Pós Impressionismo

O Pós Impressionismo  é um movimento de arte predominantemente francês que se desenvolveu aproximadamente entre 1886 e 1905, desde a última exposição impressionista até o nascimento do Fauvismo.

O movimento abrange uma ampla gama de estilos artísticos distintos que compartilham a motivação comum de responder à simplicidade do movimento impressionista. Devido à sua ampla ênfase em qualidades abstratas ou conteúdo simbólico, ele engloba o neoimpressionismo, o simbolismo e o sintetismo, junto com alguns trabalhos posteriores dos impressionistas, mas todas concentradas na visão subjetiva do artista.

Paul Cézanne é conhecido como o pai desse movimento que assim como Paul Gauguin, Vincent van Gogh e Georges Seurat, apresentaram características distintas para se expressarem, cada um com um estilo diferenciado. Cézanne inaugurou uma era em que a pintura transcendeu seu papel tradicional de janela para o mundo e, em vez disso, tornou-se uma janela para a mente e a alma do artista. Esses artistas estavam insatisfeitos com o que consideravam a trivialidade do assunto e a perda de estrutura nas pinturas impressionistas, embora não concordassem quanto ao caminho a seguir.

O termo foi aplicado pela primeira vez em 1906 pelo pintor e crítico de arte inglês Roger Fry no título de uma exposição de pintores franceses modernos: Manet e os pós-impressionistas, que foi organizada por ele para as Galerias Grafton, em Londres.

Georges Seurat e seus seguidores se preocuparam em aplicar o pontilhismo, técnica de pintura que consiste no uso sistemático de minúsculos pontos coloridos. Estrutura, ordem e os efeitos ópticos da cor dominaram a visão estética. Em vez de meramente representar seus arredores, eles confiaram nas interligações de cor e forma para descrever o mundo ao seu redor.

Paul Cézanne se propôs a restaurar um sentido de ordem e estrutura à pintura, para fazer do impressionismo algo sólido e duradouro como a arte dos museus. Ele conseguiu isso reduzindo objetos às suas formas básicas, mantendo as cores saturadas do impressionismo.

Entre meados da década de 1880 e o início da década de 1890, o impressionista Camille Pissarro fez experiências com as ideias neoimpressionistas . Descontente com o que chamou de impressionismo romântico, ele investigou o pontilhismo de uma forma científica, antes de retornar a uma pintura mais pura na última década de sua vida.

Vincent van Gogh e Paul Gauguin usaram cores e pinceladas vibrantes para transmitir seus sentimentos e seu estado de espírito. Significados simbólicos e altamente pessoais foram particularmente importantes para esses artistas que rejeitaram o interesse em retratar o mundo observado, eles olharam para suas memórias e emoções a fim de se conectar com o observador em um nível mais profundo.

Apesar dos vários estilos individualizados, a maioria dos pós impressionistas se concentraram na forma e no padrão abstratos na aplicação de tinta na superfície da tela, eles ampliaram o impressionismo enquanto rejeitavam suas limitações: continuaram usando cores vivas, muitas vezes aplicação densa de tinta e assuntos da vida real, mas estavam mais inclinados a enfatizar formas geométricas, modificando a forma para obter efeitos expressivos e usar cores aleatórias.

Os críticos agruparam os vários estilos do pós-impressionismo em duas tendências estilísticas gerais e opostas – de um lado estava o estilo estruturado ou geométrico, tendo Paul Cézanne o precursor do cubismo, enquanto do outro lado estava a arte expressiva ou não geométrica que levou ao expressionismo abstrato. Suas inovações foram tremendamente influentes para os mestres da modernidade, como Henri Matisse e Pablo Picasso.

Vincent van Gogh baseou-se em cores saturadas e pinceladas amplas para evocar a turbulência interna do artista. Junto com Paul Gauguin, ele experimentou novas abordagens à pintura e rejeitou a representação acadêmica, o acabamento fino e a fixação dos impressionistas na ótica. Ele foi influenciado por uma variedade de fontes, entre elas o seu amor pelas representações estilizadas das gravuras japonesas Ukiyo-e. Temos em Van Gogh o precursor do expressionismo. 

Paul Gauguin desenvolveu essas ideias ainda mais em sua teoria do sintetismo. De acordo com seus princípios, a forma visual final é determinada por uma síntese da aparência externa da forma natural, os sentimentos do artista sobre o assunto e as considerações estéticas de cor, linha e forma. Em seu trabalho, Gauguin frequentemente descartava sombreamento, modelagem e perspectiva de ponto único e, em vez disso, usava cores puras, linhas fortes e bidimensionalidade plana para provocar um impacto emocional visceral. Pelas características apresentadas em sua obra, Gauguin é o precursor do fauvismo.

No final do século XIX, um influxo de produtos e arte japoneses no mercado europeu iniciou o japonismo – a interpretação europeia de estilos artísticos japoneses em objetos de arte ocidentais. Influências semelhantes também são evidentes na obra de Henri de Toulouse-Lautrec.

Toulouse-Lautrec era um observador do mundo do cabaré com uma perspectiva única; ele nasceu na nobreza francesa, mas era deficiente físico e, portanto, incorporava a perspectiva com muito conhecimento. Sua visão única da vida noturna parisiense resultou em pinturas e litografias de salões de dança e cabarés que contavam com os contornos fortes e planos de cor também influenciado pelo estilo ukiyo-e.

Embora o pós-impressionismo estivesse centrado na França, os estilos artísticos e as teorias que surgiram do movimento rapidamente se espalharam para outros países. O pintor norueguês Edvard Munch expandiu as ideias do simbolismo para criar seu próprio estilo artístico pessoal e altamente expressivo. Através de representações abstratas e do uso de cores fortes e linhas vigorosas, ele procurou conotar a luta interna do artista, bem como a ansiedade crescente do homem moderno. Outros, como o pintor e gravurista belga James Ensor, implementaram matizes vibrantes e perspectiva achatada de maneira antirrealista para transmitir a tensão e a angústia generalizadas. Suas composições muitas vezes derivava de alegorias e lendas, no entanto, ele frequentemente retratava o grotesco como uma rebelião contra os temas classicamente belos da arte acadêmica.

Os críticos agruparam os vários estilos dentro do pós-impressionismo em duas tendências estilísticas gerais e opostas – de um lado estava o estilo estruturado ou geométrico que foi o precursor do cubismo, enquanto do outro lado estava a arte expressiva ou não geométrica que levou ao expressionismo abstrato.

GALERIA – ARTISTAS CITADOS

Castelo de Medan. Paul Cézanne. 1881
Miti-de-Fatata-Te ou By the Sea. Paul Gauguin. 1892
Retrato de Pai Tanguy. Vincent van Gogh. 1888
Mulher maquiando-se. Georges Seurat. 1890
Camponesas Plantando Estacas. Camille Pissarro. 1891 – óleo sobre Tela (55 x 46 cm)
A Goulue no Moulin Rouge. Henri de Toulouse-Lautrec. 1891
Homens no banho. Edvard Munch. 1907
Os Cozinheiros perigosos. James Ensor. 1896

Obra em destaque: As Grandes Banhistas

Nesta pintura Cézanne está reinterpretando um motivo icônico ocidental do nu feminino, mas de uma forma excepcionalmente radical. O tamanho da pintura é monumental, confrontando o espectador diretamente com formas abreviadas que se resolvem nos membros nus de seus modelos. Nela, o artista ultrapassa das tradições figurativas, é um dos melhores exemplos da tentativa de Cézanne de incorporar o nu moderno e heroico em um ambiente natural.

Faz parte de uma série de nus muito humanos, nada de ninfas ou sátiros greco-romanos, estão dispostos em várias posições, como objetos de natureza morta, sob o arco pontiagudo formado pela intersecção das árvores e dos céus.

As Banhistas. Paul Cézanne. 1900 –  Óleo sobre Tela (136 x 191 cm) – Localização: : National Gallery, Londres

por Roseli Paulino – @arteeartistas

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“Acredito que a Arte está em tudo no que nos rodeia, basta um olhar sensível para apreciar e usufruir das diferentes manifestações artísticas. A Arte é a grande e bela ilustração da vida.”