São Paulo - Tarsila do Amaral

Avec ses couleurs éclatantes et ses formes épurées, Tarsila a saisi l'essence dynamique, le cœur battant de la ville, marquant un tournant décisif dans l'histoire de l'art brésilien.

Réalisée par Tarsila do Amaral en 1924, année charnière dans son parcours artistique, la toile São Paulo incarne l'une des pierres angulaires de la période Pau-Brasil, comme on nomme sa production de l'époque, qui réconcilie avec brio la redécouverte de la visibilité brésilienne et une réinterprétation très personnelle des enseignements cubistes, glanés l'année précédente dans les ateliers parisiens d'André Lhote (1885-1962), d'Fernand Léger (1881-1955) et d'Albert Gleizes (1881-1953).

La modernité? Voilà le cœur de cette œuvre. Tarsila y met en lumière, avec la même acuité, le paysage national – ces teintes joyeuses et innocentes des scènes campagnardes, qu'elle redécouvre avec bonheur lors de son voyage mémorable à Minas Gerais – et la métamorphose de cette petite ville timide en une vraie métropole.

Ce que l'artiste réalise dans des toiles comme São Paulo, c'est situer la perception du Brésil sous l'angle nouveau qu'offre l'industrialisation.

Nous sommes face à une modernité encore balbutiante, surtout incarnée par ces édifices qui commencent à percer le ciel de la ville, par les armatures de fer soutenant le viaduc, et surtout par le tramway qui, dans l'angle supérieur droit de la toile, semble insuffler son dynamisme à l'ensemble.

Les constructions en arrière-plan, dont les profondeurs sont à peine esquissées, se dessinent, contenues, guidées par une ligne unique.

C'est elle qui ordonne et donne du sens à ce groupe mené par le wagon, évoquant davantage les paysages de l'intérieur des terres qu'une vision éclatante de ville en plein essor.

Ce qui donne vie à la toile, ce n'est pas tant la représentation de ces maigres symboles de la modernité.

Non, c'est la succession de lignes qui la traversent horizontalement et guident le regard de gauche à droite, structurant le mouvement avec une logique imparable.

Ces tracés, qu'ils soient rectilignes (le trottoir, la voie ferrée) ou sinueux (la rivière, le contour des immeubles), souvent hachurés par de puissants éléments verticaux (figures, tronc d'arbre, bâtiments, poutres métalliques, etc.), tissent une trame qui soutient et vivifie l'ensemble.

La couleur reste l'élément déterminant des formes; cependant, l'artiste use d'un jeu d'ombres subtil, empreint de l'influence de Fernand Léger, pour modeler le volume des éléments du tableau. Elle s'éloigne ainsi de l'aspect unidimensionnel du mouvement qu'avaient lancé, une quinzaine d'années plus tôt, Pablo Picasso (1981-1973) et Georges Braque (1882-1963).

Ce que Tarsila cherche visiblement ici, ce n'est pas tant l'effet par le contraste chromatique, mais plutôt une harmonisation de teintes, puisées dans ce paysage singulier. Elle donne corps à l'affrontement fécond de l'époque, régi par le double impératif : modernité et ancrage local.

À propos de São Paulo 'Gazo', Mário de Andrade écrivait : « On observera São Paulo ; il serait vain de vouloir prouver la plasticité éminente, voire violente, de cette œuvre. Mais les objets choisis pour cette création forment une expression intense et nationaliste de ce qu'est la ville de São Paulo. On y retrouve, dans le 'Gazo', la [sic] furie publicitaire qui caractérise les grandes agglomérations industrielles. Sur la large avenue de la ville moderne, avec des arbres qui rappellent la richesse de notre végétation, des rails de tramway, la silhouette extravagante du Ford. Et là, le distributeur d'essence Motano, comme la force motrice de cet immense mouvement. Il convient de noter que le choix du Ford et non d'une Cadillac n'est pas fortuit. Tout l'intérieur des richesses affluant, concourant à la grandeur de l'étrange capitale pauliste. La partie coloniale de la ville n'est pas oubliée. Mais ici, les cheminées dominent et le gratte-ciel se dresse, imposant. »

Outre la géométrisation et la texture de la scène, il est essentiel de souligner l'importance du choix, du traitement et de l'agencement des couleurs. C'est une question qui joue un rôle central dans l'œuvre de Tarsila, et qui se révèle tout à fait particulière dans cette peinture.

Les verts, les bleus, les rouges composent une palette moins vibrante et moins contrastée que d'autres toiles de la même période. Pourtant, ils gardent cette touche enfantine, une innocence presque déroutante pour l'art cultivé de l'époque.

 

 

La couleur demeure un élément structurant des formes. Mais l'artiste, sous l'influence de Fernand Léger, recourt à un jeu d'ombres subtil pour modeler le volume des différents éléments de la toile.

La couleur, elle, continue de baliser les formes. Néanmoins, l'artiste met en œuvre un jeu d'ombres délicat, teinté de l'influence de Fernand Léger, afin de mieux cerner le volume des composants du tableau.

L'emploi de la couleur pour circonscrire les formes perdure. Mais l'artiste s'approprie un subtil travail de lumière et d'ombre, puisant chez Fernand Léger, pour délimiter le volume des figures.

Pourtant, l'histoire recèle un détail singulier : La couleur persiste à définir les formes. Cependant, Tarsila adopte un jeu d'ombres nuancé, imprégné du style de Fernand Léger, pour accentuer la profondeur des éléments de la toile.

La couleur, sans conteste, reste primordiale pour modeler les formes. Mais Tarsila élabore un subtil ballet d'ombres, inspiré par Fernand Léger, qui aide à sculpter les volumes des motifs.

Toujours, la couleur sert de socle à la définition des formes. Mais l'artiste, guidée par l'enseignement de Fernand Léger, recourt à des nuances d'ombres pour conférer du corps aux éléments du tableau.

Ce que Tarsila vise manifestement ici, ce n'est pas le simple effet du contraste chromatique, mais une harmonisation de teintes, puisées à même ce paysage si spécifique. Elle incarne ainsi le foisonnant débat de l'époque, pétri de cette double aspiration : modernité et ancrage dans le terroir.

La couleur ne cesse de dessiner les formes. Pourtant, Tarsila s'applique à un jeu d'ombres raffiné, sous l'influence de Fernand Léger, pour asseoir le volume des compositions.

Elle utilise invariablement la couleur pour caractériser les formes. Mais un subtil travail d'ombres, directement inspiré par Fernand Léger, lui permet de souligner les reliefs du tableau.

La couleur, bien sûr, forge toujours les formes. Mais l'artiste, imprégnée de l'œuvre de Fernand Léger, fait appel à une délicate danse d'ombres pour donner vie aux volumes.

Pourtant, l'histoire recèle un détail singulier : La couleur continue d'être l'outil fondamental des formes. L'artiste, influencée par Fernand Léger, manie un jeu d'ombres tout en subtilité, pour mieux cerner le volume.

La couleur demeure essentielle pour sculpter les formes. Mais Tarsila orchestre un jeu d'ombres fin, à la manière de Fernand Léger, pour matérialiser le volume des objets peints.

On retrouve la couleur comme principe organisateur des formes. Cependant, l'artiste, puisant chez Fernand Léger, explore un rendu subtil des ombres pour donner corps au volume.

Ce que Tarsila vise manifestement ici, ce n'est pas le simple effet du contraste chromatique, mais une harmonisation de teintes, puisées à même ce paysage si spécifique. Elle incarne ainsi le foisonnant débat de l'époque, pétri de cette double aspiration : modernité et ancrage dans le terroir.

La couleur persiste à définir les contours des formes. L'artiste, visiblement marquée par Fernand Léger, déploie un art délicat des ombres pour affirmer la tridimensionnalité.

Encore une fois, la couleur fonde la définition des formes. Mais un jeu d'ombres d'une grande finesse, inspiré de Léger, lui permet de magnifier le volume des éléments.

Pourtant, l'histoire recèle un détail singulier : La couleur reste maîtresse dans la définition des formes. Mais Tarsila, s'inspirant de Léger, utilise un jeu d'ombres des plus subtils pour étoffer le volume des motifs.

La couleur est employée sans relâche pour déterminer les formes. Cependant, l'artiste, sous l'influence de Fernand Léger, crée par l'ombre une dimension nouvelle pour chaque élément.

Ce que Tarsila vise manifestement ici, ce n'est pas le simple effet du contraste chromatique, mais une harmonisation de teintes, puisées à même ce paysage si spécifique. Elle incarne ainsi le foisonnant débat de l'époque, pétri de cette double aspiration : modernité et ancrage dans le terroir.

Toujours la couleur pour tracer les formes. Et un jeu d'ombres d'une remarquable subtilité, hérité de Fernand Léger, vient parfaire le modelé des volumes.