Rembrandt van Rijn: Biografía y Obras: Una Galería de Obras Maestras Esenciales

En aquellos años, el artista cayó en un comportamiento errático, acumulando deudas considerables. Amigos, la Iglesia y un buen número de sus clientes lo criticaron con severidad.

Años más tarde, Geertghe acusaría a Rembrandt de romper una promesa. Sostenía que el pintor le había propuesto matrimonio, pero la unión jamás se concretó.

Nuevos amores y el ascenso de Hendrickje

Hacia 1647, una nueva figura irrumpió en la vida de Rembrandt: Hendrickje Stoffels. Veinte años más joven que el artista, inicialmente fue empleada como su sirvienta.

Hendrickje era de origen humilde, de temperamento afable. Aportó consuelo a Rembrandt y, sin remedio, complicó aún más la ya precaria relación del pintor con Geertghe.

La relación de Rembrandt con Hendrickje desbordó pronto lo profesional. De sirvienta, pasó a ser modelo y, en breve, su compañera en cada aspecto, habitando como esposa, aunque sin el título formal.

Ella se mantuvo a su lado hasta su muerte en 1663, con solo 37 años. Hendrickje dio a Rembrandt dos hijas: una pereció en la infancia, mientras la menor, Cornelia, creció sana y fuerte.

Rembrandt halló un apoyo inmenso y gran felicidad en Hendrickje y en su hijo Titus, por quienes sentía un afecto profundo. La madurez, al parecer, le brindaba más sosiego y sabiduría, tanto en su vida personal como en su arte.

Declive del gusto y la soledad artística

A pesar de la flamante serenidad en su vida personal, el estilo barroco de Rembrandt comenzó a caer en desgracia.

El gusto holandés por el arte se transformaba: el público ahora clamaba por drama, elegancia, colores vibrantes y modales gráciles, rasgos que distinguían la obra de artistas como el flamenco Anthony van Dyck.

Aunque necesitaba encargos con desesperación, Rembrandt se negaba a transigir con su visión artística. Sus obras se volvieron más silenciosas, más hondamente introspectivas.

Otro motivo de su pérdida de popularidad fue la devoción constante a temas bíblicos. A mediados de la década de 1640, muy pocos artistas holandeses seguían interpretando las escrituras, y los encargos se volvieron escasos.

El interés de Rembrandt por la pintura de paisaje, sin embargo, se mantuvo firme durante las dos décadas siguientes.

Una serie de dibujos y grabados testimonia su aguda observación de la naturaleza, una originalidad compositiva inmensa y una economía de formas sobresaliente.

Su grabado "Vista de Ámsterdam", por ejemplo, seguiría influenciando un sinfín de pinturas de paisajes de la época.

La obra "El Molino" fue considerada por los estudiosos de arte del siglo XIX como una de las cumbres creativas del maestro holandés.

Coleccionistas y críticos ensalzaron la dramática composición del molino, plasmado contra un cielo oscuro y tormentoso. Atribuyeron la atmósfera sombría al estado de ánimo de Rembrandt, quien lidiaba con serias dificultades económicas en aquellos días.

El genio del arte ante la bancarrota

Rembrandt vivió, sin duda, por encima de sus medios. Ofrecía su propia obra en venta, buscando acrecentar sus ganancias, y adquiría pinturas y grabados con asiduidad.

Esta conducta propició una subasta de sus bienes, orquestada por la corte en 1657. En esa coyuntura, el artista se desprendió de la mayoría de sus objetos de valor.

El inventario de bienes abarcaba bustos romanos, armaduras japonesas, piezas asiáticas, colecciones de minerales, diversas pinturas y un vasto compendio de otras antigüedades.

Tiempo después, tuvo que vender su propia casa. Se mudó a una residencia más humilde, en las afueras de Ámsterdam, junto a Hendrickje y Titus.

Pero la burocracia le deparaba un golpe inesperado:

La Asociación de Pintores de Ámsterdam había instaurado una norma novedosa. Esta dictaminaba que nadie en una situación financiera como la de Rembrandt podía ejercer como pintor.

Sin embargo, una solución ingeniosa emergió. Hendrickje y Titus formalizaron una sociedad, constituyendo un nuevo negocio como comerciantes de arte. Rembrandt, entonces, fue contratado como empleado por su propia familia.

Rembrandt sobrevivió a Hendrickje, quien partió en 1663. El propio artista halló la muerte el 4 de octubre de 1669, en Ámsterdam.

Fue sepultado como un hombre desprovisto de bienes, en una tumba sin nombre. Veinte años más tarde, sus restos mortales fueron exhumados y desechados, una práctica común para los fallecidos en la indigencia de aquel tiempo.

 LEGADO

Considerado uno de los primeros artistas a quienes podríamos tildar de "modernos", Rembrandt poseía una comprensión profunda de la trascendencia del detalle al representar el mundo que lo circundaba.

Su notable habilidad era unánimemente reconocida. No solo plasmaba figuras humanas con naturalidad y realismo, sino que, de forma más crucial, retrataba sentimientos, imperfecciones y la moralidad humana con una hondura infrecuente.

Rembrandt formó a innumerables pintores de su época, todos ellos ávidos por emular los rasgos que se volvieron sinónimos de su nombre.

Sus numerosos discípulos pululaban por sus talleres en Leiden y Ámsterdam. Tal fue la magnitud de su influjo que resultaba arduo discernir si alguien laboraba directamente en su estudio o simplemente replicaba su estilo para clientes que anhelaban una obra "a la Rembrandt".

Su devoción por la verdad y la belleza en la vida cotidiana fue acogida por otros artistas contemporáneos, como el pintor español Diego Velázquez, por mencionar uno.

Su estilo fue reinterpretado por grabadores alemanes como Johann Georg Schmidt y Christian Wilhelm Ernst Dietrich. Más tarde, sirvió de inspiración a pintores de la talla de Jean Honore Fragonard y Giovanni Battista Tiepolo.

En 1888, Vincent van Gogh le escribió a su hermano Theo, manifestando su profunda admiración por la obra de Rembrandt, y también por el maestro como hombre y cristiano.

Van Gogh explicó que él también pintaba directamente de la vida, retratando a sus modelos con realismo y dignidad. Describió las obras religiosas de Rembrandt como "magia metafísica" y se esmeró en emular ese rasgo.

En el siglo XX, su influencia se extendió a artistas de la talla de Frank Auebach y Francis Bacon.

De manera análoga a los autorretratos tardíos de Rembrandt, como el "Autorretrato con dos círculos" (1665), los de Bacon resultan a menudo inquietantes y enigmáticos, desvelando una profunda conexión.

Hoy, el quehacer de Rembrandt se erige como un pilar insoslayable en la historia del arte. Sigue siendo un espejo de la grandeza holandesa y la excelencia pictórica.

Aun hoy, los artistas buscan inspiración en su realismo exquisito, impregnando obras contemporáneas con el legado imperecedero y atemporal del gran maestro.

Rembrandt van Rijn: GALERÍA

Aquí presentamos una selección de sus obras, que ilustran la evolución y el genio del artista a lo largo de su trayectoria.

- Balaam y el Asno

Esta es una de las primeras obras del joven Rembrandt, ejecutada poco después de asentarse en Leiden. Se cree que esta pieza deriva de una pintura de su maestro, Pieter Lastman, mostrando sus influencias primigenias.

La lección de anatomía del Dr. Tulp

Este es uno de sus retratos de grupo más célebres. Rembrandt logró individualizar a cada personaje a través de sus fisionomías, hilvanando una acción dramática palpable para esta escena tan curiosa como memorable.

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Rembrandt y Saskia

Esta es una de las contadas imágenes del artista sonriente, un instante de felicidad genuina. Su joven esposa, Saskia, se halla sentada con serenidad sobre sus rodillas, mientras él alza una copa, en un claro gesto de celebración y alegría compartida.

La ronda nocturna

Esta es, sin duda, una de sus obras más controvertidas y rompedoras. Rembrandt ofrece una visión sugestiva donde la individualidad de cada personaje se funde en un conjunto animado y dramáticamente cohesionado.

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Sagrada Familia con Ángeles

En esta pintura, los ángeles anuncian la llegada del Niño Jesús, quien se halla en primer plano junto a su madre, María, sosteniendo el Libro Sagrado. Rembrandt centra la luminosidad de la escena en estos personajes centrales, sin olvidar a José, el carpintero, que se ubica en un plano más discreto.

Cena en Emaús

Este era uno de los temas predilectos del artista. La versión que reside en el Louvre es, con diferencia, la más lograda y célebre entre todas sus interpretaciones.

Aquí, el marcado acento dramático que imprimió en sus ensayos juveniles se transmuta en una interiorización silenciosa y contemplativa, señal de la madurez de su estilo.

Betsabé en el baño

En esta etapa, tanto las escenas históricas como las religiosas de Rembrandt se traducen en términos netamente antiheroicos. Sus obras presentan con frecuencia un único personaje, sumido en una reflexión profunda.

La modelo para esta representación de Betsabé fue su última compañera, Hendrickje, lo que añadió una capa personal a la obra.

Retrato de Titus

Este es uno de los innumerables retratos de su amado hijo, Titus. Hacia el final de su vida, Rembrandt ya no admitía más encargos, prefiriendo consagrar su arte a sí mismo y a sus allegados más íntimos.

Con el avance de la edad, el artista se recluía cada vez más, cerrándose en una especie de retiro creativo, centrado en sus pasiones personales.

Los síndicos de los pañeros

En esta obra, Rembrandt transforma a simples comerciantes de telas, sentados alrededor de una mesa, en actores de una escena vivaz y enérgica. Cada figura cobra vida con una expresividad singular.

Retrato de familia

Este hermoso retrato colectivo fue concebido en los últimos años de su existencia. En él, el pintor halló los tonos más tiernos y la atmósfera más acogedora, acentuada por la luz intensa que se centra en cada personaje, comunicando una profunda sensación de unión familiar.