Biografia di Francis Bacon

Bacon ha donato all'arte del dopoguerra alcune tra le immagini più iconiche di un'umanità ferita e traumatizzata.

Attratto dal surrealismo, dal cinema, dalla fotografia e dagli antichi maestri, ha forgiato uno stile inconfondibile. Questo lo ha consacrato tra gli esponenti più celebrati dell'arte figurativa tra gli anni '40 e '50.

L'artista focalizzava le sue energie. Spesso, nei suoi quadri, prendevano vita frequentatori di bar e club del quartiere di Soho, a Londra.

I suoi soggetti venivano sempre raffigurati con violente distorsioni, quasi brandelli di carne cruda. Anime isolate, prigioniere, tormentate da dilemmi esistenziali.

Tra i pittori britannici di maggiore successo del Novecento, la fama di Bacon crebbe ulteriormente con il diffuso ritorno del "mondo dell'arte" alla pittura negli anni '80. Dopo la sua scomparsa, alcuni lo hanno addirittura annoverato tra i massimi pittori globali.

BIOGRAFIA

Francis Bacon vide la luce il 28 ottobre 1909 a Dublino, Irlanda.

Portava il nome del suo celebre antenato, il filosofo e scienziato inglese.

Suo padre, Edward, servì nell'esercito, per poi trovare impiego al Ministero della Guerra durante la Prima Guerra Mondiale.

In un'intervista con il critico David Sylvester, Bacon ricondusse le sfumature di violenza nelle sue opere alle turbolente circostanze della sua infanzia.

Un reggimento britannico era di stanza vicino alla sua casa d'infanzia; ricordava vividamente il costante frastuono dei soldati in esercitazione.

La posizione paterna al Ministero della Guerra, naturalmente, lo avvertì della minaccia di violenza in tenera età.

Tornato a Dublino dopo il conflitto, raggiunse la maggiore età proprio mentre iniziavano le prime campagne del movimento nazionalista irlandese.

Il giovane Francis ricevette poca istruzione formale, a causa dell'asma grave e dei frequenti spostamenti della famiglia al seguito di Edward.

Sua madre, Christina, condusse una vita da socialite. Con il padre spesso assente per lavoro, Francis rimaneva sovente con la sua bambinaia.

Pur avendo quattro fratelli, Bacon sviluppò con lei un legame profondo. Anni dopo, la bambinaia, ormai anziana, andò a vivere con lui, trascorrendo molti anni al suo fianco a Londra.

I rapporti familiari si fecero più tesi quando Bacon iniziò a confrontarsi con la sua omosessualità, manifestatasi precocemente.

Ebbe un rapporto difficile con i genitori, in particolare con il padre, che disapprovava la sua sessualità e il carattere indipendente del figlio.

Il giovane artista subì severe punizioni dal padre, incluso essere frustato.

Nel 1926, fu cacciato di casa dal padre, che lo aveva sorpreso a provare gli abiti della madre.

Sopravvivendo con una modesta paghetta, Bacon visse una vita da nomade, girovagando tra Londra, Berlino e Parigi.

Nonostante le speranze del padre, il cambiamento di scenario non fece che liberarlo, permettendogli di indagare ulteriormente la propria identità sessuale;

il periodo a Berlino si rivelò particolarmente significativo sotto questo aspetto, e fu da lui ricordato in seguito come un vero e proprio risveglio emotivo.

Verso la fine degli anni '20, Bacon si trasferì in un appartamento a Londra, dedicandosi al design d'interni e di mobili.

Uno dei suoi mecenati, l'artista Roy de Maistre, divenne il suo mentore e lo spinse a dedicarsi alla pittura a olio.

Bacon plasmò le sue prime opere ispirandosi a Pablo Picasso e al surrealismo , movimenti che aveva avuto modo di ammirare durante un viaggio a Parigi.

Nel 1933, Bacon espose l'opera Crocifissione, una composizione scheletrica in bianco e nero. Già da allora irradiava le sfumature di dolore e paura che avrebbero caratterizzato la sua produzione successiva.

Incoraggiato, allestì una mostra della propria arte l'anno seguente, ma ricevette scarsa attenzione.

Le sue pitture furono anche considerate per l'inclusione nella Mostra Surrealista Internazionale, ma vennero rifiutate, giudicate non sufficientemente surrealiste.

Scoraggiato, riprese lo stile di vita errante.

Distrusse la maggior parte delle sue opere precedenti al 1943; solo quindici pezzi di quel periodo iniziale sono sopravvissuti.

A causa della sua asma, Bacon non poté arruolarsi nelle forze armate durante la Seconda Guerra Mondiale.

Fu accettato come membro del settore di Prevenzione degli Attacchi Aerei, che includeva ricerca e salvataggio non militari, ma venne congedato quando si ammalò a causa della polvere e dei detriti.

"Se non fossi stato asmatico, forse non avrei mai cominciato a dipingere"

Nel 1949, tenne la sua prima mostra personale, presentando la serie intitolata Heads. Fu un evento significativo, poiché per la prima volta introdusse due motivi cruciali:

il primo fu l'urlo, tratto da un'immagine cinematografica di un professore ferito che grida.

Il secondo, il Ritratto di Papa Innocenzo X di Diego Velázquez, un'opera che Bacon conosceva solo attraverso riproduzioni. 
La serie Heads ricorse pure a dispositivi di chiusura, evocando un senso diffuso di claustrofobia e ansia. In questo caso, un contorno superficiale a forma di gabbia, già adoperato in Three Studies del 1944.

Nel 1952, Bacon iniziò una delle sue relazioni più intense, quella con l'ex pilota di caccia della Seconda Guerra Mondiale, Peter Lacy.

Lacy era affascinante, colto e profondamente autodistruttivo.

Una volta, ubriaco, Lacy scaraventò Bacon dalla finestra. L'artista riportò un considerevole numero di ferite, per fortuna lievi.

Tra varie scappatelle e incontri clandestini, con entrambi gli uomini che si concedevano una varietà di partner sessuali nei momenti di lontananza, la relazione andò deteriorandosi.

La tendenza di Bacon a trarre ispirazione dalle esperienze personali lo orientò anche verso il ritratto.

Frequentemente dipingeva amici intimi come Lucian Freud, Isabel Rawsthorne e Michel Leiris.

I risultati trasmettono un'intensità emotiva e psicologica impressionante.

Uno dei ritratti più celebri di Bacon fu quello del suo amico e amante George Dyer, che incontrò nel 1964.

Nel periodo della loro relazione, Bacon realizzò diversi ritratti di Dyer, che accostavano una muscolatura potente a un senso di vulnerabilità.

Nel 1971, Dyer, affetto da alcolismo e da episodi di depressione, si tolse la vita la notte precedente la prima retrospettiva di Bacon in Francia.

Dopo l'esposizione a Parigi, Bacon si dedicò sempre più agli autoritratti, affermando:

"le persone intorno a me stanno morendo come mosche, e non c'è più nulla da dipingere se non me stesso".

Proseguendo a lavorare con determinazione, completò anche una serie di dipinti in memoria di Dyer.

Molti di essi presero la forma di trittici di grande formato, inclusa la rinomata serie "Black triptych" che narrò i dettagli della morte di Dyer.

Nel 1973, Bacon divenne il primo artista inglese contemporaneo ad avere una grande mostra al Metropolitan Museum of Art di New York.

Le sue opere furono esposte a livello internazionale negli ultimi anni della sua vita, incluse retrospettive all'Hirshhorn e alla Tate Gallery.

A metà degli anni '70, Bacon incontrò John Edwards, che subentrò a Dyer e Deakin come compagno fedele e suo fotografo ufficiale.

Negli ultimi anni, si allontanò dalla sua vita sociale un tempo turbolenta, concentrandosi sul lavoro e sulla relazione platonica con Edwards.

Morì a Madrid per attacco cardiaco all'età di 81 anni, il 28 aprile 1992.

ARTE COMMENTATA

La Crocifissione fu esposta in un'epoca in cui gli orrori della Prima Guerra Mondiale erano ancora una memoria viva. Aggiungeva un tocco fantasmagorico a una composizione già inquietante, introducendo l'ossessione di Bacon per il dolore e la paura.

La pittura  parlava di come la brutalità avesse mutato il mondo per sempre. 

Studio da Velázquez - Un dipinto basato sul ritratto del 1650 del Papa Innocenzo X di Diego Velázquez. Bacon evitò di vedere l'originale, preferendo lavorare da riproduzioni.

Ancora una volta, l'artista inserisce una cornice a forma di gabbia che racchiude il Papa. Introduce anche pennellate verticali sulla superficie del quadro, un elemento da lui descritto come una tenda, collegando la figura a un oggetto prezioso che necessita di uno spazio protetto.

Tuttavia, i tratti lineari risultano distruttivi per l'immagine, assomigliando più alle sbarre di una cella di prigione.

Le linee sembrano quasi vibrare; i toni complementari di viola e giallo accrescono la tensione della composizione.

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