Paul Gauguin: Il Viaggio a Tahiti, l'Eredità e le Opere Essenziali (Parte 2)

Il suo ultimo respiro fu l'8 maggio 1903.

Il suo corpo riposa sull'Isola di Hiva Oa.

La Famiglia Spezzata: Il Prezzo dell'Arte di Gauguin

La scelta di Paul Gauguin di abbracciare la carriera artistica lo condusse a un'esistenza fatta di viaggi ininterrotti.

Tale irrefrenabile impulso, però, si tradusse in un progressivo allontanamento dalla moglie e da tutta la sua famiglia.

Suo figlio maggiore, Emil, raccontò della madre: “Accettò di lasciarlo andare, non perché credesse in un suo genio, ma per il rispetto che nutriva per la sua passione artistica."

"Fu un atto di grande coraggio da parte di mia madre", continuò Emil. "Significava farsi carico del peso di mantenerci e crescerci, me e i miei fratelli, che eravamo ancora bambini.”

Nonostante diciotto anni di separazione, Paul e Mette-Sophie non divorziarono mai ufficialmente.

Mantennero una corrispondenza regolare fino al 1897.

Con la sua moglie ufficiale, Mette-Sophie, Gauguin ebbe cinque figli: quattro maschi e una femmina.

Lamentablemente, Gauguin sopravvisse a due di loro, una tragedia personale che lo segnò profondamente.

Sua figlia Aline morì di polmonite, e suo figlio Clovis perì a causa di un'infezione ematica dopo un intervento chirurgico.

Emile, l'altro figlio, intraprese la carriera di ingegnere edile negli Stati Uniti, dove riposa, in Florida.

Jean Rene, che pure ereditò il talento artistico paterno, divenne uno scultore di fama, spirato a Copenaghen il 21 aprile 1961.

Quanto a Paul Rollon, meglio noto come Pola, si dedicò alla critica d'arte, lasciando un'importante eredità con il libro di memorie Mio padre, Paul Gauguin, pubblicato nel 1937.

Mette-Sophie fu un elemento cruciale nella valorizzazione dell'opera di Gauguin.

Organizzò diverse mostre e si occupò della vendita di molti dei suoi lavori.

Molte delle opere esposte le appartennero o passarono per le sue mani in qualche momento.

Mette-Sophie morì in Danimarca il 25 settembre 1920.

Tekha'amana, un capitolo a sé

A Tahiti, Gauguin incontrò Tekha'amana e ne rimase completamente ammaliato. Bella indigena, incantò l'artista.

Iniziò a chiamarla affettuosamente Tehura.

La coppia si unì in matrimonio seguendo le usanze locali dell'isola, dove l'unione poteva essere sciolta unilateralmente, sia dal marito che dalla moglie.

Gli indigeni, infatti, solevano considerare questi matrimoni come fenomeni passeggeri.

Ciò permetteva loro, in qualsiasi momento, di fare ritorno alle case dei genitori o di trovare un nuovo compagno tra i visitatori o la gente del luogo.

Curiosamente, secondo le tradizioni locali, Tekha'amana aveva due coppie di genitori: biologici e adottivi.

Gauguin dovette presentarsi e chiedere l'autorizzazione a entrambi i genitori di Tehura per il matrimonio.

Questa peculiarità è evidente nel dipinto "Gli Antenati di Tekha'amana", dove registrò la complessità della discendenza della sua amata, con Tehura che aveva molti "padri".

Tehura era implicitamente ubbidiente a ogni desiderio dell'artista.

Era tollerante e, cosa fondamentale, diversa da qualsiasi donna Gauguin avesse mai incontrato prima.

Forse fu proprio questo esotismo a renderla la caratteristica più seducente di Tehura per il pittore.

Certamente, era innamorato della sua "ninfa" tahitiana.

Per un certo periodo, divenne la sua musa ispiratrice, la personificazione del suo sogno di una sposa umile e appassionata.

Scriveva di lei con entusiasmo, l'ascoltava raccontare leggende locali e si dilettava della sua bellezza e del suo giovanile tremore.

Ben presto, gli diede un figlio.

Ma la storia serba un dettaglio curioso:

Per un breve periodo, Gauguin dovette recarsi a Parigi per tentare di vendere i suoi dipinti.

Al suo ritorno a Tahiti e dalla sua Tehura, lei si rifiutò di accoglierlo, respingendo tutti i suoi doni.

Tuttavia, l'artista patì poco a lungo per questo rifiuto.

Presto si consolò tra le braccia di altre more esotiche, ricalcando il modello che lo aveva allontanato dalla sua prima famiglia.

Si ritiene che Gauguin abbia sposato altre donne indigene e, con loro, abbia avuto altri tre figli.

L'Eredità Duratura di Gauguin: Influenze sull'Arte Moderna

L'eredità di Gauguin risiede, in parte, nella sua scelta radicale di rigettare il materialismo della cultura contemporanea.

Optò per uno stile di vita più spirituale, libero dalle costrizioni imposte dalla società del suo tempo.

La sua importanza si ritrova anche nella sua incessante sperimentazione artistica.

Gli studiosi lo hanno a lungo associato a numerosi movimenti.

Il suo lavoro maturo, in particolare, è testimonianza della singolarità della sua visione.

Insieme alle opere dei suoi grandi contemporanei, come Paul Cézanne e Vincent van Gogh, le innovazioni di Gauguin ispirarono un'intera generazione di artisti.

Tra il 1889 e il 1890, molti giovani seguaci, riunitisi a Pont-Aven, fecero proprie le idee di Gauguin.

Da lì, formarono l'influente Gruppo Nabis.

I pittori fauvisti, e in special modo Henri Matisse, trovarono profonda ispirazione nel suo lavoro.

Matisse, ad esempio, esplorò l'uso audace del colore nelle sue composizioni, una chiara influenza di Gauguin.

In Germania, il contributo di Gauguin fu evidente nell'opera di espressionisti come Ernst Ludwig Kirchner.

L'utilizzo che Gauguin fece dell'iconografia oceanica e le sue semplificazioni stilistiche ebbero un impatto profondo su Pablo Picasso.

Questo accese in Picasso un'apprezzamento per l'arte africana, contribuendo direttamente all'evoluzione del Cubismo.

In questo modo, con le sue audaci innovazioni stilistiche e il rifiuto della rappresentazione empirica a favore di quella concettuale, Gauguin spalancò porte decisive per lo sviluppo dell'arte del XX secolo.

Paul Gauguin: OPERE CITATE

In Paesaggio a Viroflay, del 1876, Gauguin palesa i primi tratti della sua sensibilità, con pennellate che rievocano l'atmosfera della scena.

Quest'opera, ancora vicina all'Impressionismo, mostra la sua ricerca di un linguaggio personale, concentrandosi su luce e colore.

Vegetazione Tropicale (1887) rivela l'iniziale fascinazione di Gauguin per gli scenari esotici.

La tela presenta colori vibranti e forme lussureggianti, preannunciando la sua futura immersione nella cultura tahitiana e nell'esplorazione del simbolismo.

In Sulla Riva del Mare (1887), Gauguin trasporta lo spettatore in uno scenario costiero con una tavolozza di colori decisi e contorni ben definiti.

Quest'opera già segnala la sua transizione dall'Impressionismo verso un approccio più personale, dove la realtà viene interpretata e non semplicemente riprodotta.

Visione dopo il Sermone, o La Lotta di Giacobbe con l'Angelo (1888), è un'opera cardine che segna la svolta di Gauguin verso il Sintetismo.

In essa, l'artista rompe con la rappresentazione naturalistica, usando colori non descrittivi e uno sfondo rosso intenso per esprimere l'esperienza spirituale e visionaria delle donne bretoni dopo il sermone.

Vecchie Donne di Arles ritrae un gruppo di donne che si muovono attraverso un paesaggio.

La scena è composta con una prospettiva appiattita e concepita in modo arbitrario, creando una processione solenne.

In Il Cristo Giallo (1889), Gauguin fonde la fede cristiana con lo scenario rurale della Bretagna.

La figura di Cristo, dipinta in un giallo vivido, riflette la sua ricerca di una spiritualità primitiva e una semplificazione delle forme, lontana dai canoni accademici.

Miti de Fatata Te (o Vicino al Mare), del 1892, trasporta l'osservatore direttamente sulle spiagge di Tahiti.

L'opera è caratterizzata dalla tranquillità del paesaggio e dai colori vivaci, catturando l'essenza della vita semplice e armoniosa che Gauguin cercava nel Pacifico.

In Manao Tupapau (1892), Gauguin indaga il tema della paura e della spiritualità tahitiana.

L'opera ritrae una giovane indigena sdraiata, con una figura spettrale sullo sfondo, suggerendo la presenza di uno spirito notturno, cogliendo l'atmosfera mistica dell'isola.

Gli Antenati di Tekha’amana (1893) è un dipinto significativo che collega la musa tahitiana di Gauguin alla sua complessa ascendenza.

L'opera rafforza la narrazione secondo cui Tekha'amana aveva molteplici padri, siano essi biologici o adottivi, un aspetto che affascinava l'artista.

Da dove veniamo? Chi siamo? Dove andiamo? Una domanda esistenziale trasformata in arte, una delle più profonde di Gauguin.

L'artista stesso dichiarò che, dopo aver realizzato questo dipinto, tentò il suicidio.

Vero o no, la realtà è che mesi prima di creare quest'opera d'arte, la sua vita personale stava crollando.

Le cose erano precipitate a tal punto che tutto lasciava presagire una fine tragica per il pittore.

Gauguin stava attraversando un periodo di perdite schiaccianti: era finanziariamente rovinato, affrontava la separazione dalla moglie e piangeva la morte della sua amata figlia.

Questa non è semplicemente l'opera più colossale che Gauguin abbia mai dipinto nella sua carriera (misurando 139 x 375 cm).

Essa sviluppa appieno anche la dottrina filosofica e pittorica dell'artista, rappresentando un vivido riflesso della sua visione del mondo.

Con un formato marcatamente orizzontale, la tela segue un'evoluzione cronologica inversa, un dettaglio affascinante.

Inizia all'estrema sinistra con la figura desolata di una mummia che, in posizione fetale, si tappa le orecchie, come se tentasse di rimanere estranea a tutta la scena.

Mentre all'estrema destra, un neonato, simbolo di innocenza e vita, è accudito da tre giovani tahitiane.

Al centro, la figura dell'uomo che raccoglie un frutto simboleggia la tentazione e la caduta dell'umanità.

Strutturando il dipinto in questo senso cronologico invertito, Gauguin sembra suggerire il primitivo e l'innocente come l'unico vero percorso da seguire per l'artista.

ARTE COMMENTATA

Donne che Fanno il Bagno a Dieppe fu dipinta nel periodo in cui Gauguin risiedeva a Dieppe, sulla costa del Canale della Manica.

L'opera fu esposta all'8ª Esposizione Impressionista del 1886.

La sua composizione, basata su una fascia orizzontale e figure semplificate con contorni marcati, dimostra la crescente esigenza dell'artista di distaccarsi dallo stile impressionista allora predominante.

Les Alyscamps, anche nota come Le Tre Grazie nel Tempio di Venere, è un'opera che si distingue.

Con le sue masse giustapposte e lo stile di "schiusura" del colore, questo dipinto è caratteristico del Sintetismo di Gauguin.

Le pennellate, che mostrano una certa somiglianza con lo stile di Cézanne, gli consentirono di trascrivere il motivo senza restare vincolato all'imitazione del mondo reale.

I toni altamente saturi impiegati nella tela sono un'interpretazione soggettiva e decorativa del paesaggio.

È interessante notare come questa visione serena di Les Alyscamps contrasti fortemente con le composizioni contemporanee, e spesso tormentate, che Van Gogh dipinse dello stesso luogo.

Il Ritratto di Van Gogh è un'opera che generò controversie.

La prima impressione di Vincent, vedendo questo dipinto di sé, fu che Gauguin lo avesse ritratto come un folle.

Più tardi, ammorbidì la sua visione in una lettera al fratello Théo, scrivendo: "Il mio viso si è illuminato molto da allora, ma ero davvero io, estremamente stanco e carico di elettricità come ero allora".

La Bella Angele fu un dipinto dal destino interessante.

L'opera venne acquisita dal rinomato artista Edgar Degas in un'asta.

Questa asta fu organizzata dallo stesso Gauguin, con l'obiettivo di raccogliere fondi per finanziare il suo tanto agognato viaggio a Tahiti.

La modella per questo ritratto, che posa in un tipico costume bretone, fu Marie-Angèlique Satre.

L'Autoritratto con Aureola è, senza dubbio, uno dei dipinti più importanti e radicali di Paul Gauguin.

In esso, l'artista si rappresenta con un'aureola, quasi senza corpo, con solo una mano visibile.

Un serpente, simbolo complesso, è inserito tra le sue dita, il tutto fluttuando in zone amorfe di giallo e rosso.

Questi elementi compositivi aggiungono un'inflessione ironica e aggressivamente ambivalente all'opera.

Il dipinto ci presenta la sua percezione di superiorità artistica, facendone il precursore di uno sguardo estetico nuovo e audace.

Al suo arrivo a Tahiti, nel giugno 1891, Gauguin era profondamente interessato a osservare e comprendere la vegetazione locale.

Il grande albero menzionato nel titolo di questo dipinto è, nello specifico, l'albero hotu, che spicca sulla sinistra della composizione.

L'opera è intrisa di colori intensi e onirici, caratteristiche distintive del suo periodo tahitiano.

La composizione è altamente decorativa, organizzata attorno a linee curve ed esuberanti che trascendono il mero aspetto topografico, cercando una rappresentazione più simbolica e sensoriale.

In Paesaggio di Tahiti, Gauguin fu profondamente toccato dal silenzio insolito e dall'atmosfera di eternità di questo luogo paradisiaco.

L'atmosfera pacifica permea l'ampia composizione, che sorprendentemente include pochi elementi, invitando alla contemplazione.

Suggerite dalla presenza di una piccola figura solitaria, le proporzioni della scena sono immense, amplificando la sensazione di vastità di fronte alla luce e alla profondità.

Le armonie cromatiche, la successione di curve e l'estensione delle superfici sono elementi che caratterizzano lo stile inconfondibile di Gauguin in questo periodo.

La composizione di Donna Tahitiana e Due Bambini evoca l'immagine cristiana della Vergine Maria con il Bambino Gesù e il giovane San Giovanni Battista.

Qui, però, il "figlio maggiore" è presumibilmente la bambina che si trova nell'angolo destro della tela, adattando l'iconografia.

È possibile che il bambino ritratto in grembo alla donna sia uno dei figli dell'artista stesso, nato dalla sua amante tahitiana Pahura.

Il ragazzo ricevette il nome di Emil, in omaggio al figlio maggiore e legittimo di Gauguin.

La donna anziana nel dipinto potrebbe, ipoteticamente, essere la nonna materna del bambino, un dettaglio che aggiunge profondità famigliare alla scena.

Le prime nature morte di Gauguin, inclusi gli arrangiamenti di girasoli, furono dipinte in Bretagna tra il 1888 e il 1890.

Georges Wildenstein, commentando questo dipinto, fa riferimento a una lettera di Gauguin al suo amico, lo scultore Daniel de Monfreid, datata ottobre 1898.

Nella missiva, l'artista chiedeva semi e bulbi per il suo piccolo giardino a Tahiti, dimostrando il suo coinvolgimento personale con la natura.

Il suo sguardo di pittore rimase visibilmente incantato e ispirato da questi girasoli che lui stesso coltivava.

Ciò è attestato dalle quattro nature morte di girasoli che Gauguin realizzò in rapida successione a Tahiti, nell'anno 1901.

Per lui, i cui pensieri fluttuavano sempre tra Tahiti e la Francia, i girasoli evocavano costantemente i ricordi di Van Gogh e il soggiorno congiunto ad Arles, nel 1888.

Gauguin si ritrasse innumerevoli volte nel corso della sua vita, esplorando la propria immagine e identità.

Questo, in particolare, è il suo ultimo autoritratto, dipinto nello stesso anno della sua scomparsa.

Accanto all'opera, lasciò una profonda riflessione: "La vita non è che una frazione di secondo. Così poco tempo per prepararsi all'eternità!"