Biographie Edward Hoppers und seine Schlüsselwerke: Eine eingehende Betrachtung berühmter Arbeiten
Biographie Edward Hoppers und seine Schlüsselwerke: Eine eingehende Betrachtung berühmter Arbeiten
Kaum ein anderer amerikanischer Künstler hat unsere Sicht auf die Welt so tiefgreifend geprägt wie Hopper – ein Einfluss, der so allumfassend ist, dass er uns beinahe unmerklich geworden ist.
Als unbeirrt der Realität verhafteter Maler, während sich eine Welle abstrakter Bewegungen formierte, muten seine Bilder makellos, sanft und bisweilen fast schon zu real an. Stets zurückhaltend und doch subtil andeutend, laden seine Schöpfungen zur stillen Betrachtung ihrer Erzählungen ein. Hopper porträtierte Menschen, die oft isoliert und von ihrer Umgebung entfremdet schienen; so rückte er die Einsamkeit des modernen Lebens ins Zentrum. Er deutete viel von ihrer Gefühlswelt sowie vom inneren Seelenleben seiner Sujets an. Damit ebnete Edward Hopper unbeabsichtigt den Weg für den Abstrakten Expressionismus.
Sommer im Zimmer – Dieses von Degas beeinflusste Werk rückt eine trostlose Frauengestalt in den Mittelpunkt. Sie sitzt auf dem Boden, ein herunterhängendes Betttuch einer zerwühlten Liege umhüllt sie und verstärkt das stille Durcheinander des Bildes. Ganz versunken in ihre Gedanken, nimmt sie den betrachtenden Blick des Zuschauers nicht wahr. Obwohl die Formen der Malerei nicht abstrakt sind, wohnt Hoppers Pinselführung eine gewisse Hast inne. Die rechte Hand der Frau beispielsweise wirkt eher wie ein Farbklumpen denn als distinkte körperliche Form. Das Fenster wiederum ist lediglich ein Rechteck, durchzogen von horizontalen Linien, als hätte der Maler den Pinsel wiederholt über den Rahmen gezogen.
Mädchen an der Nähmaschine – Als Hopper dieses Werk malte, hatte er seinen Stil bereits vollständig gefestigt. Im Zentrum eines städtischen Interieurs sitzt eine junge Frau mit langen Haaren, die ihr Gesicht beinahe verdecken, ganz in ihre Arbeit an einer Nähmaschine nahe eines Fensters vertieft. Die Komposition evoziert Erinnerungen an ähnliche Innenansichten von Malern der niederländischen Schule des 17. Jahrhunderts.
Automat – Hopper fängt eine Frau ein, die der geschäftigen Stadtszene, voller menschlicher Interaktion, entflohen ist. Sie hat Zuflucht in einem Restaurant gesucht, wo sie alleine an einem Tisch sitzt und nachdenklich ihren Kaffee betrachtet. Die Darstellung von Figuren in isolierten Umgebungen ist ein wiederkehrendes, prägendes Merkmal in den Themen des Künstlers. Eine psychologische Nuance entsteht, indem der Fokus auf eine Frau gelegt wird, die – trotz eines Ortes, der unablässig von Menschen überflutet wird – in tiefer Einsamkeit versunken ist.
Chop Suey – Hoppers Werke zeigten starke Einflüsse der französischen Malerei des 19. Jahrhunderts. In "Chop Suey" verweist der Künstler explizit auf die Café-Szenen von Van Gogh und Édouard Manet, indem er sie gleichzeitig aktualisiert und in das moderne Amerika verpflanzt. Das Gemälde konzentriert sich auf zwei Frauen, die an einem Restauranttisch sitzen. Trotz ihrer Gesellschaft wirkt jede Frau für sich allein, verloren in eigenen Gedanken in einer Welt der Stille, während auch das Paar im Hintergrund wenig gesprächig erscheint. Jedes Detail im Bild verstärkt das Gefühl von Fremdheit und Entfremdung, das die Szene durchzieht.
In einem Interview mit dem Reality Magazine im Jahr 1953 äußerte Hopper: „Große Kunst ist der äußere Ausdruck eines inneren Lebens im Künstler, und dieses innere Leben manifestiert sich in seiner persönlichen Weltanschauung.“
Tankstelle – Dieses Gemälde zeigt eine einzelne Figur, einen einsamen Tankwart, in einer stillen, düsteren Umgebung, die nur leicht von den Zapfsäulen belebt wird. Die geringe Bedeutung der Figur im Gesamteindruck des Bildes wird durch die dramatische Behandlung der Umgebung verdeutlicht. Die Präsenz des Lichts, das sich über den Boden ausbreitet, den umliegenden Raum erhellt und den Betrachter mittels einer offensichtlichen linearen Perspektive über die Tankstelle hinaus zu einer dunklen Baummasse lenkt, unterstreicht Hoppers Fokus.
Morgensonne – In diesem Gemälde porträtiert der Künstler seine 68-jährige Frau Jo, sitzend auf einem Bett. Die morgendliche Sonne, die durch das Fenster fällt, trifft die Figur und die leere Wand. Hopper verwischt die Details ihres Gesichts durch einen bewussten Mangel an Ausformulierung, was ihre Miene ambivalent erscheinen lässt, vielleicht nachdenklich, vielleicht reuevoll. Wie in vielen seiner Werke dient die menschliche Figur hier dazu, eine Stimmung einzufangen oder einen psychologischen Zustand anzudeuten, anstatt ein spezifisches Individuum abzubilden.
Morgenlicht – Zwei Figuren sitzen auf der Veranda eines Hauses: eine junge, halbnackte Frau auf einem Geländer und eine ältere Frau, lesend auf einem Stuhl in der Sonne. Hoppers Frau Jo stand für beide Figuren Modell, wie für fast alle seine Gemälde. Hopper selbst bemerkte dazu: „Ich glaube nicht, dass irgendeine symbolische Idee hinter den beiden Figuren steckt. Ich war mehr am Sonnenlicht und den Figuren interessiert als an jedweder Symbolik.“
