Biographie de Francisco de Goya et ses œuvres majeures : Un héritage artistique commenté
Biographie de Francisco de Goya et ses œuvres majeures : Un héritage artistique commenté
Les coups de pinceau amples et apparents de Goya marquèrent une étape.
Ils frayèrent la voie au style spontané de l'Impressionnisme. Ils ancrèrent aussi le caractère foncièrement espagnol de son œuvre.
Édouard Manet, par exemple, en perçut directement l'écho.
La Maja Desnuda inspira sa provocante Olympia.
Manet se montra tout aussi, sinon plus, hardi dans sa réinvention radicale du nu classique, le figurant en prostituée des temps modernes.
Autre production de Manet : sa toile fragmentaire, L'Exécution de l'Empereur Maximilien, évoque directement un autre chef-d'œuvre de Goya.
Il s'agit du Trois Mai 1808, de Goya.
Manet s'y fit l'écho de l'indignation morale et de la composition formelle de Goya. Pourtant, ses sympathies allaient aux bourreaux mexicains, non à l'empereur assassiné.
L'art de Goya, politiquement engagé, subjectif, teinté d'imaginaire, constitua un bond en avant décisif.
Ce fut un jalon vers le Modernisme.
Ses gravures témoignent d'un Goya critique féroce des événements de son temps.
Il y abordait la guerre, la corruption, les fléaux sociaux et les superstitions ancrées.
Cet esprit frondeur inspirerait, bien des années plus tard, un autre génie espagnol : Pablo Picasso.
Le chef-d'œuvre de Picasso, Guernica, en est une illustration flagrante.
Picasso, lui aussi, s'insurgea contre les injustices de son temps. Il dépeignit le bombardement fasciste d'un village espagnol durant la Seconde Guerre Mondiale.
La portée de l'héritage de Goya est proprement sidérante.
Il s'étire jusqu'au Surréalisme.
Les artistes surréalistes, eux, se sont penchés sur ses eaux-fortes et ses célèbres peintures noires.
Leurs thèmes sombres et oniriques furent une source d'inspiration intarissable.
Même Salvador Dalí créa sa propre version des Caprichos en 1973. Un geste qui souligne, en son temps, la pertinence hors pair de Goya.
Mais la véritable profondeur de sa vision se révèle dans chaque toile qu'il a effleurée.
GALERIE – ŒUVRES COMMENTÉES
Goya, cet artiste aux contrastes marqués, fut le théâtre d'intenses conflits intérieurs.
Il épousa les idéaux de la Révolution française, mais dédaigna la tyrannie instaurée par le nouvel empereur Napoléon.
Cette dualité transparaît dans ses œuvres. Elles nous livrent une vision sombre et incisive de la société et de la politique de son temps.
L'Adoration du Nom de Dieu
En 1772, Goya revient d'Italie, direction Saragosse.
L'une de ses premières commandes : l'exécution d'une fresque grandiose pour la Basilique Notre-Dame du Pilier.
Cette peinture, figurant l'Adoration du Nom de Dieu, révèle des traits distinctifs de la peinture religieuse catholique baroque tardive.
Deux groupes d'anges y sont agencés pour encadrer une source de lumière centrale.
Cette clarté met en relief un triangle équilatéral, auréolé d'un éclat radieux. Ce dernier contient le symbole de Dieu le Père, son nom inscrit en quatre lettres de l'alphabet hébraïque.
La Danse sur les rives du Manzanares
La commune de Manzanares, près de Madrid, est une contrée d'une beauté singulière.
Des touristes du monde entier y convergent, séduits par ses charmes, notamment le Château de Los Mendoza, bâti au XVe siècle.
Dans cette œuvre, Goya croque la classe oisive jouissant d'une journée sereine au fil de l'eau.
Corridas traditionnelles, rixes de taverne, gens du commun dansant boléro ou fandango… Ces thèmes foisonnaient sur ses toiles.
Ces scènes, toutefois, pouvaient servir de parodie ou, plus délibérément, à voiler les horreurs de la guerre qui rongeait cette période.
L'Ombrelle
Cette toile s'impose comme l'une des plus emblématiques de la période initiale de Goya.
À cette époque, l'artiste reçut une commande capitale : réaliser des cartons pour la Manufacture Royale de Tapisseries de Santa Bárbara.
Goya y révèle une nette influence de la peinture classique italienne. Cela se perçoit tant dans le thème que dans le style.
L'inspiration pour cette toile jaillit de la « vie galante », dépeignant un trait typique des mœurs des cours européennes du XVIIIe siècle.
Une touche d'érotisme imprègne subtilement l'atmosphère du tableau. Pourtant, le geste chevaleresque n'y est qu'un pur acte de courtoisie.
La grâce et l'élégance de la composition irradient. Elles se manifestent dans le délicat jeu d'ombres sur le visage de la jeune femme, un détail qui court à travers toute l'œuvre.
Le Christ Crucifié
Cette œuvre dépeint la crucifixion de Jésus-Christ selon les préceptes du style néoclassique.
Jésus y est positionné sur un fond d'un noir intense, la tête doucement inclinée vers la gauche.
Peut-être son regard est-il subtilement tourné vers le ciel, d'une manière dramatiquement contenue.
Pour mieux innover, Goya choisit de mettre l'accent sur l'expression plutôt que sur le drame explicite.
Curieusement, aucun signe d'effusion de sang ne vient marquer la toile. Un parti pris modernisateur pour l'époque.
La Vendange
Cette composition s'affirme comme l'une des plus belles et des plus célèbres de toute la production goyesque.
Sa structure pyramidale, ainsi que ses figures qui rappellent la statuaire antique, témoignent de l'étude approfondie de Goya des traditions artistiques classiques.
Le carton original qui donna vie à ce tableau fut conçu pour l'une des tapisseries.
Cette tapisserie était destinée à la salle à manger du Prince des Asturies, au sein du grandiose Palais El Pardo.
El Aquelarre ou Le Sabbat des Sorcières
Ce tableau fait partie d'une collection plus modeste.
Goya l'exécuta entre 1797 et 1798, dans l'optique d'agrémenter le palais de campagne des Ducs d'Osuna, non loin de Madrid.
La scène dépeint un rituel d'Aquelarre. Un bouc, proéminent en son centre, y symbolise le démon.
Des figures féminines, jeunes et âgées, y nourrissent le « Grand Bouc » de chair enfantine. Une image perturbante.
Les tons obscurs de l'œuvre, son ambiance, le paysage nocturne… Tout fut minutieusement choisi pour plonger le spectateur dans un sentiment cauchemardesque.
Dans ce tableau, comme dans toute la série à laquelle il appartient, la prédominance de teintes sombres sur des décors nocturnes frappe l'esprit.
Par une curieuse coïncidence, Goya travaillait alors sur sa série de 80 gravures, les Caprichos, au même moment que l'exécution de cette œuvre.
La sorcellerie était alors un thème très prisé parmi les intellectuels espagnols, proches du peintre.
Cinq autres tableaux, aux thématiques similaires, viennent enrichir la collection.
Charles IV d'Espagne et sa Famille
Ce portrait grandiose nous offre Charles IV, roi d'Espagne, en taille réelle.
À ses côtés, d'autres membres de la famille royale étalent des atours somptueux et des joyaux éblouissants.
Goya use des couleurs de main de maître, capturant avec un pittoresque saisissant les carnations, les étoffes et les chevelures des personnages.
La Reine Marie-Louise de Parme occupe le cœur de la toile. Dans un geste tendre, elle enlace sa fille Marie-Isabelle et son fils Francisco de Paula.
Une femme inconnue figure également à ses côtés.
On spécule qu'il pourrait s'agir de la fiancée du fils aîné du roi, Ferdinand VII.
Bien que certains aient pu y voir une satire de la royauté de la part de Goya, cette interprétation a été largement décriée par maints critiques d'art.
La Maja Nue et la Maja Vêtue
Voilà, de fait, une présentation singulièrement audacieuse pour l'époque.
L'œuvre met en scène une femme nue, élégamment allongée sur un lit, environnée d'oreillers moelleux.
Son regard, direct et séducteur, se pose sur les spectateurs.
Des spéculations entourent l'identité du modèle : certains y voient la duchesse d'Albe, amour supposé de Goya.
D'autres, en revanche, l'identifient comme la maîtresse de Manuel de Godoy, alors Premier ministre espagnol.
Goya réalisa par la suite une œuvre jumelle : un portrait de la même dame, mais cette fois-ci, entièrement vêtue.
Pour vous plonger plus avant dans cette histoire intrigante, découvrez les célèbres Majas de Goya.
Le Fusillement ou Le Trois Mai 1808
Ce tableau est largement perçu comme l'une des premières représentations véritablement modernes de la guerre.
Sa puissance marqua en profondeur les œuvres ultérieures d'artistes de renom.
Parmi eux, Édouard Manet, avec son Exécution de l'Empereur Maximilien.
Et, bien sûr, Pablo Picasso, qui signa Massacre en Corée.
Pour plonger dans les détails et l'histoire de cette œuvre emblématique, cliquez ici pour en savoir plus.
Saturne dévorant un de ses fils
Voici, sans conteste, l'une des plus célèbres des Peintures Noires de Goya.
Le tableau aborde un thème profondément effrayant. Saturne y est représenté dévorant l'un de ses propres enfants.
Au fil du temps, cette œuvre a fait l'objet de diverses interprétations.
Certains y perçoivent une recréation littérale du célèbre mythe grec.
Selon ce mythe, Saturne dévorait chacun de ses enfants dès leur naissance, poussé par la crainte d'être détrôné.
D'autres critiques, cependant, examinent la nudité, l'allure négligée, le caractère hystérique et le comportement agressif de Saturne sous un angle plus politique.
Ils suggèrent que la figure pourrait représenter l'Espagne autocratique, tourmentant ses propres citoyens. Ou bien même, qu'il s'agirait d'une allusion à la brutalité de la Révolution française.
Composée de 82 gravures, la série « Les Désastres de la Guerre » constitue un témoignage goyesque brutal et inoubliable.
Elle y narre, de manière saisissante et crue, les horreurs de l'invasion napoléonienne en Espagne.
Plus encore : elle documente le soulèvement désespéré de la population face à la domination française.
