Paul Gauguin: Die Reise nach Tahiti, Erbe und Schlüsselwerke (Teil 2)

Er verstarb am 8. Mai 1903.

Sein Leichnam ruht auf der Insel Hiva Oa.

Die zerbrochene Familie: Gauguins Preis der Kunst

Paul Gauguins Entschluss, Künstler zu werden, führte ihn in ein Leben voller Reisen.

Diese innere Notwendigkeit entfremdete ihn jedoch nach und nach von seiner Frau und seiner gesamten Familie.

Sein ältester Sohn, Emil, berichtete über seine Mutter: „Sie stimmte seiner Abreise zu, nicht weil sie an sein Genie glaubte, sondern weil sie seine Hingabe zur Kunst respektierte.“

„Das war ein mutiger Schritt meiner Mutter“, fuhr Emil fort. „Es bedeutete, dass sie die Last tragen musste, uns, meine Brüder und mich, die wir noch Kinder waren, zu ernähren und zu erziehen.“

Obwohl sie achtzehn Jahre getrennt lebten, ließen sich Paul und Mette-Sophie nie offiziell scheiden.

Sie blieben bis zum Jahr 1897 in regelmäßigem Briefkontakt.

Mit seiner offiziellen Ehefrau, Mette-Sophie, hatte Gauguin fünf Kinder: vier Söhne und eine Tochter.

Tragischerweise überlebte Gauguin zwei seiner Kinder; ein persönlicher Schlag, der ihn zutiefst prägte.

Seine Tochter Aline erlag einer Lungenentzündung, und sein Sohn Clovis verstarb an einer Blutinfektion nach einem chirurgischen Eingriff.

Emile, ein weiterer Sohn, machte Karriere als Bauingenieur in den Vereinigten Staaten und ist dort, in Florida, beigesetzt.

Jean Rene, der das künstlerische Talent seines Vaters erbte, entwickelte sich zu einem anerkannten Bildhauer und verstarb am 21. April 1961 in Kopenhagen.

Paul Rollon, besser bekannt als Pola, widmete sich der Kunstkritik und hinterließ ein bedeutendes Erbe mit dem 1937 erschienenen Erinnerungsbuch Mein Vater, Paul Gauguin.

Mette-Sophie spielte eine Schlüsselrolle bei der Förderung von Gauguins Werk.

Sie organisierte etliche Ausstellungen und war maßgeblich am Verkauf zahlreicher seiner Werke beteiligt.

Viele der ausgestellten Arbeiten gehörten ihr oder durchliefen irgendwann ihre Hände.

Mette-Sophie starb am 25. September 1920 in Dänemark.

Tekha'amana, ein ganz eigenes Kapitel

Auf Tahiti traf Gauguin Tekha'amana und war sofort vollständig von der schönen Einheimischen fasziniert.

Liebevoll nannte er sie fortan Tehura.

Das Paar heiratete nach den örtlichen Gesetzen der Insel, welche eine einseitige Auflösung der Verbindung durch Ehemann oder Ehefrau erlaubten.

Die Einheimischen betrachteten solche Ehen ohnehin oft als temporäres Phänomen.

Das gab ihnen die Freiheit, jederzeit zu ihren Eltern zurückzukehren oder einen neuen Partner unter den Besuchern oder den Einheimischen zu suchen.

Interessanterweise hatte Tekha'amana, gemäß den lokalen Traditionen, zwei Elternpaare: leibliche und adoptierte.

Gauguin musste sich beiden Eltern von Tehura vorstellen und um ihre Erlaubnis zur Heirat bitten.

Diese Eigenheit zeigt sich deutlich in seinem Gemälde „Die Ahnen von Tekha'amana“, wo er die vielschichtige Abstammung seiner Geliebten festhielt, mit Tehura, die viele „Eltern“ hatte.

Tehura war den Wünschen des Künstlers implizit gehorsam.

Sie war nachgiebig und, was noch wichtiger war, anders als jede Frau, die Gauguin zuvor gekannt hatte.

Vielleicht war es genau diese Exotik, die Tehura für den Maler so unwiderstehlich machte.

Zweifellos liebte er seine tahitianische „Nymphe“.

Für eine Weile wurde sie seine Muse, die Verkörperung seines Traums von einer demütigen, hingebungsvollen Ehefrau.

Er schrieb begeistert über sie, hörte ihr zu, wenn sie lokale Legenden erzählte, und genoss ihre Schönheit und jugendliche Aufregung.

Bald darauf gebar sie ihm einen Sohn.

Doch die Geschichte birgt ein bizarres Detail:

Für eine kurze Zeit reiste Gauguin nach Paris, um seine Bilder zu verkaufen.

Als er nach Tahiti und zu seiner Tehura zurückkehrte, weigerte sie sich, ihn anzunehmen, und wies alle seine Geschenke zurück.

Diese Ablehnung schmerzte den Künstler jedoch nur kurz.

Er fand rasch Trost in den Armen anderer exotischer Schönheiten und folgte damit jenem Muster, das ihn bereits von seiner ersten Familie entfernt hatte.

Man nimmt an, dass Gauguin weitere Einheimische geheiratet und mit ihnen drei weitere Kinder gezeugt hat.

Gauguins bleibendes Erbe: Einfluss auf die Moderne Kunst

Gauguins Vermächtnis liegt zum Teil in seiner radikalen Entscheidung, den Materialismus der zeitgenössischen Kultur abzulehnen.

Er wählte einen spirituelleren Lebensstil, frei von den Einschränkungen der damaligen Gesellschaft.

Seine Bedeutung beruht auch auf seiner unermüdlichen künstlerischen Experimentierfreude.

Wissenschaftler ordnen ihn seit Langem einer Reihe von Kunstbewegungen zu.

Besonders sein Spätwerk zeugt von der Einzigartigkeit seiner künstlerischen Vision.

Zusammen mit den Arbeiten seiner großen Zeitgenossen, wie Paul Cézanne und Vincent van Gogh, beflügelten Gauguins Innovationen eine ganze Künstlergeneration.

Zwischen 1889 und 1890 griffen viele junge Anhänger, die sich in Pont-Aven versammelten, Gauguins Ideen auf.

Daraus entstand die einflussreiche Nabis-Gruppe.

Die Fauvisten, insbesondere Henri Matisse, ließen sich von seinem Werk zutiefst inspirieren.

Matisse etwa erprobte in seinen Kompositionen den kühnen Farbeinsatz, ein deutlicher Gauguin-Einfluss.

In Deutschland zeigte sich Gauguins Einfluss besonders deutlich im Schaffen von Expressionisten wie Ernst Ludwig Kirchner.

Gauguins Gebrauch ozeanischer Ikonografie und seine stilistischen Vereinfachungen beeinflussten Pablo Picasso zutiefst.

Dies beflügelte wiederum Picassos eigene Wertschätzung für die afrikanische Kunst und trug unmittelbar zur Entwicklung des Kubismus bei.

Somit ebnete Gauguin durch seine stilistischen Neuerungen und die Abkehr von der empirischen zugunsten der konzeptuellen Darstellung entscheidende Wege für die Kunstentwicklung des 20. Jahrhunderts.

Paul Gauguin: ZITIERTE WERKE

In Landschaft in Viroflay von 1876 erforscht Gauguin die ersten Spuren seiner Sensibilität, mit Pinselstrichen, die die Atmosphäre der Szene heraufbeschwören.

Dieses Werk, noch dem Impressionismus nahe, offenbart seine Suche nach einer persönlichen Ausdrucksweise, wobei Licht und Farbe im Mittelpunkt stehen.

Tropische Vegetation (1887) enthüllt Gauguins anfängliche Faszination für exotische Szenerien.

Das Gemälde zeigt lebendige Farben und üppige Formen, die seine spätere Vertiefung in die tahitianische Kultur und die Erforschung des Symbolismus vorwegnehmen.

In Am Meer (1887) versetzt Gauguin den Betrachter in eine Küstenlandschaft, geprägt von einer kräftigen Farbpalette und klaren Konturen.

Dieses Werk signalisiert bereits seinen Übergang vom Impressionismus zu einer persönlicheren Herangehensweise, bei der die Wirklichkeit interpretiert und nicht bloß reproduziert wird.

Vision nach der Predigt, oder Der Kampf Jakobs mit dem Engel (1888), ist ein bahnbrechendes Werk, das Gauguins Hinwendung zum Synthetismus markiert.

Darin bricht der Künstler mit der naturalistischen Darstellung, verwendet nicht-deskriptive Farben und einen intensiven roten Hintergrund, um die spirituelle und visionäre Erfahrung der bretonischen Frauen nach der Predigt auszudrücken.

Alte Frauen von Arles zeigt eine Gruppe von Frauen, die sich durch eine Landschaft bewegen.

Die Szene ist mit einer abgeflachten, willkürlich konzipierten Perspektive komponiert, was eine feierliche Prozession hervorruft.

In Der Gelbe Christus (1889) verschmilzt Gauguin den christlichen Glauben mit der ländlichen Landschaft der Bretagne.

Die in intensivem Gelb gemalte Christusfigur spiegelt seine Suche nach einer ursprünglichen Spiritualität und einer Vereinfachung der Formen wider, abseits akademischer Muster.

Miti de Fatata Te (oder Am Meer) von 1892 entführt den Betrachter direkt an die Strände Tahitis.

Das Werk zeichnet sich durch die Ruhe der Landschaft und lebendige Farben aus, die das Wesen des einfachen, harmonischen Lebens einfangen, das Gauguin im Pazifik suchte.

In Manao Tupapau (1892) erkundet Gauguin das Thema Angst und tahitianische Spiritualität.

Das Werk zeigt eine liegende junge Einheimische, im Hintergrund eine gespenstische Figur, die die Anwesenheit eines Nachtgeistes andeutet und die mystische Atmosphäre der Insel einfängt.

Die Ahnen von Tekha’amana (1893) ist ein bedeutsames Gemälde, das Gauguins tahitianische Muse mit ihrer komplexen Abstammung verbindet.

Das Werk untermauert die Erzählung, dass Tekha'amana mehrere Eltern hatte, seien es leibliche oder adoptierte – ein Aspekt, der den Künstler faszinierte.

Woher kommen wir? Wer sind wir? Wohin gehen wir? Eine existentielle Frage, in Kunst verwandelt, eine der tiefgründigsten Gauguins.

Der Künstler selbst behauptete, er habe nach der Vollendung dieses Gemäldes versucht, sich das Leben zu nehmen.

Ob wahr oder nicht: Fakt ist, dass seine persönliche Welt Monate vor der Entstehung dieses Meisterwerks in sich zusammenbrach.

Die Dinge liefen derart schlecht, dass alles auf ein tragisches Ende des Malers hindeutete.

Gauguin durchlebte eine Zeit verheerender Verluste: Er war finanziell ruiniert, seine Ehe stand vor dem Aus, und er trauerte um den Tod seiner geliebten Tochter.

Dies ist nicht nur das kolossalste Werk, das Gauguin in seiner Karriere schuf (es misst 139 x 375 cm).

Es entfaltet auch die philosophische und bildnerische Lehre des Künstlers vollständig und spiegelt seine Weltanschauung eindringlich wider.

Mit einem markant horizontalen Format folgt die Leinwand einer faszinierenden umgekehrten chronologischen Entwicklung.

Sie beginnt ganz links mit der trostlosen Gestalt einer Mumie, die in fötaler Haltung ihre Ohren bedeckt, als wollte sie der gesamten Szene entgehen.

Derweil wird ganz rechts ein Baby, Symbol für Unschuld und Leben, von drei jungen Tahitianerinnen umsorgt.

In der Mitte symbolisiert die Figur des Mannes, der eine Frucht pflückt, die Versuchung und den Sündenfall der Menschheit.

Indem Gauguin das Gemälde in diesem umgekehrten chronologischen Sinn strukturiert, scheint er das Primitive und Unschuldige als den einzig wahren Weg zu suggerieren, dem der Künstler folgen sollte.

KUNST KOMMENTIERT

Badende Frauen in Dieppe entstand in der Zeit, als Gauguin in Dieppe, an der Küste des Ärmelkanals, lebte.

Das Werk wurde 1886 auf der 8. Impressionistischen Ausstellung gezeigt.

Ihre Komposition, basierend auf einem horizontalen Streifen und vereinfachten Figuren mit dicken Konturen, beweist das wachsende Bedürfnis des Künstlers, sich vom damals vorherrschenden impressionistischen Stil abzuwenden.

Les Alyscamps, auch bekannt als Die drei Grazien im Venus-Tempel, ist ein herausragendes Werk.

Mit ihren juxtaponierten Massen und dem „Farbausbruch“-Stil ist dieses Gemälde charakteristisch für Gauguins Synthetismus.

Die Pinselstriche, die eine gewisse Ähnlichkeit mit Cézannes Stil aufweisen, erlaubten es ihm, das Motiv zu transkribieren, ohne sich an die Nachahmung der realen Welt zu klammern.

Die auf der Leinwand verwendeten hochgesättigten Farbtöne sind eine subjektive, dekorative Interpretation der Landschaft.

Es ist interessant festzuhalten, dass diese heitere Ansicht von Les Alyscamps stark mit den zeitgenössischen, oft gequälten Kompositionen kontrastiert, die Van Gogh vom selben Ort malte.

Das Porträt von Van Gogh ist ein Werk, das Kontroversen auslöste.

Vincents erster Eindruck beim Anblick dieses Selbstporträts war, Gauguin habe ihn als Verrückten dargestellt.

Später milderte er seine Ansicht in einem Brief an seinen Bruder Théo und schrieb: „Mein Gesicht ist seither sehr viel heller geworden, aber es war tatsächlich ich, extrem müde und voller Elektrizität, wie ich damals war.“

Die schöne Angele war ein Gemälde mit einer bemerkenswerten Geschichte.

Das Werk wurde von dem bekannten Künstler Edgar Degas auf einer Auktion erworben.

Diese Auktion hatte Gauguin selbst veranstaltet, um Mittel für seine lang erträumte Reise nach Tahiti zu sammeln.

Modell für dieses Porträt, das in einer typisch bretonischen Tracht posiert, stand Marie-Angèlique Satre.

Das Selbstporträt mit Heiligenschein zählt ohne Zweifel zu Paul Gauguins wichtigsten und radikalsten Gemälden.

Darin stellt sich der Künstler mit einem Heiligenschein dar, beinahe körperlos, lediglich eine Hand ist sichtbar.

Eine Schlange, ein vielschichtiges Symbol, windet sich zwischen seinen Fingern; alles schwebt in amorphen Zonen von Gelb und Rot.

Diese Kompositionselemente verleihen dem Werk eine ironische, aggressiv ambivalente Note.

Das Gemälde offenbart uns seine Wahrnehmung künstlerischer Überlegenheit und macht ihn zum Vorreiter eines kühnen, neuen ästhetischen Blicks.

Als Gauguin im Juni 1891 auf Tahiti ankam, war er zutiefst daran interessiert, die lokale Vegetation zu beobachten und zu verstehen.

Der im Titel dieses Gemäldes erwähnte große Baum ist spezifisch der Hotu-Baum, der links in der Komposition hervorsticht.

Das Werk ist durchdrungen von intensiven, traumhaften Farben, prägnanten Merkmalen seiner tahitianischen Periode.

Die Komposition ist hochdekorativ, aufgebaut um geschwungene, üppige Linien, die das rein Topografische übersteigen und eine eher symbolische, sensorische Darstellung anstreben.

In Tahitianische Landschaft berührten Gauguin die ungewöhnliche Stille und die Atmosphäre der Ewigkeit dieses paradiesischen Ortes zutiefst.

Die friedliche Atmosphäre durchdringt die weite Komposition, die erstaunlicherweise nur wenige Elemente enthält und zur Kontemplation einlädt.

Angedeutet durch eine kleine, einsame Figur sind die Dimensionen der Szene immens, was das Gefühl der Weite angesichts von Licht und Tiefe verstärkt.

Farbharmonien, die Abfolge von Kurven und die Ausdehnung der Oberflächen sind Elemente, die Gauguins einzigartigen Stil dieser Periode kennzeichnen.

Die Komposition von Tahitianische Frau und zwei Kinder evoziert das christliche Bild der Jungfrau Maria mit dem Jesuskind und dem jungen Johannes dem Täufer.

Hier ist jedoch der „ältere Sohn“ vermutlich das Mädchen, das sich im rechten Bildausschnitt befindet, wodurch die Ikonografie angepasst wird.

Es ist denkbar, dass der Junge auf dem Schoß der Frau eines der Kinder des Künstlers selbst ist, geboren von seiner tahitianischen Geliebten Pahura.

Der Junge erhielt den Namen Emil, eine Hommage an Gauguins ältesten, legitimen Sohn.

Die ältere Frau im Gemälde könnte hypothetisch die Großmutter mütterlicherseits des Jungen sein, ein Detail, das der Szene familiäre Tiefe verleiht.

Gauguins erste Stillleben, darunter Sonnenblumenarrangements, entstanden zwischen 1888 und 1890 in der Bretagne.

Georges Wildenstein verweist in seinen Kommentaren zu diesem Gemälde auf einen Brief Gauguins an seinen Freund, den Bildhauer Daniel de Monfreid, datiert Oktober 1898.

Im Brief bittet der Künstler um Samen und Zwiebeln für seinen kleinen Garten auf Tahiti, was sein persönliches Engagement für die Natur verdeutlicht.

Sein Blick als Maler war sichtlich entzückt und inspiriert von diesen Sonnenblumen, die er selbst kultivierte.

Dies belegen die vier Sonnenblumen-Stillleben, die Gauguin 1901 auf Tahiti in rascher Folge schuf.

Für ihn, dessen Gedanken stets zwischen Tahiti und Frankreich schwebten, erinnerten die Sonnenblumen stets an Van Gogh und den gemeinsamen Aufenthalt in Arles im Jahr 1888.

Gauguin porträtierte sich im Laufe seines Lebens unzählige Male, um sein eigenes Bild und seine Identität zu ergründen.

Dies hier ist insbesondere sein letztes Selbstporträt, gemalt im selben Jahr, in dem er verstarb.

Neben dem Werk hinterließ er eine tiefgründige Reflexion: „Das Leben ist nichts als ein Sekundenbruchteil. So wenig Zeit, sich auf die Ewigkeit vorzubereiten!“