Paul Gauguin: El viaje a Tahití, legado y obras esenciales (Parte 2)

Falleció el 08 de mayo de 1903.

Su cuerpo yace sepultado en la Isla Hiva Oa.

La familia deshecha: El precio del arte de Gauguin

La decisión de Paul Gauguin de convertirse en artista lo condujo a una vida de viajes incesantes.

Esa compulsión, sin embargo, se tradujo en un distanciamiento gradual de su esposa y de toda su familia.

Su hijo mayor, Emil, relató sobre su madre: “Ella accedió a dejarlo ir, no porque creyera que se convertiría en un genio, sino porque respetaba su pasión por el arte.”

“Fue un acto de valentía por parte de mi madre”, continuó Emil. “Esto significaba que ella debía asumir la carga de mantenernos y educarnos, a mí y a mis hermanos, que aún éramos niños.”

Pese a estar separados por dieciocho años, Paul y Mette-Sophie jamás se divorciaron oficialmente.

Mantuvieron correspondencia regular hasta el año 1897.

Con su esposa oficial, Mette-Sophie, Gauguin tuvo cinco hijos: cuatro hombres y una mujer.

Tristemente, Gauguin sobrevivió a dos de ellos, una tragedia personal que lo marcó hondamente.

Su hija Aline murió de neumonía, y su hijo Clovis falleció a causa de una infección sanguínea tras un procedimiento quirúrgico.

Emile, su otro hijo, siguió una carrera como ingeniero de construcción en los Estados Unidos, donde está sepultado, en Florida.

Jean Rene, quien también heredó el talento artístico de su padre, se convirtió en un escultor reconocido, falleciendo en Copenhague el 21 de abril de 1961.

Por su parte, Paul Rollon, más conocido como Pola, se dedicó a la crítica de arte y dejó un legado importante con el libro de memorias Mi padre, Paul Gauguin, publicado en 1937.

Mette-Sophie fue una pieza clave en la promoción del trabajo de Gauguin.

Organizó diversas exposiciones y fue responsable de la venta de muchas de sus obras.

Gran parte de los trabajos expuestos le pertenecieron o pasaron por sus manos en algún momento.

Mette-Sophie falleció en Dinamarca el 25 de septiembre de 1920.

Tekha'amana, un capítulo aparte

En Tahití, Gauguin conoció a Tekha'amana, quedando completamente cautivado por la hermosa nativa.

Empezó a llamarla cariñosamente Tehura.

La pareja se casó siguiendo las leyes locales de la Isla, donde la unión podía ser rescindida unilateralmente, tanto por el marido como por la esposa.

Los nativos, incluso, solían considerar estos matrimonios un fenómeno temporal.

Esto permitía que, en cualquier momento, pudieran regresar a las casas de sus padres o encontrar un nuevo compañero entre los visitantes o la gente del lugar.

Curiosamente, conforme a las tradiciones locales, Tekha'amana tenía dos pares de padres: biológicos y adoptivos.

Gauguin tuvo que presentarse y pedir autorización a ambos padres de Tehura para el matrimonio.

Esta peculiaridad puede apreciarse en la pintura "Los Antepasados ​​de Tekha'amana", donde registró la complejidad del linaje de su amada, con Tehura teniendo muchos “padres”.

Tehura era implícitamente obediente a todos los deseos del artista.

Era tolerante y, lo más importante, diferente a cualquier mujer que Gauguin hubiera conocido antes.

Quizás fue este exotismo el rasgo más atractivo de Tehura para el pintor.

Ciertamente, estaba enamorado de su “ninfa” tahitiana.

Por un tiempo, ella se convirtió en su musa inspiradora, la personificación de su sueño de una esposa humilde y apasionada.

Él escribía sobre ella con entusiasmo, la escuchaba relatar leyendas locales y disfrutaba de su belleza y juvenil trepidación.

Pronto, ella dio a luz un hijo suyo.

Pero la historia guarda un giro curioso:

Durante un corto período, Gauguin tuvo que viajar a París para intentar vender sus pinturas.

Al regresar a Tahití y a su Tehura, ella se negó a aceptarlo, rechazando todos sus regalos.

No obstante, el artista sufrió poco tiempo con este rechazo.

Pronto se consoló en los brazos de otras morenas exóticas, siguiendo el patrón que lo había alejado de su primera familia.

Se cree que Gauguin se casó con otras nativas y, con ellas, tuvo tres hijos más.

El legado perdurable de Gauguin: Influencia en el arte moderno

El legado de Gauguin radica, en parte, en su decisión radical de rechazar el materialismo de la cultura contemporánea.

Optó por un estilo de vida más espiritual y libre de las restricciones impuestas por la sociedad de la época.

Su importancia reside también en su experimentación artística incansable.

Los estudiosos lo han asociado durante mucho tiempo con diversos movimientos.

Su obra tardía, en particular, da fe de la singularidad de su visión artística.

Junto con la obra de sus grandes contemporáneos, como Paul Cézanne y Vincent van Gogh, las innovaciones de Gauguin sirvieron de faro a toda una generación de artistas.

Entre los años 1889 y 1890, muchos jóvenes seguidores que se congregaron en Pont-Aven adoptaron las ideas de Gauguin.

A partir de ahí, formaron el influyente Grupo Nabis.

Los pintores fauvistas, en especial Henri Matisse, fueron hondamente inspirados por su obra.

Matisse, por ejemplo, exploró el uso audaz del color en sus composiciones, una clara influencia de Gauguin.

En Alemania, la influencia de Gauguin fue palpable en la obra de expresionistas como Ernst Ludwig Kirchner.

El uso que Gauguin hacía de la iconografía oceánica y sus simplificaciones estilísticas afectaron profundamente a Pablo Picasso.

Esto inspiró el propio aprecio de Picasso por el arte africano, contribuyendo directamente a la evolución del Cubismo.

De esta manera, a través de sus avances estilísticos y el rechazo de la representación empírica en favor de la representación conceptual, Gauguin abrió puertas trascendentales para el desarrollo del arte del siglo XX.

Paul Gauguin: OBRAS CITADAS

En Paisaje en Viroflay, de 1876, Gauguin explora los primeros trazos de su sensibilidad, con pinceladas que evocan la atmósfera de la escena.

Esta obra, aún cercana al Impresionismo, muestra su búsqueda de un lenguaje personal, centrándose en la luz y el color.

Vegetación Tropical (1887) revela la fascinación inicial de Gauguin por los escenarios exóticos.

El lienzo presenta colores vibrantes y formas exuberantes, prefigurando su futura inmersión en la cultura tahitiana y la exploración del simbolismo.

En La Orilla del Mar (1887), Gauguin transporta al espectador a un escenario costero con una paleta de colores intensos y contornos definidos.

Esta obra ya señala su transición del Impresionismo hacia una aproximación más personal, donde la realidad es interpretada y no meramente reproducida.

Visión después del Sermón, o La Lucha de Jacob con el Ángel (1888), es una obra seminal que marca el giro de Gauguin hacia el Sintetismo.

En ella, el artista rompe con la representación naturalista, utilizando colores no descriptivos y un fondo rojo intenso para expresar la experiencia espiritual y visionaria de las mujeres bretonas después del sermón.

Viejas de Arlés retrata a un grupo de mujeres que se desplazan por un paisaje.

La escena se compone con una perspectiva aplanada y arbitrariamente concebida, creando una procesión solemne.

En El Cristo Amarillo (1889), Gauguin fusiona la fe cristiana con el escenario rural de Bretaña.

La figura de Cristo, pintada en un amarillo intenso, refleja su búsqueda de una espiritualidad primitiva y una simplificación de las formas, lejos de los patrones académicos.

Miti de Fatata Te (o Junto al Mar), de 1892, transporta al observador directamente a las playas de Tahití.

La obra está marcada por la tranquilidad del paisaje y los colores vibrantes, capturando la esencia de la vida simple y armoniosa que Gauguin buscaba en el Pacífico.

En Manao Tupapau (1892), Gauguin explora el tema del miedo y la espiritualidad tahitiana.

La obra retrata a una joven nativa recostada, con una figura espectral al fondo, sugiriendo la presencia de un espíritu nocturno, capturando la atmósfera mística de la isla.

Los Antepasados ​​de Tekha’amana (1893) es una pintura significativa que conecta a la musa tahitiana de Gauguin con su compleja ancestralidad.

La obra refuerza la narrativa de que Tekha'amana tenía múltiples padres, ya fueran biológicos o adoptivos, un aspecto que fascinaba al artista.

¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿A dónde vamos? Una interrogante existencial transformada en arte, una de las más profundas de Gauguin.

El propio artista afirmó que, después de realizar esta pintura, intentó el suicidio.

Sea cierto o no, la realidad es que meses antes de crear esta obra maestra, su vida personal se desmoronaba.

Las cosas salieron tan mal que todo presagiaba un final trágico para el pintor.

Gauguin atravesaba un período de pérdidas abrumadoras: estaba financieramente arruinado, enfrentaba la separación de su esposa y lamentaba la muerte de su amada hija.

Esta no es simplemente la obra más monumental que Gauguin pintó en su carrera (mide 139 x 375 cm).

También desarrolla por completo la doctrina filosófica y pictórica del artista, siendo un fuerte reflejo de su cosmovisión.

Con un formato marcadamente horizontal, el lienzo sigue una evolución cronológica inversa, lo que es fascinante.

Comienza en el extremo izquierdo con la figura desolada de una momia que, en posición fetal, se tapa los oídos, como si intentara permanecer ajena a toda la escena.

Mientras tanto, en el extremo derecho, un bebé, símbolo de inocencia y vida, es cuidado por tres jóvenes tahitianas.

En el centro, la figura del hombre que recolecta una fruta simboliza la tentación y la caída de la humanidad.

Al estructurar la pintura en este sentido cronológico invertido, Gauguin parece sugerir lo primitivo y lo inocente como el único camino verdadero a seguir por el artista.

ARTE COMENTADO

Mujeres bañándose en Dieppe fue pintada en el período en que Gauguin vivía en Dieppe, en la costa del Canal de la Mancha.

La obra fue exhibida en la 8ª Exposición Impresionista de 1886.

Su composición, basada en una franja horizontal y figuras simplificadas con contornos gruesos, demuestra la necesidad creciente del artista de distanciarse del estilo impresionista predominante en la época.

Les Alyscamps, también conocida como Las Tres Gracias en el Templo de Venus, es una obra que sobresale.

Con sus masas yuxtapuestas y el estilo de “explosión” del color, esta pintura es característica del sintetismo de Gauguin.

Las pinceladas, que guardan cierta semejanza con el estilo de Cézanne, le permitieron plasmar el motivo sin atarse a la imitación del mundo real.

Los tonos altamente saturados empleados en el lienzo son una interpretación subjetiva y decorativa del paisaje.

Es interesante notar que esta visión serena de Les Alyscamps contrasta fuertemente con las composiciones contemporáneas, y a menudo atormentadas, que Van Gogh pintó del mismo lugar.

El Retrato de Van Gogh es una pieza que generó controversia.

La primera impresión de Vincent, al ver esta pintura de sí mismo, fue que Gauguin lo había retratado como un loco.

Más tarde, matizó su perspectiva en una carta a su hermano Théo, escribiendo: “Mi rostro se ha iluminado mucho desde entonces, pero era de hecho yo, extremadamente cansado y cargado de electricidad como estaba en aquel entonces”.

La Bella Angèle fue una pintura con un destino singular.

La obra fue adquirida por el renombrado artista Edgar Degas en una subasta.

Esa subasta fue organizada por el propio Gauguin, con el objetivo de recaudar fondos para financiar su ansiado viaje a Tahití.

La modelo para este retrato, que posa con un traje típico bretón, fue Marie-Angèlique Satre.

El Autorretrato con Halo es, sin duda, una de las pinturas más relevantes y radicales de Paul Gauguin.

En ella, el artista se representa con un halo, casi incorpóreo, con solo una mano visible.

Una serpiente, un símbolo complejo, está insertada entre sus dedos, todo flotando en zonas amorfas de amarillo y rojo.

Estos elementos de la composición añaden una inflexión irónica y agresivamente ambivalente a la obra.

La pintura nos presenta su percepción de superioridad artística, haciendo de él el precursor de una nueva y audaz mirada estética.

Al llegar a Tahití, en junio de 1891, Gauguin estaba profundamente interesado en observar y comprender la vegetación local.

El gran árbol mencionado en el título de esta pintura es, específicamente, el árbol hotu, que destaca a la izquierda de la composición.

La obra está impregnada de colores intensos y oníricos, características marcadas de su período tahitiano.

La composición es sumamente decorativa, organizada en torno a líneas curvas y exuberantes que trascienden lo meramente topográfico, buscando una representación más simbólica y sensorial.

En Paisaje de Tahití, Gauguin quedó profundamente conmovido por el silencio inusual y la atmósfera de eternidad de este lugar paradisíaco.

La atmósfera pacífica invade la vasta composición, que sorprendentemente abarca pocos elementos, invitando a la contemplación.

Sugeridas por la presencia de una pequeña figura solitaria, las proporciones de la escena son inmensas, amplificando la sensación de vastedad ante la luz y la profundidad.

Las armonías cromáticas, la sucesión de curvas y la extensión de las superficies son elementos que caracterizan el estilo inconfundible de Gauguin en este período.

La composición de Mujer Tahitiana y Dos Niños evoca la imagen cristiana de la Virgen María con el Niño Jesús y el joven San Juan Bautista.

Sin embargo, aquí, el “hijo mayor” es presumiblemente la niña que se encuentra en la esquina derecha del lienzo, adaptando la iconografía.

Es posible que el niño retratado en el regazo de la mujer sea uno de los hijos del propio artista, nacido de su amante tahitiana Pahura.

El niño recibió el nombre de Emil, en homenaje al hijo mayor y legítimo de Gauguin.

La mujer mayor en la pintura puede, hipotéticamente, ser la abuela materna del niño, un detalle que añade profundidad familiar a la escena.

Los primeros bodegones de Gauguin, incluyendo arreglos de girasoles, fueron pintados en Bretaña entre 1888 y 1890.

Georges Wildenstein, al comentar esta pintura, hace referencia a una carta de Gauguin a su amigo, el escultor Daniel de Monfreid, fechada en octubre de 1898.

En la carta, el artista pide semillas y bulbos para su pequeño jardín en Tahití, mostrando su compromiso personal con la naturaleza.

Su ojo de pintor quedó visiblemente cautivado e inspirado por estos girasoles que él mismo cultivaba.

Esto se evidencia por los cuatro bodegones de girasoles que Gauguin realizó en rápida sucesión en Tahití, en el año 1901.

Para él, cuyos pensamientos siempre fluctuaban entre Tahití y Francia, los girasoles siempre remitían a los recuerdos de Van Gogh y a la estancia conjunta en Arlés, en 1888.

Gauguin se retrató innumerables veces a lo largo de su vida, explorando su propia imagen e identidad.

Este, en particular, es su último autorretrato, pintado el mismo año de su fallecimiento.

Junto a la obra, dejó una profunda reflexión: “La vida no es más que una fracción de segundo. ¡Tan poco tiempo para prepararse para la eternidad!”