São Paulo – Tarsila do Amaral

Mit leuchtenden Farben und vereinfachten Formen erfasste Tarsila das dynamische, pulsierende Wesen der Stadt. Ein Meilenstein in der Geschichte der brasilianischen Kunst war gesetzt.

Die Leinwand São Paulo, gemalt von Tarsila do Amaral im Jahr 1924, einem Schlüsseljahr in ihrem Schaffen, zählt zu den Eckpfeilern der Pau-Brasil-Phase – jener Schaffensperiode, in der sie die wiederentdeckte brasilianische Bildsprache mit einer höchst eigenständigen Neudeutung kubistischer Lehren verknüpfte. Diese Lektionen hatte sie im Vorjahr in den Pariser Ateliers von André Lhote (1885-1962), Fernand Léger (1881-1955) und Albert Gleizes (1881-1953) empfangen.

Im Mittelpunkt dieses Werks steht die Moderne. Tarsila rückt hier sowohl die nationale Landschaft ins Rampenlicht – jene fröhlichen, naiven Farben der ländlichen Szenerie, die sie auf ihrer denkwürdigen Reise nach Minas Gerais mit solcher Freude wiederentdeckte – als auch die Verwandlung der bescheidenen Stadt in eine pulsierende Metropole.

Was die Malerin in Werken wie São Paulo tut, ist, die Wahrnehmung Brasiliens aus der durch die Industrialisierung eröffneten Perspektive zu verorten.

Man sieht sich hier mit einer noch sehr jungen Moderne konfrontiert, die vor allem durch die Gebäude symbolisiert wird, welche am Stadthimmel emporragen. Da sind die Eisenkonstruktionen, die das Viadukt tragen, und nicht zuletzt die Straßenbahn, die, oben rechts im Bild, den Anschein erweckt, für die Dynamik des gesamten Ensembles verantwortlich zu sein.

Die Bauten im Hintergrund, mit nur angedeuteter Tiefe gearbeitet, wirken zurückhaltend; eine einzige Linie führt sie.

Sie ist es, die der vom Waggon angeführten Gruppe Struktur und Sinn verleiht; doch dieser erinnert mehr an ländliche Szenen als an eine blühende Metropole im Aufbruch.

Was der Leinwand Bewegung verleiht, ist weniger die bloße Darstellung dieser spärlichen Symbole der Moderne.

Vielmehr ist es die Abfolge von Linien, die sie horizontal durchschneiden und den Blick von links nach rechts lenken, so der Bewegung eine eigene Logik verleihend.

Diese geradlinigen (Promenade und Bahngleise) oder verschlungenen (Fluss und Gebäudekonturen) Verläufe, oftmals fragmentiert durch markante vertikale Elemente (Figuren, Baumstamm, Gebäude, Eisenträger etc.), schaffen ein Gewebe, das das gesamte Ensemble trägt und belebt.

Die Farbe dient weiterhin als formdefinierendes Element, doch die Künstlerin bedient sich eines subtilen Schattenspiels, beeinflusst von Fernand Légers Malerei, um das Volumen der Bildelemente zu modellieren. Damit distanziert sie sich vom eindimensionalen Aspekt jener Bewegung, die anderthalb Jahrzehnte zuvor von Pablo Picasso (1881-1973) und Georges Braque (1882-1963) ins Leben gerufen wurde.

Was Tarsila hier zu suchen scheint, ist nicht der Effekt durch chromatische Kontraste, sondern eine Harmonisierung möglicher Töne, die sich aus dieser besonderen Landschaft speisen. Dies verleiht der fruchtbaren Auseinandersetzung jener Zeit, geprägt vom doppelten Wunsch nach Modernität und lokaler Verwurzelung, Gestalt.

In São Paulo 'Gazo' schrieb Mário de Andrade: „Man betrachte São Paulo: Es wäre müßig, die eminente, ja gewalttätige Plastizität dieses Werkes zu beweisen. Doch die für das Werk gewählten Objekte bilden einen intensiven, nationalistischen Ausdruck dessen, was die Stadt São Paulo ausmacht. Dort im Gazo findet sich die [sic] Wut der Werbung, die große Industrieagglomerationen charakterisiert. Auf der breiten Allee der modernen Stadt, mit Bäumen, die an den Reichtum unserer Begrünung erinnern, Straßenbahnschienen, der extravaganten Gestalt des Ford. Und da ist der Motano-Benzinvertrieb, als die treibende Kraft dieser enormen Bewegung. Es sei noch angemerkt, dass die Wahl des Ford und nicht eines Cadillac nicht zufällig war. Das gesamte Innere der Reichtümer fließt, trägt zur Größe der eigenartigen Paulistaner Hauptstadt bei. Der koloniale Teil der Stadt ist nicht vergessen. Doch hier dominieren die Schornsteine, und der Wolkenkratzer ragt beherrschend empor.“

Neben der Geometrisierung und der Textur der Szene muss die Bedeutung der Farbwahl, -behandlung und -kombination unbedingt hervorgehoben werden. Ein Aspekt, der in Tarsilas Gesamtwerk eine zentrale Rolle spielt und in diesem Gemälde besonders augenfällig wird.

Die Grün-, Blau- und Rottöne bilden eine weniger intensive und kontrastreiche Palette als in anderen Gemälden derselben Periode. Doch bergen sie dennoch etwas Kindliches, eine Naivität, die der damaligen Hochkunst fremd war.

 

 

Farbe als Formgeber: Tarsilas subtiles Schattenspiel, beeinflusst von Léger, um den Bildelementen Volumen zu verleihen.

Doch die Geschichte birgt ein bizarres Detail: Die Farbe dient weiterhin als formdefinierendes Element, doch die Künstlerin bedient sich eines subtilen Schattenspiels, beeinflusst von Fernand Légers Malerei, um das Volumen der Bildelemente zu modellieren.