Simbolismo

O Simbolismo foi um movimento artístico e literário, que surgiu na segunda metade do século XIX. Em muitos aspectos foi uma reação contra o moralismo, o racionalismo e o materialismo. Nesse período, os artistas sentiam necessidade de ir além do naturalismo, ele servia como meio de fuga. Foi um período em que o positivismo promoveu a chegada de um mundo melhor, baseado na razão e na tecnologia. Muitas pessoas lamentaram a perda de vidas que conheceram antes, pois inúmeras pessoas se mudaram para as cidades para trabalhar.

A imensa mudança trazida pela Revolução Industrial criou esse grande embate entre o mundo tradicional e simbólico e a nova realidade com seus diversos valores. Especialmente nos países católicos, as noções do que normalmente era considerado bom e mau estavam sendo questionadas. Começando como um movimento literário, o simbolismo logo foi identificado com a arte de uma jovem geração de pintores que desejavam que a arte refletisse emoções e ideias, em vez de representar o mundo natural de uma forma objetiva. Eles estavam unidos por um pessimismo compartilhado e pelo cansaço da decadência na sociedade moderna.

A Aparição (Salomé). Gustave Moreau. 1874-76 – óleo sobre tela (142×103) – Localização: Museu Gustave Moreau

Simbolismo na França
O simbolismo surgiu inicialmente como um movimento literário na França na década de 1880 e se tornou popular em 1886 após a publicação do manifesto de Jean Moréas no Le Figaro em 18 de setembro de 1886. Moréas, que estava reagindo contra o racionalismo e o materialismo que permeia a cultura ocidental, acreditava no puro subjetividade e a expressão de ideias, em vez de uma descrição realista do mundo natural. No entanto, pode-se dizer que Gustave Moreau foi um dos primeiros artistas desse movimento, que já explorava temas simbolistas vinte anos antes do manifesto de Moréas, por exemplo em sua pintura A Aparição (Salomé).

Em 1891,  Albert Aurier um crítico de arte francês do séc. XIX, publicou um artigo sobre Paul Gauguin, no qual deu a primeira definição de Simbolismo em termos estéticos. Ele a descreveu como a visão subjetiva do artista expressar por meio de um estilo não naturalista, e nomeou Gauguin como sua figura principal. Muitas de suas obras, como por exemplo O Cristo Amarelo é considerada uma das principais pinturas do simbolismo.  O grupo de arte Les Nabis, sob a orientação de Gauguin, também deu uma grande contribuição para a transição para o Simbolismo.

Enquanto isso, Odilon Redon criou sua própria versão de Simbolismo com um misterioso corpo de trabalho com o qual pretendia trazer as pessoas para o mundo ambíguo do desconhecido, assim como a música faz. Frequentemente inspirando-se em sonhos e mitologia, Redon explorou a jornada das trevas à luz.

O Cristo Amarelo. Paul Gauguin. 1889 – Óleo sobre tela (73 x 92,1 cm)

Simbolismo além da França
Fernand Khnopff foi um dos artistas belgas mais importantes. Sua obra A Esfinge é uma das pinturas simbolistas mais icônicas. Também ativo na Bélgica foi James Ensor, que desenvolveu sua própria visão única do Simbolismo com base em figuras carnavalescas e William Degouve de Nuncques, cujas obras íntimas mergulham no mundo secreto dos sonhos e da imaginação. Suas pinturas são quase sempre ambientadas na noite escura, iluminadas por estrelas ou janelas iluminadas, criando assim uma profunda meditação sobre nosso mundo interior.

Dois dos mais importantes simbolistas holandeses foram Jan Toorop e Johan Thorn Prikker. Toorop entrou em contato com o simbolismo na Bélgica e, por sua vez, inspirou Prikker a explorar o movimento. Toorop passou sua infância morando em Java, na Indonésia, o que teve um grande impacto em sua arte e na exploração do mundo dos sonhos, do subconsciente e do mundo das sombras. Formas inspiradas em fantoches de sombras javanesas podem ser frequentemente encontradas em seu trabalho.

Nos países germânicos, Arnold Böcklin, foi uma figura importante do Simbolismo. Sua abordagem ao simbolismo era menos sombria do que muitos de seus colegas. Ele foi inspirado pela luz quente da Itália e pela antiguidade da aura. Sua obra mais famosa é A Ilha dos Mortos, da qual fez cinco versões. Ele chamou a pintura de “um lugar tranquilo” e fez a pintura para uma jovem viúva, que lhe pediu para fazer uma “imagem para sonhar”.

A Esfinge. Fernand Khnopff. 1896
A Ilha dos Mortos. Arnold Böcklin. 1880 – óleo sobre tela (111 x 115 cm) – Localização: Kunstmuseum, Basiléia, Suíça

Na Áustria, as pinturas de Gustav Klimt revelam a conexão estreita entre o simbolismo e movimentos paralelos como o Art Nouveau. As telas pródigas de Klimt exploraram as forças produtivas e destrutivas da sexualidade feminina. O trabalho de Klimt, que muitas vezes foi fortemente criticado e até mesmo escondido dos olhos do público na época, é um testemunho dos desejos e medos desse período.

A Virgem. Gustav Klimt. 1913 – Óleo sobre tela (190 x 200) – Localização: Museu Nacional de Praga

Na Escandinávia, o norueguês Edvard Munch estava intimamente associado aos simbolistas. Ele passou um tempo em Paris e depois se estabeleceu na Alemanha na década de 1890. Seu estilo é frequentemente referido como Naturalismo Simbólico, uma vez que seus temas são baseados nas reais ansiedades da modernidade ao invés de representações mitológicas ou exóticas. Explorando as partes mais profundas da psique e do sofrimento humano, os temas que Munch frequentemente cobria em suas pinturas incluem doença, solidão, desespero e sofrimento mental. Ele criou sua pintura mais famosa, O Grito, após uma intensa experiência que teve ao caminhar ao pôr-do-sol, quando foi subitamente dominado pela mais profunda sensação de desespero, sentindo um grito infinito passando pela natureza.

O Grito. Edvard Munch. 1893

Simbolistas eslavos importantes incluem František Kupka e o tcheco Alphonse Mucha. Ambos os artistas passaram um tempo morando e trabalhando em Paris, e trabalharam em estilos frequentemente relacionados ao Simbolismo. Mucha ficou famoso por seus pôsteres Art Nouveau, que criou a partir de fotos de modelos. Onde Kupka mergulhou profundamente no reino do subconsciente, do sobrenatural e do sofrimento da época, a obra de Mucha era muito mais leve e carecia de uma intensa angústia e sofrimento tão emblemáticos da maioria das obras simbolistas.

A visão do artista belga James Ensor é um exemplo do abismal, do excessivo, do voluptuoso e do absurdo combinava-se com a decadência e o desejo de morte, o olhar da alma que foge do mundo com o misticismo no final do século XIX, o simbolismo inspirador do surrealismo futuro.

O Esqueleto no cavalete vazio. James Ensor. 1896

Os Nabis

Do termo hebraico e árabe para profetas e, por extensão, o artista como o vidente, Os Nabis foram um grupo simbolista fundado por Paul Sérusier em 1889 e baseado em sua pintura O Talismã . Embora não atribuíssem as mesmas opiniões religiosas ou políticas de outros simbolistas, os Nabis queriam estar em contato com um poder superior,  eles acreditavam que o artista tinha o papel de um sumo sacerdote que tem o poder de revelar o invisível. Seu estilo cresceu mais a partir da obra de Paul Gauguin, manifestando-se na planura e estilização, embora o tema seja diferente, focando nos interiores domésticos, como no caso de Édouard Vuillard e Pierre Bonnard. Muitos dos artistas Nabis publicaram na revista Simbolista La Revue Blanche ao lado de suas contrapartes literárias.

O Talismã.  Paul Sérusier. 1888 – Óleo sobre tela (27 x 21.5 cm) Localização: Museu d’Orsay, Paris

O término do Simbolismo
O idealismo por trás do Simbolismo é a razão pela qual foi renunciado posteriormente. A Primeira Guerra Mundial causou terrível desilusão e a beleza ingênua da arte simbolista foi rejeitada e criticada. O modernismo assumiu o controle enquanto os artistas seguiam em direções totalmente novas para se opor à violência e destruição da guerra e lidar com seus traumas. Movimentos como o Dadaismo e o Surrealismo surgiram, cada um à sua maneira devido a elementos do Simbolismo, enquanto explorava novos caminhos e buscava respostas na arte irracional, bruta e primitiva.
Leitura da Obra em destaque “Noite” de Odilon Redon

Noite. Odilon Redon. 1910-11 – Têmpera no painel – Abadia de Frontfroide, França

Noite, de Odilon Redon – Em 1910, Redon decorou a biblioteca da propriedade de Gustave Fayet, seu amigo e um artista que comprou a abadia medieval em 1908 com a intenção de restaurá-la. Para isso, ele criou dois grandes painéis, Dia e Noite , para as duas paredes, e um painel menor sobre a porta, representando quatro cavalos em homenagem às decorações do teto de Eugène Delacroix para o Museu do Louvre em um cenário de tons dourados e flores, expressa a alegria que Redon empregava em suas pinturas. Nos painéis ele retrospectivamente contempla sua própria obra. Noite é em si mesmo semelhante a um sonho. A representação das figuras em cores mais escuras, sugere que elas habitam o mundo noturno do sono e devaneio. As borboletas para Redon, eram criaturas de luz que surgiam da “crisálida das trevas”. Enquanto ele reconhece seus noirs nas figuras sombrias, a luz dourada circundante atenua a escuridão, de modo que a cena evoca uma espécie de paraíso pacífico e imaginário.

Por Roseli Paulino – @arteeartistas

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“Acredito que a Arte está em tudo no que nos rodeia, basta um olhar sensível para apreciar e usufruir das diferentes manifestações artísticas. A Arte é a grande e bela ilustração da vida.”