Edvard Munch: Biografie und Werk – Weg und frühe Schöpfungen

Seine pessimistische Lebenssicht vermittelte er durch kühne Farben und kräftige Linien, womit er der expressionistischen Bewegung vorgriff.

In seinen eigenen Worten setzte er sich mit existenziellen Themen wie Leben, Tod und Verzweiflung auseinander, in dem Versuch, „Seelen zu sezieren“.

Edvard Munch: Biografie und frühe Jahre

Edvard Munch wurde am 12. Dezember 1863 im Dorf Adalsbruk, gelegen in Loten, Norwegen, geboren.

Christian Munch, ein hingebungsvoller Arzt, und Laura Catherine Bjolstadva waren die Eltern einer Familie, zu der Edvard und vier weitere Geschwister gehörten.

1864 zog seine Familie nach Oslo, nachdem der Vater zum medizinischen Offizier in der Festung Akershus, einem Militärgebiet, ernannt worden war.

Seine Mutter starb 1868 an Tuberkulose, im selben Jahr, als seine Schwester Inger Marie geboren wurde.

Innerhalb eines Jahrzehnts verstarb auch Sophie, seine Lieblingsschwester, die nur ein Jahr älter und eine talentierte junge Künstlerin war, an Tuberkulose.

Sein Vater, ein absolutistischer Christ, erlitt nach diesen Ereignissen Anfälle von Depression und Wut, sowie nahezu spirituelle Visionen, in denen er die Familie deutete.

In einem seiner Berichte gestand Munch später:

"Mein Vater war von Natur aus nervös und zwanghaft religiös - bis hin zur Psychoneurose. Von ihm erbte ich die Saat des Wahnsinns. Die Engel der Angst, der Trauer und des Todes waren mir vom Tag meiner Geburt an zur Seite." - Edvard Munch

In Abwesenheit der Mutter las der Vater seinen Kindern oft Geistergeschichten von Edgar Allan Poe vor.

Er gab auch Geschichts- und Religionsunterricht, wodurch er dem jungen Edvard ein allgemeines Gefühl der Angst vermittelte.

Infolgedessen entwickelte er eine morbide Faszination für den Tod.

Hinzu kam, dass sein fragiles Immunsystem den strengen Wintern Skandinaviens nicht gewachsen war.

Häufige Krankheiten hielten ihn über längere Zeiträume von der Schule fern. Um diese Zeit sinnvoll zu nutzen, begann er zu zeichnen und mit Aquarellfarben zu malen.

Die Prägung des Künstlers: Einflüsse und Kontroversen

Die Kunst wurde in seiner Jugend zu einer ständigen Beschäftigung. Mit dreizehn Jahren lernte er die Werke des aufkommenden Norwegischen Kunstvereins kennen.

Dies weckte in ihm eine besondere Inspiration für Landschaftsbilder. Durch intensive Beobachtung und das Kopieren dieser Werke brachte er sich die Ölmalerei-Techniken selbst bei.

In den 1880er Jahren entdeckte der junge Künstler, auf der Suche nach einem Bohème-Lebensstil, die Schriften des Philosophen und Anarchisten Hans Jaeger.

Jaeger führte eine Gruppe an, deren Prinzip es war, liberalen Sex, also freie Liebe, und die Abschaffung der Ehe zu verteidigen.

Munch und Jaeger schlossen eine enge Freundschaft. Sein Freund ermutigte ihn, mehr aus persönlichen Erfahrungen in seiner Arbeit zu schöpfen.

Das kranke Kind ist eine düstere Komposition, die als Gedenken an seine verstorbene Schwester Sophie diente.

Als das Gemälde als Die Studentin aus Kristiania ausgestellt wurde, wurde es von Kritikern und auch von den eigenen Kollegen des Künstlers angegriffen, aufgrund seiner offen unkonventionellen Qualitäten und des unfertigen Erscheinungsbildes des Werkes.

1889 erhielt Munch ein Stipendium und reiste nach Paris, um im Atelier von Leon Bonnat zu studieren. Sein Gemälde Morgen von 1884 wurde im selben Jahr im norwegischen Pavillon ausgestellt.

Munch begann in Paris, wie der Impressionist Edouard Manet und die Post-Impressionisten Paul Gauguin, Vincent van Gogh und Toulouse-Lautrec zu zeichnen.

Seine Kompositionen wichen manchmal von den häufig dramatischen Themen über Tod und persönlichen Verlust ab.

Doch ein persönliches Ereignis sollte seine Perspektive drastisch verändern:

Noch im selben Jahr verstarb Munchs Vater bei einem traumatischen Ereignis, das im Künstler ein neues Interesse an Spiritualität und dem Symbolismus weckte.

Dies zeigte er deutlich in dem düsteren Gemälde Nacht in Saint-Cloud, in dem der Künstler seinem Vater eine Hommage erweist.

1892 lud ihn der Verein Berliner Künstler zur Teilnahme an der ersten Einzelausstellung des Hauses ein.

Die ausgestellten Werke sorgten für große Kontroversen, aufgrund der radikal eingesetzten Farben und der düsteren Themen.

Daraufhin wurde die Ausstellung vorzeitig geschlossen. Der Künstler nutzte jedoch die entstandene Publizität, und seine Karriere blühte infolgedessen auf.

Ein Jahr später stellte er in Berlin sechs Gemälde aus, deren Thematik er änderte, welche sich schließlich zur berühmten Serie Ein Gedicht über Leben, Liebe und Tod entwickeln sollten.

Die Anerkennung und die wegweisenden Werke

In den 1890er Jahren schuf Munch die Serie Der Fries, die als seine bedeutendsten und beliebtesten Werke seiner gesamten Karriere gelten.

Dazu gehören: Der Schrei, Liebe und Schmerz, Asche, Madonna und Pubertät.

Alle beschwören seine charakteristisch tiefe, poetische Melancholie herauf, die auf Themen wie Isolation, Tod und dem Verlust der Unschuld basiert.

Gegen Ende desselben Jahrzehnts interessierte sich der Künstler auch für die Fotografie, obwohl er das Medium nie als gleichwertig mit Malerei oder Grafik ansah.

1908, nach einer Reise nach Berlin und der anschließenden Rückkehr nach Paris, erlitt Munch einen Nervenzusammenbruch.

Dies war das Ergebnis eines Bohème-Lebens mit übermäßigem Trinken und Streitereien, verursacht durch den Schmerz und die Angst über den Verlust seiner Schwester und seines Vaters.

Infolgedessen wurde er für acht Monate in Dr. Daniel Jacobsens Sanatorium in Kopenhagen eingeliefert.

Während seines Krankenhausaufenthalts verwandelte er sein Zimmer in ein Atelier und entwickelte einen neuen, extrovertierten und expressiveren Stil.

Er schuf die lithografische Serie Alpha und Omega, die seine damaligen Beziehungen zu verschiedenen Freunden und Feinden darstellte.

Nach seiner Entlassung aus dem Krankenhaus riet ihm sein Arzt, nach Norwegen zurückzukehren und ein ruhigeres Leben zu führen.

Dieser Anweisung folgend zog Munch in ein Landhaus in Ekely bei Oslo, wo er isoliert lebte.

Dort begann er, Landschaften der Bauernhöfe der Region und Arbeiter bei ihren täglichen Tätigkeiten zu malen.

Mit einer neuen, optimistischeren Perspektive zeigt sein Werk aus dieser Zeit eine hellere Palette, mit lockeren Pinselstrichen und Themen, die sich um Leben, Arbeit und Freizeit drehen.

Zu den repräsentativen Werken dieser Zeit gehören Die Sonne und Der Heuernter.

Munch starb beinahe an der Grippe während der Pandemie von 1918–19, erholte sich jedoch und überlebte noch zwei weitere Jahrzehnte.

Eine Ausnahme bildete die Auseinandersetzung mit seiner eigenen Sterblichkeit, was sich in mehreren düsteren Selbstporträts aus den 1930er Jahren widerspiegelt.

In dieser Zeit platzte ein Blutgefäß in seinem rechten Auge, was sein Sehvermögen beeinträchtigte; dennoch malte er weiter.

1940 wurde Norwegen von den Nationalsozialisten besetzt; in der Folge wurden viele seiner Gemälde von Hitler als „entartet“ eingestuft und aus deutschen Museen entfernt.

Von zweiundachtzig während des Zweiten Weltkriegs beschlagnahmten Werken wurden einundsiebzig schließlich von norwegischen Sammlern und Wohltätern gerettet.

Alle wurden nach Norwegen, Munchs Heimatland, zurückgebracht, einschließlich Der Schrei.

Munch malte bis zu seinem Tod, oft schilderte er dabei seine Krankheiten, die sich mit zunehmendem Alter verschlimmerten.

Im Alter von 80 Jahren, mit seit den frühen 30er Jahren immer wieder versagender Sehkraft, verstarb Edvard Munch am 23. Januar 1944 in seinem Landhaus in Ekely.

Das bleibende Erbe Edvard Munchs

Nach seinem Tod wurde bekannt, dass Munch sein verbleibendes Werk der Stadt Oslo vermacht hatte.

Mit etwa 1.100 Gemälden, 4.500 Zeichnungen und 18.000 Grafiken erhielt die Sammlung ein eigenes Museum.

1963 eröffnet, dient das Munch-Museum als Zeugnis des bleibenden Erbes dieses großen Künstlers.

Edvard Munch arbeitete über sechzig Jahre als Künstler. Er war kreativ, ehrgeizig und fleißig.

Neben seiner Produktion von Gemälden, Zeichnungen und Grafiken schrieb er Gedichte, Prosa und Tagebücher.

Der Schrei, Madonna und andere symbolistische Werke aus den 1890er Jahren machten ihn zu einem der berühmtesten Künstler unserer Zeit.

„In Wirklichkeit ist meine Kunst ein Geständnis aus eigenem freien Willen, ein Versuch, meine Vorstellung vom Leben klar zu machen… im Grunde ist es eine Art Egoismus, aber ich werde die Hoffnung nicht aufgeben, dass ich mit ihrer Hilfe in der Lage sein könnte, anderen zu helfen, ihre eigene Klarheit zu erreichen.“ Edvard Munch

Edvard Munch: Zitierte Werke

Nacht auf der Karl Johans gate – Im Vergleich zu Der Schrei ist dieses Werk noch stärker symbolistisch als expressionistisch.

Munchs Beherrschung des Symbolismus erlaubt uns jedoch persönliche Interpretationen der Gesichter voller Schrecken und Angst in den Figuren der irrationalen Menschenmenge, die im Gemälde angeordnet sind.

Man muss die große Schönheit des Nachthimmels und die leuchtenden Lampen sehen, die den Terror, den die Komposition suggeriert, verschleiern.

Liebe und Schmerz – Das Gemälde zeigt eine Frau mit langen, feuerroten Haaren, die einen Mann am Hals küsst.

Viele Menschen identifizieren die Figur als Vampirin, doch der Künstler betonte stets, er habe nichts weiter als „lediglich eine Frau, die einen Mann am Hals küsst“, dargestellt.

Der Schrei – Klicken Sie hier und erfahren Sie mehr über das berühmte Gemälde, das als Munchs Meisterwerk gilt.

Um den Rest dieser Geschichte zu erfahren, lesen Sie unseren nächsten Artikel: Edvard Munch: Biografie und Werk – Essentielle Meisterwerke und sein Vermächtnis.