El Almuerzo sobre la Hierba, obra maestra de Édouard Manet

La pieza nos sumerge en un pícnic al aire libre: dos figuras masculinas ataviadas y una mujer desnuda, serena, sentada junto a ellos. ¡Pura audacia! Una afrenta directa a las convenciones artísticas y sociales del momento.

Manet, con maestría, juega con contrastes de luz y sombra, desplegando una paleta cromática suntuosa para infundir vida a esta escena tan debatida.

"El Almuerzo sobre la Hierba" se alza como un hito ineludible en la transición del realismo al modernismo, un precursor fulminante del movimiento impresionista. Subraya, con pulso firme, la asombrosa habilidad de Manet para dinamitar normas y expandir los confines del arte.

Considerada la primera obra maestra de Édouard Manet, esta tela ha cautivado e inquietado al mundo desde su primera exhibición en París en 1863.

¡Una afrenta! Así la tildaron en su momento, no solo por la descarada desnudez femenina en contraste con los hombres vestidos, sino por un detalle aún más osado: el pintor empleó a modelos de su propio círculo íntimo para las figuras de la composición.

La mujer desnuda, ese epicentro de la polémica, es Victorine Meurent, una de sus musas y modelos predilectas.

Los caballeros, por su parte, no son otros que su hermano, Eugène Manet, y su cuñado Ferdinand Leenhoff.

Desde el primer instante, la obra fue un blanco de la crítica más feroz.

Fue, cómo no, rechazada por la Academia Francesa en su anual Salón de París, pero, para su fortuna (o desdicha de los puritanos), halló refugio en una exposición alternativa: el célebre Salón de los Rechazados, donde se presentó bajo el título de 'El Baño' (Le Bain). 

Como tantas piezas impresionistas (aunque Manet desafiaba etiquetas), esta pintura nos regala una estampa cotidiana: dos mujeres y dos hombres compartiendo un pícnic en el corazón de un bosque.

Pero, ¡ah!, lo que verdaderamente captura la mirada del espectador reside en un detalle peculiar, casi insolente: una de las mujeres aparece desnuda.

Cierto es que el desnudo femenino había sido un tema recurrente a lo largo de la historia del arte; sin embargo, siempre se había velado bajo el manto de la mitología o la alegoría. ¡Hasta que llegó Manet y su obra!

Al emplazar a una mujer sin ropajes en un entorno cotidiano, Manet no solo recontextualizó los viejos valores, sino que redefinió el tema mismo, aderezándolo con una pizca de ironía.

Aunque Manet rehusó abrazar los temas clásicos tan populares entre sus contemporáneos y precursores, no dudó en beber de sus fuentes.

Él mismo afirmó que su obra es, en esencia, una herencia directa de los antiguos maestros. Se inspiró, sin tapujos, en piezas que observó en el  Museo del Louvre, pensemos en Tiziano y su sublime pintura 'El Concierto Campestre', o en esa  una estampa (grabado) titulada El Juicio de Paris.

La obra de Tiziano, una joya renacentista, representa alegóricamente la poesía y la música con una delicadeza sin igual.

De ella, Manet se apropia, con su audacia característica, de la dinámica de dos hombres vestidos sentados al aire libre junto a dos mujeres desnudas: una sentada, la otra absorta en su baño.

En cuanto al grabado, hablamos de una obra de Rafael que el tiempo, cruel, ha devorado. Sin embargo,  Marcantonio Raimondi tuvo la visión de copiarla para dar vida a su propia estampa.

El Almuerzo sobre la Hierba, sin duda, era demasiado moderno, casi irreverente, para su tiempo.

Más allá de su tema rompedor, la obra destaca por sus dimensiones, que siguen el patrón del tamaño humano. ¡Una tela monumental! Introduce, con clarividencia, un tema que los impresionistas, años más tarde, harían suyo: el pícnic burgués.

Manet evoca, con intención, aquellas pinturas renacentistas de ocio sensual, pero actualiza el divertimento. Nos muestra a caballeros bohemios de su propia clase, en compañía de mujeres que, se rumoreaba, bien podrían ser prostitutas.

El estilo y la destreza de Manet impactaron casi tanto, o más, que el propio asunto representado.

Manet dinamita las normas habituales, generando contrastes brutales entre sombras y luces. Los personajes, parece, no se integran de modo orgánico en la composición; la vegetación, casi esbozada, ni pintada; la perspectiva, ignorada; la profundidad, ausente. ¡Un desafío frontal a la academia!

Lo que podemos colegir, sin margen de error, es que estamos ante una escena nacida de la mente brillante de Manet, un lugar donde el taller y la pintura se fusionan en un acto creativo sublime.

No es mera suposición; la obra aborda, con descaro, cada uno de esos "problemas" visuales que los académicos, con su lupa, han señalado:

- La iluminación es contradictoria, ¿no lo ves?

Lo percibimos claramente: el primer plano se ilumina desde detrás de nosotros, como si una ventana de estudio proyectara su luz; mientras que el fondo, visto desde arriba, se baña en una luz solar "pintada", casi postiza.

Además, la presencia del desnudo, sobre quien incide directamente la luz de esa supuesta ventana, solo cobra sentido en un estudio, jamás al aire libre.

- ¡Atención! Hay pruebas irrefutables de que las dos mujeres representadas son, en realidad, una sola.

Poseen el mismo tipo de cuerpo, sin la menor duda.

Sus cabellos son idénticos, aunque Manet, astuto, oscureció el de la bañista para intentar disimular la asombrosa semejanza.

Los pendientes: idéntica tonalidad, idéntico tamaño, posicionados a la misma distancia precisa del lóbulo de la oreja.

Hoy día, esta pintura sigue siendo, indiscutiblemente, la obra más celebrada de Manet y uno de los principales tesoros del Museo de Orsay en París. Su trascendencia histórica y su impactante visualidad la convierten en un imán para el ojo crítico.

Su relevancia, vista desde el contexto histórico, es incuestionable: se erige como el verdadero punto de partida para el Impresionismo y, por ende, para la arte moderna en su conjunto.

Declaró el inmenso Auguste Renoir: "Manet es tan fundamental para nosotros como Cimabue y Giotto lo fueron para el Renacimiento italiano."

Por muy originales que se presuman los artistas, incluso los innovadores más asombrosos –Manet es el ejemplo paradigmático–, todos, sin excepción, son profundamente sensibles a la tradición que les precede.

Aunque Manet pintó la tela con su estilo inconfundible, no se le cayeron los anillos al beber de las ideas de los maestros del Renacimiento.

Como ya dijimos, tres de sus figuras encuentran su eco en una estampa de Marcantonio Raimondi, a su vez copia de una composición, hoy perdida, del sublime Rafael Sanzio.

El genial Pablo Picasso, con su espíritu torrencial y original, también supo nutrirse de la tradición para reinventarse.

En sus célebres reinterpretaciones de los viejos maestros, Picasso, desde 1960, insufló nueva vida a veintisiete óleos y más de ciento cincuenta dibujos, todos ellos inspirados en el célebre Almuerzo sobre la Hierba  de Manet. La serie culminó, magistralmente, en 1963.

La primera de ellas, datada de 1960, es una copia razonablemente directa de la obra de Manet en lo que concierne al número y disposición de las figuras, si bien el estilo, ¡faltaría más!, es notoriamente distinto.

Contemplar una obra de arte no exige un conocimiento enciclopédico de todas estas tradiciones para que nos dejemos llevar por su apreciación.

Lo que realmente importa es sentir, es vibrar, y, por encima de todo, reconocer la audacia que emana de estos artistas.

El Almuerzo sobre la Hierba: CURIOSIDADES

Por muy originales que se presuman los artistas, incluso los innovadores más asombrosos –Manet es el ejemplo paradigmático–, todos, sin excepción, son profundamente sensibles a la tradición que les precede.

Aunque Manet pintó la tela con su estilo inconfundible, no se le cayeron los anillos al beber de las ideas de los maestros del Renacimiento.

Como ya dijimos, tres de sus figuras encuentran su eco en una estampa de Marcantonio Raimondi, a su vez copia de una composición, hoy perdida, del sublime Rafael Sanzio.