Das Erbe Anita Malfattis: Eine Analyse bedeutender Werke und ihr Einfluss auf den brasilianischen Modernismus

„Ich habe alle Techniken erprobt, aber bin direkt zur Einfachheit zurückgekehrt; ich bin weder modern noch alt, sondern schreibe und male, was mich entzückt.“ – Anita Malfatti

HAUPTWERKE

• DIE NÄRRIN

Das Bild ist eine Symphonie der Farben: Orangerot, Gelb, Blau und Grün tanzen über die Leinwand. Die von meist diagonalen schwarzen Linien umrissenen Farbzonen werden so meisterhaft hervorgehoben. Im Vordergrund nimmt eine kantige, asymmetrische Figur unregelmäßige Farbaufträge entgegen. Gelb-, Blau- und Grüntöne; all dies akzentuiert die von schwarzen, zumeist diagonalen Linien gefassten Farbereiche.

Im Antlitz der dargestellten Figur betonen schwarze Züge den ungewöhnlichen, vagen Ausdruck der jungen Frau. Ganz im Sinne expressionistischer Ästhetik des Irrationalen und Disharmonischen. Der Hintergrund wiederum ist mit schnellen Pinselstrichen ausgeführt; er dient als gekonnter Kontrapunkt.

Die Dargestellte blickt entrückt, scheint versunken in einer ganz eigenen Welt. Ihre dunklen Augen werden von schwarzen Konturen umrahmt, die Augenbrauen ähneln einem Zirkumflex. Schwarzes Haar, mittig gescheitelt, bedeckt ihre Ohren.

Der Hintergrund der Komposition, in Blau und Grün gehalten, bildet einen starken Kontrast zur Kleidung der Figur und ihrem Stuhl.

- TROPISCH

Um als Künstlerin in ihrem Heimatland Anerkennung zu finden, legte die Malerin ihre expressionistische Inspiration beiseite und verlieh ihren Werken zunehmend realistischere Züge.

Ihr Werk „Tropisch“ gilt als das erste moderne Gemälde mit einem brasilianischen Thema. Darin stellt die Künstlerin eine Frau mit gemischtem Hautton dar. Die Figur trägt einen Korb mit tropischen Früchten, was gewissermaßen das damalige Gesicht Brasiliens widerspiegelt.

– Der Leuchtturm

Dies ist eines der bekanntesten Werke Anita Malfattis. Hier erscheint die Landschaft harmonischer mit menschlicher Präsenz verwoben, sichtbar in den Gebäuden, die die Szenerie bilden.
Die Künstlerin malte dieses Bild während ihres Studiums in den Vereinigten Staaten. Ihr Lehrer, Homer Boss, pflegte seine Schüler auf die Insel Monhegan im Norden des Landes zu führen, wo dieser Leuchtturm stand, der auch von anderen Malern festgehalten wurde.

„WIR MALTEN IM STURM, IN DER SONNE, IM REGEN UND IM NEBEL. LEINWAND UM LEINWAND. DA WAR DER STURM, DER LEUCHTTURM, DIE FISCHERHÄUSCHEN, DIE DIE HÜGEL HINABGLITTEN, DIE KREISFÖRMIGEN LANDSCHAFTEN, DIE SONNE UND DER MOND UND DAS MEER. DER GRÖSSTE FORTSCHRITT, DEN ICH IN MEINEM LEBEN MACHTE, WAR AUF DIESER INSEL UND IN DIESER ZEIT BESONDERER ATMOSPHÄREN. ICH WAR FASZINIERT VON DER MALEREI.“ Anita Malfatti

Im ersten Jahr kam Anita mit der gesamten modernistischen Aufbruchsstimmung in Berührung, besuchte neugierig Ausstellungen, doch ihr Studium blieb noch recht traditionell. An der Akademie belegte sie Kurse in Zeichnen, Perspektive und Kunstgeschichte. Ihr Interesse an neuen Ausdrucksformen vertiefte sich in den Privatstunden bei Professor Fritz Burger-Mühlfeld (1867 – 1927). Dieser Künstler, dem deutschen Post-Impressionismus verbunden, eröffnete ihr künstlerische Möglichkeiten jenseits traditioneller Ansätze. Die Präsenz des Modernismus in ihrer Ausbildung wurde in den Kursen bei Lovis Corinth (1858 – 1925) und Ernst Bischoff-Culm betont. Als sie 1912 die große Retrospektive moderner Kunst des Sonderbundes in Köln besuchte, war Anita bereits mit der modernen Produktion vertraut. In den Porträts, die die Künstlerin in dieser Zeit malte, spiegelte sich das Erlernen neuer Poesien wider. Die klassische Kontur dominierte, doch die Farben wurden ausdrucksstark eingesetzt; sie zeigten eine größere und kontrastreichere Bewegung als die Zeichnung. Obwohl sie nicht mit den Formen in Konflikt geraten, ist spürbar, dass die Elemente in unterschiedlichen Dynamiken wirken. Anita stellte diese Bilder 1914, nach ihrer Rückkehr nach São Paulo, in ihrer ersten Einzelausstellung aus.

1915 brach die Künstlerin zu einem weiteren Studienaufenthalt auf, diesmal in die Vereinigten Staaten, wo sie Kurse bei Homer Boss (1882 – 1956) an der Independent School of Art belegte. Die Zusammenarbeit mit diesem amerikanischen Professor und das avantgardistische Klima der Schule förderten die in Deutschland begonnene Entwicklung moderner Freiheit. Hier entstanden ihre bekanntesten Werke, darunter Der Leuchtturm (1915), Torso/Rhythmus (1915/1916) und Der Gelbe Mann (1915/1916). In diesen Bildern löst sich die Zeichnung von der Verpflichtung zur klassischen Abbildgetreue und gewinnt einen interpretativeren Sinn. Manchmal stellt die dicke, geschwungene Kontur die Figuren als schwere, voluminöse Masse dar. In anderen Arbeiten, mit geschlossenerem Strich, wird die Farbe geglättet und bildet freie Porträts und Landschaften durch die Gliederung von Oberflächen in kontrastreichen Farben.

In Brasilien, im Jahr 1917, verknüpfte die Künstlerin diese Freiheit des Formens mit nationalistischer Kritik an importierten Darstellungsmodellen. Gemälde wie Tropisch (1917), ursprünglich Negra Baiana betitelt, und Caboclinha (1907) gehören zu diesem Bestreben. All diese Werke wurden in ihrer zweiten Einzelausstellung, der „Exposição de Arte Moderna“ im Dezember 1917, zusammengeführt. Die Schau hatte entscheidende Auswirkungen auf ihr Schaffen. Die Reaktionen waren vielfältig. Einerseits förderte die Ausstellung die Annäherung von Künstlern und Intellektuellen, die später in São Paulo die Woche der Modernen Kunst von 1922 veranstalten sollten. Andererseits geriet sie zum Ziel einer heftigen Reaktion gegen moderne Ausdrucksformen. Die gegen die aus Europa stammenden Avantgarden gerichteten Positionen, deren prominentester Vertreter Monteiro Lobato (1882 – 1948) war, betrachteten die Ausstellung als Verschwendung von Anitas Talent, da sie sich „faszinierten und mystifizierenden Fremdheiten“ hingab.

Diese Reaktion, so manche, erschütterte das Vertrauen der Künstlerin und beeinflusste ihre Karriere drastisch. Andere wiederum meinten, Anita hätte schon länger zwischen realistischeren Formenschemata und Lösungen, die dem internationalen Modernismus näherstanden, geschwankt. Nach der Ausstellung von 1917 wandte sie sich der traditionellen Sprache zu und nahm Unterricht beim Akademiker Pedro Alexandrino (1856 – 1942). Ihre Werke wurden ebenfalls realistischer. Ermutigt von der Gruppe, die die Woche der Modernen Kunst veranstalten sollte, darunter Menotti Del Pichia (1892 – 1988), Oswald de Andrade (1890 – 1954) und Mário de Andrade (1893 – 1945), interessierte sich Anita um 1921 erneut für avantgardistische Ausdrucksformen. Bei der Woche der Modernen Kunst in São Paulo im Jahr 1922 stellte die Künstlerin erneut die 1917 gezeigten Leinwände zusammen mit neuen modernistischen Arbeiten aus und wurde von Sérgio Milliet (1898 – 1966) als die bedeutendste Künstlerin der Ausstellung betrachtet.

1923 erhielt Anita endlich das staatliche Künstlerstipendium – das sie mit der Ausstellung von 1914 nicht bekommen hatte – und reiste nach Paris, wo sie fünf Jahre verweilte. Während ihres Aufenthalts distanzierte sie sich von den kontroversen Positionen der Avantgarde. Sie malte Innenraumszenen wie Interieur von Monaco und La Rentrée, näherte sich dem Fauvismus und der Einfachheit der primitiven Malerei an. Die Künstlerin lehnte den Modernismus nicht ab, mied jedoch dessen Bruchhaftigkeit. Nach ihrer Rückkehr nach Brasilien im Jahr 1928 interessierte sie sich für regionalistische Themen und wandte sich traditionellen Formen zu, wie der Renaissance-Malerei und der Naiven Kunst.

Das Interesse an einer fließenderen, unkonventionellen Malerei brachte Anita der Gruppe der Maler der Künstlerfamilie von São Paulo (FAP) näher. Sie identifizierte sich mit dem Streben nach spontaner, gut gemachter Malerei, die weder an etablierte Modelle gebunden noch im Innovationsdrang verloren war. Ab den 1940er-Jahren malte die Künstlerin zunehmend Szenen aus dem Volksleben. In den 1950ern war das Populäre nicht nur Thema, sondern wurde auch in die Formen integriert, beeinflusst von der nicht-akademischen Kunst. 1963, ein Jahr vor ihrem Tod, veranstaltete sie eine Einzelausstellung in der Casa do Artista Plástico und erhielt eine Retrospektive ihres Werkes auf der 7. Biennale von São Paulo. Es war die letzte Ehrung zu ihren Lebzeiten.

GALERIE AUSGEWÄHLTER WERKE