São Paulo - Tarsila do Amaral

Con un cromatismo acceso e forme sintetizzate, Tarsila ha colto l'anima dinamica, il battito incessante della città, ponendo una pietra miliare irrinunciabile nella storia dell'arte del Brasile.

Dipinta da Tarsila do Amaral nel 1924, anno cruciale per la sua poetica, la tela São Paulo si annovera tra i capisaldi della fase Pau-Brasil, così denominata per la sua produzione in quel periodo di ricomposizione: una riscoperta della visualità brasiliana e una rielaborazione assai personale delle lezioni cubiste,  assimilate l'anno precedente negli atelier di André Lhote (1885-1962), Fernand Léger (1881-1955) e Albert Gleizes (1881-1953), a Parigi.

La modernità è il fulcro di questa opera; Tarsila eleva a protagonista tanto il paesaggio nazionale – i colori vivaci e quasi infantili della scena agreste, riscoperti con gioia nel suo storico viaggio a Minas Gerais – quanto la metamorfosi della città, da modesta a metropoli.

Ciò che la pittrice realizza in tele come São Paulo, è restituire una percezione del Brasile filtrata dall'ottica dischiusa dall'industrializzazione.

Ci si trova dinanzi a una modernità ancora in embrione, incarnata soprattutto dagli edifici che iniziano a stagliarsi nel cielo della città, dalle impalcature di ferro che sorreggono il viadotto e, in particolare, dal tram che, nell'angolo superiore destro della tela, sembra imprimere il dinamismo all'intera composizione.

Le architetture sullo sfondo, delineate con profondità appena accennate, appaiono contenute e guidate da un'unica linea.

È questa linea che orchestra e conferisce significato al gruppo trainato dal vagone, il quale evoca più paesaggi rurali che una visione opulenta di città in fermento.

A infondere movimento nella tela, non è tanto la rappresentazione di questi sparuti simboli della modernità.

Piuttosto, è la successione di linee che la attraversano orizzontalmente, guidando lo sguardo da sinistra a destra, a dare logica, quasi un respiro, al movimento.

Questi percorsi, ora rettilinei (il passeggio, la linea del treno), ora sinuosi (il fiume, il profilo degli edifici), spesso interrotti da vigorosi elementi verticali (figure, tronchi d'albero, palazzi, travi di ferro, ecc.), intessono una trama che sorregge e anima l'intero assemblaggio.

Il colore permane quale elemento che definisce le forme, ma l'artista dispiega un raffinato gioco di ombre, mutuato dalla pittura di Fernand Léger, per modellare il volume degli elementi compositivi, prendendo le distanze dall'aspetto unidimensionale di quella corrente avviata quindici anni prima da Pablo Picasso (1881-1973) e Georges Braque (1882-1963).

Ciò che Tarsila pare perseguire qui non è l'effetto generato dal contrasto cromatico, ma una possibile armonia di toni, desunti da questo peculiare paesaggio, dando così forma al fecondo dibattito dell'epoca, polarizzato tra il desiderio di modernità e quello di un profondo radicamento locale.

In São Paulo 'Gazo', scrisse Mário de Andrade: "Si osservi il São Paulo; sarebbe vano tentare di dimostrare l'eminente, persino violenta, plasticità di quest'opera. Ma gli oggetti scelti per la creazione forgiano un'espressione intensa e nazionalista della città paulista. Ecco nel Gazo la [sic] furia della pubblicità che contraddistingue le grandi agglomerazioni industriali. Sul viale ampio della città moderna, con alberi che evocano la ricchezza della nostra arborizzazione, binari del tram, la figura stravagante della Ford. E lì il distributore di benzina Motano, quale forza motrice di questo imponente movimento. Va inoltre notato che la scelta di una Ford e non di una Cadillac non fu casuale. Tutto l'interno delle ricchezze che fluiscono, concorrendo alla grandezza della singolare capitale paulista. La parte coloniale della città non è stata dimenticata. Ma in essa i camini dominano e si erge, imperioso, il grattacielo."

Insieme alla geometrizzazione e all'ordito della scena, è imperativo porre l'accento sull'importanza della scelta, della manipolazione e dell'accostamento dei colori, elemento che svolge un ruolo cardinale nell'opera di Tarsila e si rivela piuttosto peculiare in questa specifica pittura.

I verdi, gli azzurri e i rossi compongono una tavolozza meno vibrante e meno contrastata rispetto ad altre tele del medesimo periodo, eppure possiedono ancora un che di infantile, una primordiale ingenuità aliena all'arte colta di quel tempo.

 

 

Il colore rimane un elemento che definisce le forme, ma l'artista si avvale di un sottile gioco di ombre, ispirato alla pittura di Fernand Léger, per evidenziare il volume degli elementi del quadro.

Ma la storia serba un dettaglio bizarro: Il colore continua a essere utilizzato quale elemento che definisce le forme, ma l'artista si avvale di un sottile gioco di ombre, influenzata dalla pittura di Fernand Léger, per contribuire a delineare il volume degli elementi della tela.