Biographie de Francis Bacon

Francis Bacon donna naissance à des images parmi les plus emblématiques d'une humanité blessée, traumatisée, au cœur de l'art d'après-guerre.

Puisant son inspiration dans le surréalisme, le cinéma, la photographie et les maîtres anciens, il força un style distinctif, le propulsant parmi les figures les plus reconnues de l'art figuratif des années 1940 et 1950.

L'artiste orienta ses efforts, dépeignant souvent les habitués des bars et clubs du quartier de Soho, à Londres.

Ses sujets, systématiquement rendus avec une distorsion violente, presque lambeaux de chair crue, étaient des âmes isolées, emprisonnées, tourmentées par des dilemmes existentiels.

Francis Bacon, l'un des peintres britanniques les plus accomplis du XXe siècle, vit sa réputation s'amplifier davantage lors du large retour du « monde de l'art » à la peinture dans les années 1980. Après sa mort, il fut même considéré par certains comme l'un des peintres les plus importants de son temps.

BIOGRAPHIE

Francis Bacon naquit le 28 octobre 1909 à Dublin, en Irlande.

Il fut nommé d'après son célèbre ancêtre, le philosophe et scientifique anglais.

Son père, Edward, servit dans l'armée puis obtint un poste au ministère de la Guerre durant la Première Guerre mondiale.

Lors d'un entretien avec le critique David Sylvester, Bacon attribua les connotations de violence de ses toiles aux circonstances tumultueuses de son enfance.

Un régiment britannique stationnait près de sa maison d'enfance ; il se souvenait d'entendre constamment les soldats s'entraîner aux manœuvres.

Naturellement, la position de son père au ministère de la Guerre l'éveilla à la menace de la violence dès son plus jeune âge.

De retour à Dublin après la guerre, il atteignit sa majorité au cœur des premières campagnes du mouvement nationaliste irlandais.

Le jeune Francis reçut peu d'éducation formelle en raison de son asthme sévère et des déplacements fréquents de la famille, liés au poste d'Edward.

Sa mère, Christina, menait une vie de mondaine ; son père étant souvent absent pour le travail, Francis était fréquemment laissé avec sa nounou.

Bien qu'il ait eu quatre frères et sœurs, Bacon développa une relation étroite avec elle ; même âgée, elle vint plus tard vivre avec lui et passa de nombreuses années à Londres à ses côtés.

Les relations familiales devinrent plus tendues, voire abusives, lorsque Bacon commença à affronter sa propre homosexualité, précoce.

Il eut une relation difficile avec ses parents, notamment avec son père, qui désapprouvait sa sexualité et le comportement indépendant de son fils.

Le jeune artiste fut sévèrement discipliné par son père, allant jusqu'à être fouetté.

En 1926, il fut chassé de la maison par son père, après que celui-ci l'eut surpris à essayer les vêtements de sa mère.

Survivant grâce à une maigre allocation, Bacon menait une vie d'errance, parcourant Londres, Berlin et Paris.

Contre les espoirs de son père, ce changement de décor ne fit que le libérer pour explorer davantage son identité sexuelle ;

son séjour à Berlin se révéla particulièrement marquant à cet égard, il s'en souviendra plus tard comme d'un véritable éveil émotionnel.

À la fin des années 1920, Bacon s'installa dans un appartement à Londres et s'intéressa au design d'intérieur et à la création de mobilier.

L'un de ses mécènes, l'artiste Roy de Maistre, devint son mentor et l'encouragea à se consacrer à la peinture à l'huile.

Bacon modèle ses premières œuvres sur Pablo Picasso et le surréalisme , dont il avait découvert le travail lors d'un voyage à Paris.

En 1933, Bacon exposa l'œuvre Crucifixion, une composition squelettique en noir et blanc qui irradiait déjà les teintes de douleur et de peur si caractéristiques de son œuvre future.

Encouragé, il organisa une exposition de ses propres œuvres l'année suivante, mais elle ne reçut que peu d'attention.

Ses peintures furent également examinées pour une inclusion à l'Exposition Surréaliste Internationale, mais furent rejetées, jugées insuffisamment surréalistes.

Découragé, il revint à sa vie d'errance.

Il détruisit la plupart de ses œuvres antérieures à 1943 ; seules quinze pièces de cette période initiale ont survécu.

En raison de son asthme, Bacon ne put rejoindre les forces armées durant la Seconde Guerre mondiale.

Il fut accepté comme membre du service de Précaution contre les Raids Aériens, qui impliquait la recherche et le sauvetage non militaires, avant d'être renvoyé, sa santé s'étant détériorée à cause de la poussière et des débris.

« Si je n'avais pas été asthmatique, je n'aurais peut-être jamais commencé à peindre. »

En 1949, il réalisa sa première exposition personnelle, où il présenta la série intitulée Heads , marquante, car elle introduisait pour la première fois deux motifs cruciaux :

le premier était le cri, issu d'une image de film montrant un professeur blessé hurlant.

Le second est le Portrait du Pape Innocent X de Diego Velázquez, une peinture que Bacon ne connaissait qu'à travers des reproductions. 
La série Heads utilisait plus amplement des dispositifs de clôture suggérant une sensation généralisée de claustrophobie et d'anxiété, en l'occurrence, un léger contour en forme de cage, déjà employé dans ses Trois Études de 1944.

En 1952, Bacon entama l'une de ses relations les plus marquantes, avec Peter Lacy, ancien pilote de chasse de la Seconde Guerre mondiale.

Lacy était séduisant, cultivé et profondément autodestructeur.

Un jour, ivre, Lacy jeta Bacon par la fenêtre ; l'artiste subit de nombreuses blessures, heureusement légères.

Entre diverses frasques et rencontres clandestines, les deux hommes s'adonnant à une multitude de partenaires sexuels entre leurs moments passés ensemble, la relation se dégrada progressivement.

La propension de Bacon à puiser son inspiration dans ses expériences personnelles le conduisit également vers le portrait.

Il peignait fréquemment des amis proches tels que Lucian Freud, Isabel Rawsthorne et Michel Leiris.

Les résultats traduisent une intensité émotionnelle et psychologique saisissante.

L'un des portraits les plus célèbres de Bacon fut celui de son ami et amant George Dyer, qu'il rencontra en 1964.

Durant la période de leur relation, Bacon réalisa plusieurs portraits de lui, où il juxtaposait une musculature puissante et un sentiment de vulnérabilité.

En 1971, Dyer, qui souffrait d'alcoolisme et d'épisodes de dépression, finit par se suicider la veille de la première rétrospective de Bacon en France.

Après l'exposition à Paris, Bacon commença à réaliser de plus en plus d'autoportraits, affirmant :

« Les gens autour de moi tombent comme des mouches, et il n'y a plus rien à peindre que moi-même. »

Continuant à travailler sans relâche, il acheva également une série de tableaux en hommage à la mémoire de Dyer.

Beaucoup prirent la forme de triptyques de grand format, y compris la très estimée série du « Triptyque noir » qui relatait les détails de la mort de Dyer.

En 1973, Bacon devint le premier artiste anglais contemporain à bénéficier d'une grande exposition au Metropolitan Museum of Art de New York.

Son travail fut exposé internationalement durant les dernières années de sa vie, avec des rétrospectives au Hirshhorn et à la Tate Gallery.

Au milieu des années 1970, Bacon rencontra John Edwards , qui remplaça Dyer et Deakin en tant que compagnon constant et photographe officiel.

Dans ses dernières années, il s'éloigna de sa vie sociale autrefois tumultueuse, se concentrant sur son travail et sa relation platonique avec Edwards.

Il décéda à Madrid d'une crise cardiaque, à l'âge de 81 ans, le 28 avril 1992.

ŒUVRES COMMENTÉES

Crucifixion fut exposée à une époque où les horreurs de la Première Guerre mondiale demeuraient vives dans les mémoires.

Elle confère une touche fantomatique à une composition déjà troublante, introduisant l'obsession de Bacon pour la douleur et la peur.

Le tableau disait combien la brutalité avait irrémédiablement transformé le monde. 

Étude d'après Velázquez – Ce tableau, inspiré d'un portrait de 1650 du Pape Innocent X par Diego Velázquez, vit Bacon éviter la peinture originale, préférant travailler à partir de reproductions.

Une fois de plus, il y déploie un cadre en forme de cage qui enserre le pape, mais introduit aussi des coups de pinceau verticaux sur la surface du tableau, un élément qu'il décrivait comme un rideau, rattachant la figure à un objet précieux nécessitant un espace protégé.

Cependant, ces traits linéaires sont destructeurs pour l'image et ressemblent davantage aux barreaux d'une cellule de prison.

Les lignes semblent presque vibrer, et des tons complémentaires de violet et de jaune accentuent la tension de la composition.

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