Biografia di Diego Rivera: Capolavori, Murales e un'Eredità Immortale (Parte 2)

Questa tela, vibrante e significativa, fu realizzata immediatamente dopo i suoi due imponenti murales per l'Istituto Nazionale di Cardiologia e, poco prima, del grandioso murale intitolato Grande Città di Tenochtitlán.

Rivera, del resto, eccelleva nel trattare soggetti più umili, ponendo spesso al centro la relazione profonda tra il mondo contadino e la natura stessa. In questo dipinto, ci propone un fiore dalla sensualità scultorea — un archetipo della lussureggiante flora messicana. Una forma che Rivera celebrò innumerevoli volte, in particolare negli affreschi dove contadini con tratti indigeni portano fardelli o, appunto, offerte floreali. Questo esemplare, tuttavia, custodisce un omaggio speciale: un riferimento sottile, ma potente, a Frida Kahlo, il suo più grande amore.

L'Industria di Detroit (Murale Nord)

Su commissione di Edsel Ford e Wilhelm Valentiner, Rivera realizzò 27 pannelli. Questi, vibranti di un'alta allegoria, narrano la storia di Detroit e l'inarrestabile sviluppo della sua industria. Il filo conduttore, inequivocabile, è l'industria automobilistica, con il suo ruolo cruciale nella vita cittadina. Numerosi pannelli immortalano la quotidianità e la fatica degli operai della Ford Motor Company. I murales, intrisi di profondo simbolismo, affrontano interrogativi universali: come bilanciare l'uso e l'abuso della natura e degli esseri umani? E il simbolismo, a ben vedere, si manifesta già nella loro stessa impostazione compositiva.

Il pannello principale, quello sulla parete nord, si immerge nel tema dell'oscurità, o forse, nel lato più recondito della realtà. Qui, la realtà si plasma nel lavoro umano, incarnato dagli operai dell'industria automobilistica che instancabilmente assemblano un'auto. Sopra le innumerevoli figure, immerse in una miriade di compiti, spiccano l'arancio e il rosso intensi della fornace gigante, quasi in eruzione. I nastri trasportatori e le linee di montaggio sono presidiati da uomini dalla muscolatura scolpita, che si muovono attorno a due frese. Queste, a loro volta, guidano lo sguardo dell'osservatore verso il fondale della composizione, fino al forno di vetrificazione; è qui che l'acciaio si fonde, pronto a riempire gli stampi dei pezzi – i futuri automobili. L'arte, in questa sezione, si rivela schietta, immediata e potentemente rappresentativa.

Il Portatore di Fiori

Nel 1935, Diego Rivera diede vita con maestria a "Il Portatore di Fiori". Quest'opera, come molti dei suoi dipinti, comunica una semplicità disarmante, eppure irradia un simbolismo denso, un significato che affonda le radici in profondità. Taluni interpretano l'enorme cesto, saldo alla schiena dell'uomo, come la metafora tangibile degli ostacoli che un lavoratore, magari ancora inesperto, incontra in un mondo capitalistico moderno.

I Gigli Calla

I gigli calla, così ricorrenti nell'opera di Diego Rivera, non erano semplicemente soggetti floreali; essi rappresentavano, di fatto, omaggi alle pitture indigene. I nativi, infatti, venivano spesso incorniciati dagli immensi ventagli di questi fiori, che l'artista componeva con una mirabile sinfonia di colori e armonia.

Sogno di una domenica pomeriggio nell'Alameda Central

«In questa composizione, porto con me memorie della mia vita, della mia infanzia e della mia giovinezza… I personaggi che popolano questa passeggiata sognano; alcuni riposano sulle panchine, altri invece, camminano e conversano.» 

• Diego Rivera

Tra luglio e settembre del 1947, Diego Rivera, avvalendosi dell'aiuto di altri artisti, realizzò questo murale colossale. Un'opera monumentale, che richiese un'accurata preparazione della parete per ospitare l'affresco, il quale si estende su un'area di 4,17m x 15,67m e pesa ben 35 tonnellate. Tre sezioni distinte ne delineano la struttura:

Nella prima sezione, l'artista ha dipinto la conquista e l'epoca coloniale. Procedendo, si trova il tema dell'indipendenza; poi, le cruciali interventi stranieri, dove si può notare Antonio López de Santa Anna che, in un gesto storico, consegna le chiavi dei territori al generale americano Winfield Scott. Successivamente, viene rappresentata la Riforma e il Secondo Impero.

Nel cuore della sezione centrale, stretto nella mano della Morte, emerge la figura dell'artista stesso, Diego Rivera, qui raffigurato come un bambino, dalle cui tasche spuntano una rana e un serpente. Alle sue spalle, la moglie, Frida Kahlo, gli sfiora la spalla con un gesto protettivo, stringendo tra le mani lo Ying-Yang. Un altro personaggio di risalto, fulcro di questa complessa composizione, è José Martí, poeta e padre dell'indipendenza di Cuba. Rappresentando la Morte, l'artista evoca una fusione tra due mondi distinti, un legame intimo con la tradizione celebrata dalle culture pre-ispaniche in questo preciso periodo: il Giorno dei Morti. Questa usanza, ancora vivida in molte culture andine, si traduce nel mantenere viva la memoria dei propri defunti e nell'onorarli attraverso un rituale collettivo, dove tutti partecipano, cibandosi e brindando accanto alle tombe dei loro cari. Forse la rappresentazione di questo personaggio così peculiare – e al contempo così radicato nel sentire popolare – simbolizza la memoria storica della lotta e della ribellione degli antenati contro gli invasori. Inoltre, questa raffigurazione si configura come un profondo omaggio che l'artista rende al suo maestro, il plasticista José Guadalupe Posada – anch'egli ritratto a fianco della Morte – creatore dei celebri catrin e catrinas.

Nella terza sezione, Rivera illustra i movimenti contadini e la genesi, lo sviluppo della Rivoluzione Messicana; ritrae agricoltori oppressi e la loro sete di giustizia. Il Messico moderno è qui simboleggiato da una figura presidenziale che, pare, soccombe alla corruzione di religione, donne e affari. È proprio in questa sezione che Rivera si ripropone, ancora una volta, come un bambino che mangia una fetta di torta.

Lo scenario in cui tutti questi personaggi, immersi in un sogno, si muovono, è la celebre Alameda Central, un viale iconico della Città del Messico che l'artista impiega per riflettere, con maestria, la storia della sua nazione.