Simbolismo: Su Eco por Europa y el Legado que Dejó

En las tierras germánicas, Arnold Böcklin se erigió como una personalidad clave del Simbolismo. Su visión era, quizás, menos sombría que la de muchos de sus coetáneos. Se dejó cautivar por la luz cálida de Italia y el influjo de la antigüedad. Su obra cumbre, La Isla de los Muertos, cuenta con cinco versiones. Él mismo la describió como «un lugar apacible»; de hecho, la creó a petición de una joven viuda que le rogó una «imagen para soñar».

En Austria, las pinturas de Gustav Klimt mostran la íntima relación entre el simbolismo y corrientes afines como el Art Nouveau. Los suntuosos lienzos de Klimt desvendan las potencias creativas y devastadoras de la sexualidad femenina. Su obra, que muchas veces enfrentou duras críticas e chegou a ser vetada ao público, capta com precisão los anhelos y temores de aquella época.

En Escandinavia, el norueguês Edvard Munch mantinha uma conexão profunda com os simbolistas. Após uma temporada em Paris, fixou residência na Alemanha durante os anos 1890. Seu estilo é por vezes denominado Naturalismo Simbólico, pois seus temas mergulham nas angústias reais da modernidade, longe de representações mitológicas ou exóticas. Na profundidade da psique e do padecimento humano, Munch abordou frequentemente em suas telas a doença, a solidão, o desespero e a agonia mental. Sua obra mais icônica, O Grito, nasceu de uma experiência vívida que teve ao caminhar sob o sol poente: foi invadido por uma sensação avassaladora de desespero, como se um grito eterno atravessasse toda a natureza.

Entre os simbolistas eslavos, destacam-se František Kupka e o tcheco Alphonse Mucha. Ambos residiram e trabalharam em Paris por um tempo, desenvolvendo estilos que, com frequência, dialogavam com o Simbolismo. Mucha alcançou fama por seus cartazes de Art Nouveau, elaborados a partir de fotografias de modelos. Enquanto Kupka se imergiu no território do subconsciente, do sobrenatural e da dor da época, a arte de Mucha possuía uma leveza notável, desprovida da angústia e do tormento que tanto caracterizam a maioria das criações simbolistas.

A visão do artista belga James Ensor exemplifica essa mistura peculiar do abismal, do excessivo, do voluptuoso e até do absurdo que se unia à decadência e ao anseio pela morte. É o olhar da alma que escapa do mundo, enlaçada no misticismo do final do século XIX, uma vertente simbolista que inspiraria, sem dúvida, o surrealismo vindouro.

Los Nabis

Dando nome a este grupo, do hebraico e árabe para profetas —entendendo o artista como un vidente— Los Nabis foram fundados por Paul Sérusier em 1889, tendo como pedra angular sua pintura El Talismán. Embora suas convicções religiosas ou políticas não fossem idênticas às de outros simbolistas, os Nabis aspiravam a uma conexão com um poder superior. Eles realmente acreditavam que o artista detinha o papel de um sumo sacerdote, capaz de revelar o que é invisível. Seu estilo bebeu muito da obra de Paul Gauguin, traduzindo-se em uma planimetria e estilização marcadas, mesmo que o tema variasse, inclinando-se para interiores domésticos, como se vê em Édouard Vuillard e Pierre Bonnard. Muitos dos Nabis publicaram na revista simbolista La Revue Blanche, em companhia de seus colegas literatos.

Ocasión del Simbolismo
O idealismo que o Simbolismo carregava consigo acabou por ser a causa de seu posterior abandono. A Primeira Guerra Mundial desencadeou uma desilusão pavorosa, e a beleza, por vezes ingênua, da arte simbolista foi renegada e duramente criticada. O modernismo tomou as rédeas, impulsionando os artistas rumo a novas direções. Buscavam opor-se à violência e à destruição da guerra, e, claro, processar seus traumas. Foi assim que movimentos como o Dadaísmo e o Surrealismo floresceram, cada um com sua própria voz, mas sempre com um pé fincado nas sementes do Simbolismo. Todos exploraram rotas inéditas, buscando respostas na arte irracional, bruta e primitiva.
Análise da Obra Destacada: "Noite" de Odilon Redon

Noite, de Odilon Redon - Em 1910, Redon decorou a biblioteca na propriedade de Gustave Fayet, amigo e artista que, em 1908, havia adquirido a abadia medieval com a intenção de restaurá-la. Para este propósito, Redon criou dois grandes painéis, Dia e Noite, para as duas paredes, e um painel menor sobre a porta, com quatro cavalos, como um tributo às decorações de teto de Eugène Delacroix para o Museu do Louvre. Todo o cenário, com seus tons dourados e flores, irradia a alegria que Redon infundia em suas pinturas. Nesses painéis, ele revisita, em retrospectiva, sua própria obra. Noite é, em si mesma, como um sonho. A representação das figuras em cores mais escuras sugere que habitam esse mundo noturno de sono e devaneio. Para Redon, as borboletas eram seres de luz, emergindo da "crisálida das trevas". Embora ele reconheça seus noirs nas figuras sombrias, a luz dourada envolvente suaviza a escuridão, transformando a cena em uma espécie de paraíso sereno e imaginário.