Manet estivessem do lado dos algozes mexicanos, não do imperador assassinado.

A arte politicamente engajada, altamente subjetiva e imaginativa de Goya representou um passo significativo em direção ao modernismo. Em suas gravuras, especialmente, Goya criticava os eventos de sua época, incluindo guerra, corrupção, males sociais e superstições arraigadas. Isso mais tarde inspiraria artistas como o também  espanhol Pablo Picasso, com sua obra prima Guernica que também se enfureceu contra as injustiças contemporâneas, neste caso o bombardeio fascista de uma vila espanhola na II Guerra Mundial.

O legado de longo alcance de Goya se estende ao Surrealismo, enquanto os artistas olhavam para suas águas-fortes e pinturas negras  como seu tema sombrio e onírico. Salvador Dali criou sua própria versão dos Caprichos em 1973.

GALERIA – ARTE COMENTADA

Abraçando os ideais da Revolução Francesa, mas desprezando a tirania do novo imperador Napoleão, Goya foi um homem de contrastes e conflitos. Refletiu em suas obras, sua visão sombria da sociedade e da política da época.

Adoração ao Nome de Deus – Quando Goya retornou da Itália para Zaragoza em 1772, um de seus primeiros trabalhos foi executar um afresco na Basílica de Nossa Senhora do Pilar. A pintura representa a Adoração do Nome de Deus,  envolvendo características da pintura religiosa católica barroca tardia. Dois grupos de anjos estão dispostos quase para enquadrar a fonte de luz central, destacando um triângulo equilátero rodeado por luz radiante que contém o símbolo de Deus Pai, que neste caso tem seu nome com quatro letras do alfabeto hebraico.

A Dança nas margens em Manzanares – O município de Manzanares,  é um dos locais mais belos que pertence à Comunidade de Madrid. É atraído por turistas do mundo inteiro porque lá também se encontra o Castelo de Los Mendoza, construído no século XV. Goya retrata aqui, a classe ociosa desfrutando de um dia nas margens do Rio. Temas como uma tourada tradicional, uma briga de taverna, gente comum dançando um bolero ou fandango, enfim, podiam estar sendo utilizados às vezes como uma paródia e, mais deliberadamente, para disfarçar os horrores da guerra.

O Guarda Sol – Esta tela é uma das obras mais importantes da produção inicial de Goya. Nesse período, o artista foi contratado para fornecer desenhos para a Fábrica de Tapeçaria Real de Santa Bárbara, Goya foi influenciado pela pintura clássica italiana, tanto pelo tema desenvolvido como pelo estilo utilizado. A inspiração vem da vida galante, descrevendo um dos aspectos mais típicos do traje das cortes europeias do século XVIII. A atmosfera que emana da pintura é carregada de um erotismo impregnado, embora o gesto cavalheiresco se limite a um ato de pura cortesia. A graça e a elegância da composição são totalmente reveladas no delicado jogo de sombras no rosto da jovem. Neste aspecto particular, como no resto da composição.

Cristo Crucificado – A crucificação de Jesus Cristo foi apresentada seguindo o estilo de pintura neoclássica. Jesus é colocado contra um fundo preto, com a cabeça inclinada para a esquerda, talvez olhando para cima de forma dramática. Para modernizar sua apresentação, ele se concentra mais na expressão do que no drama e não há sinal de derramamento de sangue na pintura.

Colheita da uva – Esta é uma das composições mais belas e conhecidas de toda a produção de Goya. A sua estrutura piramidal e as figuras que remetem à estatuária antiga, definem o estudo feito por ele sobre a tradição artística clássica. O desenho que originou a pintura, foi para uma das tapeçarias destinadas à sala de jantar do Príncipe das Astúrias do Palácio El Pardo .

El Aquelarre ou Bruxas Sabá – Essa pintura faz parte de uma pequena coleção de quadros pintados por Francisco de Goya entre os anos de 1797 e 1798 feita para decorar o palácio recreativo dos Duques de Osuna, na região de Madrid. A cena da tela descreve um ritual de Aquelarre, onde o bode no centro é a representação do demônio. As figuras femininas são bruxas novas e anciãs que alimentam o Grande Bode com crianças. Os tons escuros da obra, assim como a ambientação e a paisagem noturna, visavam causar ao espectador a impressão de pesadelo. Neste quadro e na série à que pertence acentuam-se os tons escuros de uma paisagem noturna. No momento da execução desta série, Goya trabalhava em Caprichos sua série de 80 gravuras. O tema de bruxaria era popular entre os iluminados espanhóis amigos do pintor. Outras cinco pinturas similares fazem parte da coleção.

Carlos IV da Espanha e sua Família – É uma representação em tamanho real do rei espanhol, Carlos IV, junto com outros membros da família real em trajes e joias finas. Goya brinca com as cores para retratar de forma pitoresca o tom de pele, as roupas e o cabelo dos personagens. A Rainha Maria Luísa de Parma está ao centro, abraçando a filha Maria Isabel e o filho Francisco de Paula. Também apresenta uma mulher desconhecida, ao lado da menina, especulada como noiva do filho mais velho do rei, Fernando VII. Embora alguns afirmem que esta pintura é a forma de Goya de satirizar a família real, muitos críticos rejeitaram essa noção.

A Maja nua e a Maja vestida – Uma apresentação ousada de fato, retratando uma mulher nua reclinada em  uma cama rodeada por travesseiros, com os olhos sedutoramente fixos nos espectadores. Alguns especulam que a senhora é a duquesa de Alba, alegado interesse amoroso de Goya, enquanto outros a identificam como amante do então primeiro-ministro espanhol Manuel de Godoy. Posteriormente, Goya criou uma pintura pendente da mesma senhora, mas totalmente vestida. Saiba mais em  As famosas Majas de Goya  

O Fuzilamento ou O Três de maio de 1808 – Essa pintura é considerada uma das primeiras imagens verdadeiramente modernas de guerra e influenciou trabalhos futuros de Édouard Manet ( Execução do Imperador Maximiliano ) e Pablo Picasso (Massacre na Coréia ). Clique aqui e saiba mais…

Saturno Devorando seu Filho – Uma das famosas pinturas negras de Goya, ela retrata um tema assustador, mostrando Saturno comendo um de seus filhos. Interpretado de várias maneiras, alguns acham que é uma recriação do famoso mito grego, onde Saturno consumiu cada um de seus filhos após o nascimento com medo de ser destruído por eles. Outros consideram a nudez, aparência desleixada, natureza histérica e comportamento agressivo de Saturno uma representação do estado autocrático da Espanha, atormentando seus cidadãos, ou mesmo a Revolução Francesa.

Composta de 82 gravuras, a série “Desastres da Guerra” de Goya é um relato vívido e cru dos horrores da invasão napoleônica na Espanha e o levante realizado pela população contra a dominação francesa.