Biografia di Francisco de Goya e le sue opere principali: Vita, Ascesa e le Sfide di un Maestro Spagnolo
Un genio controverso, Goya trascende epoche. La sua vita, un susseguirsi di trionfi e di profonde sfide personali, si riflette in opere che ancora oggi ci scuotono, rivelando l'anima più cruda e sincera della Spagna e dell'umanità. Un artista ineguagliabile.
Francisco de Goya, il celebre artista spagnolo, occupa un posto singolare nella storia dell'arte occidentale. Spesso è acclamato sia come Vecchio Maestro sia, sorprendentemente, come il primo artista davvero moderno. La sua arte, vibrante, abbraccia l'enfasi del Romanticismo su soggettività, fantasia pura ed emozione profonda, tratti che emergono con forza nelle sue incisioni e pitture.
Grazie alle sue opere, nelle quali il dramma dell'esistenza umana è raffigurato con un realismo acuto, quasi violento, capace di colpire lo spettatore nel profondo, Goya si rivela un osservatore perspicace del mondo circostante. La sua arte era una risposta diretta agli eventi tumultuosi del suo tempo: dalle ventate liberatorie dell'Illuminismo alle spietate repressioni dell'Inquisizione, fino agli orrori della guerra che seguirono l'invasione napoleonica.
BIOGRAFIA
Francisco José de Goya y Lucientes venne alla luce il 30 marzo 1746, a Fuendetodos, un piccolo borgo nel nord della Spagna. Era il quarto di sei figli. La sua famiglia si trasferì in seguito a Saragozza, dove il padre esercitava la professione di indoratore.
A soli quattordici anni, il giovane Goya iniziò il suo apprendistato presso José Luzan, un pittore della zona.
Nel 1770, intraprese un viaggio in Italia, con l'intento di approfondire i suoi studi artistici. Lì, a Parma, si distinse, conquistando il secondo premio in un concorso di pittura con la sua opera Sacrificio a Pan.
Fece ritorno a Saragozza nel 1771. Qui, riprese gli studi con Francisco Bayeu, il quale divenne ben presto un suo caro amico.
Nel 1773, Goya sposò la sorella dell'amico, Josefa Bayeu. Ebbero diversi figli, ma solo uno, Javier, sopravvisse fino all'età adulta.
Si narra che Goya, una volta, affermò come suo figlio fosse di una tale bellezza che la gente per le strade di Madrid si fermava ad ammirarlo. Un orgoglio immenso per il padre.
Quando il figlio si ammalò, Goya scrisse di aver "smesso di vivere per tutto quel periodo". Un dolore lancinante.
Nel corso del XVIII secolo, dopo la corte, la Chiesa rappresentava la principale fonte di commissioni pittoriche, disponendo di un'immensa ricchezza. Il suo potere, il suo prestigio e la sua influenza erano pressoché sconfinati. Dal mendicante al re, chiunque si imbattesse in un sacerdote che recava l'ostia consacrata doveva inginocchiarsi in segno di venerazione.
Goya, ormai, conduceva una vita agiata grazie alle sue entrate. A soli ventisette anni, guadagnava quasi quanto il suo maestro, Luzan.
Nel 1774, dipinse il suo ciclo di murali più vasto, all'interno del solitario Monastero Certosino di Aula Dei. Questi lavori, realizzati con olio applicato direttamente sulle pareti, coprono un'area complessiva di quasi 240 metri quadrati.
Per lungo tempo dimenticato, questo ciclo sulla vita della Vergine Maria è, ciononostante, tra i lavori giovanili più affascinanti di Goya, nonostante le sue condizioni precarie.
Dal 1775 al 1780, Goya conquistò il suo primo, vero successo di pubblico. Si affermò come ritrattista dell'aristocrazia spagnola, venendo eletto alla Reale Accademia di San Fernando nel 1780 e nominato, nel 1786, pittore di corte sotto Carlo III.
Tra il 1789 e il 1792, iniziò a realizzare disegni per la manifattura reale di arazzi a Madrid. Questo periodo fu cruciale, forgiando la sua crescita artistica in modo significativo.
In qualità di disegnatore di arazzi, Goya creò le sue prime pitture di genere, veri e propri scorci della vita quotidiana.
Gli arazzi che ne scaturirono furono poi collocati in due palazzi reali. Un onore non da poco.
L'artista, astuto, sfruttò quell'esperienza per ampliare la sua rete di contatti all'interno della corte spagnola.
L'esperienza accumulata lo aiutò a divenire un osservatore acuto del comportamento umano. Ogni dettaglio contava.
Fu influenzato anche dal neoclassicismo, che stava gradualmente guadagnando terreno rispetto allo stile rococò, allora imperante.
Infine, il suo studio attento delle opere di Velázquez, custodite nella collezione reale, portò a una tecnica pittorica più libera e, innegabilmente, spontanea.
Contemporaneamente, si dedicò anche a una serie di acqueforti. Goya sarebbe diventato un maestro dell'incisione, un mezzo che scelse come veicolo privilegiato per esprimere i suoi sentimenti più intimi riguardo agli eventi sociali e politici del suo tempo. Un vero sfogo.
Una grave malattia, nel 1792, lo lasciò sordo in modo permanente. Un colpo devastante.
A seguito della malattia, preferì isolarsi, dedicandosi sempre più alle fantasie e alle invenzioni della sua immaginazione, oltre che a osservazioni critiche e satiriche sull'umanità.
Fu così che sviluppò uno stile nuovo, audace e libero, quasi caricaturale. Un'evoluzione potente.
Pur continuando a lavorare per la famiglia reale spagnola, la sua disabilità lo spinse ad allontanarsi dalla vita pubblica, trasformandolo, progressivamente, in un uomo sempre più amareggiato e malinconico. Un isolamento voluto.
Dal 1795 al 1797, ricoprì il ruolo di direttore di pittura presso la Royal Academy. Nel 1799, fu nominato primo pittore della corte spagnola, affermandosi come il favorito di Carlo IV. La vetta più alta per un artista nella casa reale. Un trionfo.
Mantenne quella posizione fino all'invasione napoleonica del 1808. Eppure, anche dopo aver giurato fedeltà ai bonapartisti, continuò a ricevere commissioni dal nuovo regime. Un segno della sua ineguagliabile abilità.
Nello stesso anno, pubblicò i Caprichos, una serie di incisioni che sferzavano, con amara satira, la follia e la debolezza umana. Un'opera senza filtri.
I suoi ritratti si trasformarono in caratterizzazioni penetranti, svelando i soggetti esattamente come lui li percepiva. Nessuna maschera era ammessa.
Nei suoi affreschi religiosi, Goya adottò uno stile vasto e liberissimo, un realismo terreno senza paragoni nell'arte sacra. Una rottura audace.
Durante il culmine della sua vicinanza alla corte spagnola, Goya strinse amicizia con l'influente primo ministro Manuel de Godoy. Quest'ultimo gli commissionò diverse opere per la sua collezione privata, inclusa la celebre quanto discussa La Maja desnuda (The Naked Maja). Questo dipinto alimentò speculazioni diffuse sull'identità reale della modella, generando dicerie sui presunti illeciti di Godoy con due donne diverse e il suo conseguente interrogatorio da parte dell'Inquisizione Spagnola. Un vero scandalo, all'epoca.
Dal 1808 al 1814, nel pieno dell'invasione napoleonica e della guerra d'indipendenza spagnola, Goya continuò a servire come pittore di corte, stavolta per i francesi. Un adattamento necessario.
Il suo orrore per il conflitto armato trovò voce ne I disastri della Guerra (The Disasters of War), una serie di incisioni di un realismo brutale sulle atrocità del conflitto. Opere sconvolgenti, pubblicate solo molto tempo dopo la sua scomparsa.
Nel 1812, la moglie, Josefa Bayeu, venne a mancare. Un lutto profondo.
Nel 1816, pubblicò le sue incisioni sulle corride, intitolate "La Tauromaquia". Un album composto da 33 tavole. Un altro lato della Spagna.
Successivamente, vide diverse altre edizioni. Il suo impatto era innegabile.
Dopo la restaurazione della monarchia borbonica nel 1814, Goya si ritirò completamente dalla vita pubblica; poco si sa dei suoi ultimi anni. Si trasferì in una cascina alle porte di Madrid, La Quinta del Sordo (La Casa dell'Uomo Sordo), dove nel 1821 completò le celebri Pitture Nere, dipinte direttamente sulle pareti intonacate della casa. Un periodo di introspezione oscura.
Libero da ogni restrizione imposta dalla corte, adottò uno stile sempre più personale, intimo. Un'esplosione di sé.
Nelle Pitture Nere, eseguite con una foga quasi mistica, l'artista diede sfogo alle sue visioni più cupe e tormentate. Parallelamente, realizzò una serie di incisioni, conosciute anche come Proverbi. Un dualismo artistico potente.
Nel 1824, si trasferì a Bordeaux, fuggendo dal regime oppressivo e autocratico di Ferdinando VII. Un esilio autoimposto.
L'artista trascorse il resto della sua vita in esilio in Francia, insieme alla sua governante e compagna, Leocadia Weiss, e alla figlia di lei, fino alla sua morte, avvenuta il 16 aprile 1828. Un finale lontano da casa.
Dopo la morte di Goya, La Quinta del Sordo passò nelle mani del nipote Mariano. Un'eredità complessa.
Qualche tempo dopo, i suoi discendenti la mantennero fino alla demolizione, avvenuta nell'estate del 1909. Un pezzo di storia andato.
Nel 1876, la parte della casa dove si trovavano le celebri Pitture Nere fu demolita. Quei locali, infatti, erano stati irrimediabilmente rovinati già due anni prima, al momento della rimozione dei dipinti dalle pareti. Un vero peccato.
EREDITÀ
Goya stesso fu spesso al centro di scandali e dicerie, soprattutto per quanto concerneva le sue relazioni con membri dell'élite sociale spagnola. Per esempio, si sospettava che avesse una relazione amorosa con l'aristocratica María Cayetana de Silva, la 13a Duchessa d'Alba, una delle donne più note di Spagna. La corte mormorava.
Il legame tra i due, verosimilmente, iniziò dopo la morte del Duca d'Alba, nel 1796. Un amore proibito, o solo chiacchiere?
L'artista, senza ombra di dubbio, rimase incantato dall'altera bellezza della Duchessa: la sua figura sinuosa, la pelle d'alabastro, i ricci neri e voluminosi. Lo si percepisce distintamente in uno dei suoi ritratti più famosi. Un capolavoro.
Dipinto un anno dopo la scomparsa del Duca, questo ritratto mostra la Duchessa in un abito nero da lutto, indossando il costume tradizionale di una maja, donna nota per il suo atteggiamento audace. Un'immagine potente, simbolica.
Nel fingersi maja, la Duchessa tentava, forse, di connettersi con le masse, nonostante la sua elevatissima posizione sociale. Un gesto di sfida, o di vicinanza?
In piedi, con una mano sul fianco, l'altra punta al terreno. Lì, Goya disegnò leggermente il suo nome sulla sabbia scura, quasi a sussurrare: "Goya è ai miei piedi". Una dichiarazione d'amore, o di possesso?
Quando il dipinto fu restaurato, accanto al nome di Goya fu scoperta la parola "solo", lasciando intendere che l'artista fosse il suo unico amore. Un dettaglio rivelatore. (Eppure, lei sfoggia due anelli sulla mano: uno con l'iscrizione "Alba", l'altro "Goya").
Nonostante il dipinto fosse stato commissionato dalla Duchessa, Goya lo conservò in suo possesso per quindici lunghi anni. Questo potrebbe indicare un suo forte attaccamento all'opera e al soggetto, oppure, chissà, l'incapacità della Duchessa stessa di accettare un'immagine che palesasse così apertamente la loro relazione. Un enigma.
Molte delle immagini che avrebbero popolato le incisioni e i disegni di Goya dopo la fine della loro relazione — donne come tentatrici volubili, uomini come sciocchi traditi, amanti tormentati da passioni inarrestabili — hanno spinto gli storici dell'arte a supporre che il suo cuore fosse stato spezzato proprio dalla Duchessa. Un dolore trasfigurato in arte.
Per comprendere appieno il resto di questo viaggio nell'arte, vi invitiamo a proseguire con il nostro prossimo articolo: Biografia di Francisco de Goya e le sue opere principali: Eredità Artistica e Galleria Commentata.
