American Gothic von Grant Wood
American Gothic von Grant Wood
Dieses Gemälde gilt als eines der emblematischsten Kunstwerke des 20. Jahrhunderts.
Ein Sinnbild des amerikanischen Regionalismus, schuf es Grant Wood. Es befeuerte unzählige Neuinterpretationen in der Popkultur und beeindruckt bis heute durch seine Modernität.
Um den Titel des Gemäldes zu verstehen, muss man sich das Haus hinter den beiden Figuren genauer ansehen: Es verweist mit seinem Fenster auf den gotischen Baustil der Konstruktion.
Die Komposition zeigt eine junge Frau in konservativer Kleidung, ihre Augen blicken zur Seite. Sie steht neben einem älteren Mann, der eine dunkle Jacke über einem Overall und einem kragenlosen Hemd trägt.
Der glatzköpfige Mann mit Brille hält eine dreizinkige Heugabel – ein antiquiertes Werkzeug für die damalige Zeit – und blickt den Betrachter starr an.
Die Heugabel im Bild ist faszinierend; sie scheint fast eine eigene Persönlichkeit zu sein.
Ihre Zinken zeigen nach oben, eine ungewöhnliche Haltung; normalerweise würde ein Bauer sie sicher im Boden verankern.
Dieses Detail warf viele Fragen nach der eigentlichen Bedeutung des Kunstwerks auf.
Die Form der Heugabel deutet darauf hin, dass sie ein Symbol für Männlichkeit und Sexualität sein könnte – im puritanischen Mittleren Westen damals ein Synonym für Perversion.
Hinter ihnen steht ein bescheidenes weißes Haus, dessen dekoratives gotisches Fenster genau zwischen den Köpfen des Paares platziert ist.
Die Fenstervorhänge wiederholen das Muster des Frauenkleides, und einige Topfpflanzen sind auf der Veranda sichtbar, direkt über der Schulter der Frau.
Bäume mit dichtem Grün, möglicherweise eine Kirchturmspitze, dazu eine rote Scheune – all das füllt den Hintergrund.
Zwei Tage vor der Eröffnung der Ausstellung des Art Institute of Chicago, wo das Werk gezeigt wurde, veröffentlichte der Chicago Evening Post das Bild und berichtete darüber.
Die unbewegten Dargestellten – von vielen fälschlicherweise für Ehemann und Ehefrau gehalten – erregten ein enormes Interesse. Wood wurde praktisch über Nacht landesweit bekannt.
Der Künstler erklärte es so: „Ich wollte eine Tochter und ihren Vater zeigen, kein Paar, wie viele annehmen.“
Er erfand schlichtweg einige Personen und nannte sie 'Amerikanische Gotik', da sie vor einem Haus dieses Stils standen – was im Grunde nichts tat, um die Mehrdeutigkeit des Werkes aufzulösen.
Die Modelle für das Paar waren jedoch sein Zahnarzt Byron McKeeby und seine jüngere Schwester, Nam Wood Graham.
Die Interpretationen seiner Darstellung der Typen des Mittleren Westens, so typisch für den amerikanischen Folklore und die landwirtschaftlichen Aktivitäten Iowas, lösten damals widersprüchliche Reaktionen aus.
Die Rezeption des Werkes und sein Fortbestehen spiegeln die merkwürdige Ungenauigkeit dieses scheinbar direkten Bildes wider.
Es wirft mehr Fragen auf als es Antworten gibt.
Sein Titel erklärt es für amerikanisch – doch was genau daran ist so emblematisch amerikanisch?
Die nationalen Identitätsdebatten, die Woods Schaffenszeit prägten, spielen eine entscheidende Rolle bei der Interpretation seines Werkes.
Die 1930er-Jahre erlebten einen Rückzug vom aufkommenden Kosmopolitismus, wie die Kunsthistorikerin Barbara Haskell es beschrieb: „eine starke Spannung in der Populärkultur“ mit „einer ausgeprägten Verehrung für die Werte von Gemeinschaft, harter Arbeit und Selbstvertrauen, die als grundlegend für den nationalen Charakter galten und am vollständigsten in den amerikanischen Kleinstädten und auf Farmen verkörpert wurden.“
Vielleicht gerade wegen der Mehrdeutigkeit des Gemäldes – und nicht trotz ihr – wurde Woods rätselhaftes Paar zur Ikone.
Viele unterschiedliche Deutungen sind möglich, was den mysteriösen Reiz des Gemäldes, das zu den wichtigsten Werken der Kunstgeschichte zählt, nur noch verstärkt.
