Die Woche der Modernen Kunst 1922: Der Meilenstein des Modernismus in Brasilien

Die Woche der Modernen Kunst gab den Startschuss für den brasilianischen Modernismus. Sie prägte Literatur, Musik, Malerei und Bildhauerei des Landes tiefgreifend.

Beim näheren Hinsehen wird ein Moment des Bruchs und der Erneuerung sichtbar, der die brasilianische Kunst für immer veränderte.

Der Februar ist ein wichtiger Monat für die brasilianische Kultur.

Im Jahr 1922 ereignete sich im Teatro Municipal de São Paulo ein Ereignis, das den Lauf der Kunst in Brasilien komplett umkrempelte.

Mitten im Karneval eröffnet, stieß die Semana de Arte Moderna die Paulistaner Elite vor den Kopf und offenbarte Brasilien das Dasein einer Avantgarde auf eigenem Boden.

Der Eklat der Buhrufe: "Os Sapos"

Stellen Sie sich das Teatro Municipal als ein einziges, riesiges Froschbecken vor.

Der angespannteste Augenblick der Woche kam, als Ronald de Carvalho die Bühne betrat, um Manuel Bandeiras Gedicht "Os Sapos" zu rezitieren.

Das Publikum, von der Satire auf den Parnassianismus provoziert, reagierte mit Froschchören, Gebell und ohrenbetäubendem Gejohle, das durch die Ränge hallte.

Es war der lebende Beweis: Die moderne Kunst hatte ihren Zweck erfüllt, das Publikum aus seiner Lethargie zu reißen.

Wichtige Namen der brasilianischen Kultur glänzten dabei, wie Mario de Andrade, Oswald de Andrade, Menotti del Picchia, Heitor Villa-Lobos, Di Cavalcanti ,  Anita Malfatti  ,Víctor Brecheret und andere, die wir weiter unten noch erwähnen werden und die ebenfalls an diesem Ereignis teilnahmen.

Wo war Tarsila do Amaral?

Obwohl Tarsila do Amaral das bekannteste Gesicht des brasilianischen Modernismus ist, nahm sie an der Semana de 22 nicht physisch teil.

In jenen historischen Februartagen weilte die Malerin in Paris, studierte die europäischen Avantgarden und feilte vor dem großen Bruch an ihrer akademischen Technik.

Sie stieß erst Monate später zur Gruppe, angelockt von Anita Malfattis begeisterten Briefen, und komplettierte so die "Gruppe der Fünf", die unsere Kultur nachhaltig verändern sollte.

Nachdem sich die Bemühungen seit Anita Malfattis Ausstellung im Jahr 1917 summierten, entschlossen sich die Verfechter der modernen Kunst, ihre Ideen öffentlich zu machen.

Der Vorschlag kam von Di Cavalcanti, und Graça Aranha stellte die Verbindung zwischen ihm und den zukünftigen Sponsoren der Veranstaltung her.

So wurden im Jahr des Unabhängigkeitsjubiläums die Aktivitäten der Semana de Arte Moderna im Teatro Municipal eingeleitet, mit einer Konferenz von Graça Aranha, die sowohl Beifall als auch Buhrufe erntete.

Wer bezahlte die Zeche?

Eine faszinierende Ironie spielte sich 1922 hinter den Kulissen ab: Die ästhetische Revolution, die die Bourgeoisie schockieren wollte, wurde von ihr selbst finanziert.

Die "Kaffeebarone", wie Paulo Prado, waren die großen Mäzene des Ereignisses.

Diese Kaffee-Elite, in ihren Geschäften konservativ, aber auf ihren Europareisen kosmopolitisch, wünschte, dass São Paulo keine Provinzstadt mehr sei, sondern eine moderne Metropole würde – selbst wenn das bedeutete, die eigene Gesellschaftskritik zu fördern.

Die Semana de Arte Moderna wurde am 13. Februar 1922 eröffnet und erstreckte sich mit Aktivitäten bis zum 18. Februar.

Einige Werke stechen hervor:

1. Anita Malfatti mit dem Gemälde: O Homem Amarelo 

2. Di Cavalcanti und das visuelle Erbe

Man beachte den Bruch mit der traditionellen Perspektive auf dem ikonischen Katalogtitelbild der Woche.

Als Di Cavalcanti die Figuren zeichnete, die das Ereignis illustrierten, strebte er keine anatomische Perfektion an, sondern eine visuelle Synthese, die Kubismus und Expressionismus mit einer zutiefst brasilianischen Thematik verband.

Es war das erste Zeichen, dass Brasilien Europa nicht nur kopieren, sondern "verschlingen" wollte.

3. Víctor Brecheret 

Victor Brecheret nahm an der Semana de Arte Moderna teil, obwohl er physisch nicht anwesend war.

Er war befreundet mit Di Cavalcanti, Mário de Andrade, Menotti Del Picchia und Oswald de Andrade.

Damals lebte er in Paris. Dennoch beschloss er, mit zwanzig Skulpturen teilzunehmen, die im Foyer und in den Gängen des Teatro Municipal von São Paulo aufgestellt wurden.

Die Ausstellung der bildenden Künste umfasste rund 100 Werke.

Sie wurde unterstützt von einflussreichen Politikern und Kaffee-Millionären.

Gemälde und Skulpturen verteilten sich über drei Abende im Foyer des Stadttheaters und konkurrierten mit Gedichten und Musicals.

Die visuelle Ausstellung löste beim Publikum Erstaunen aus, während die Musik- und Poesiesitzungen ausgebuht wurden – und dabei eine große Euphorie hervorriefen.

Zur Eröffnung der Woche heben wir unten einen Auszug aus Graça Aranhas Konferenz hervor, betitelt „Die ästhetische Emotion in der Modernen Kunst“:

"Für viele von euch ist die kuriose und suggestive Ausstellung, die wir heute glorreich eröffnen, eine Ansammlung von „Abscheulichkeiten“. Dieser flehende Geist, dieser gelbe Mann, jener halluzinierende Karneval, diese verdrehte Landschaft – wenn sie nicht bloße Fantasiespiele spöttischer Künstler sind, so doch sicherlich wahnwitzige Interpretationen von Natur und Leben. Euer Erstaunen ist noch nicht zu Ende. Weitere „Abscheulichkeiten“ erwarten euch. Bald werden sich dieser Sammlung von Absurditäten eine befreite Poesie, eine extravagante, doch transzendente Musik hinzugesellen und jene empören, die von den Kräften der Vergangenheit angetrieben werden."

Die Namen hinter dem Bruch

Die Bühne des Municipal sah eine Konstellation von Talenten, die, obwohl vielfältig, die Dringlichkeit des Neuen teilten.

Von etablierten Größen bis zu vielversprechenden jungen Talenten – diese Initiatoren waren die Architekten einer nationalen Identität, die noch heute in unserer künstlerischen Produktion nachklingt.

ORGANISATOREN:

Di Cavalcanti, Graça Aranha, Guilherme de Almeida, Mario de Andrade, Menotti Del Picchia, Oswald de Andrade, Ronald de Carvalho und Rubem Borba de Moraes

Wer die Bühne betrat

Zwischen Musikern, Schriftstellern und bildenden Künstlern offenbart die Liste der Beteiligten die kollektive Anstrengung einer Generation.

Jeder anwesende Name trug die Last, sich dem Traditionalismus entgegenzustellen, auf der Suche nach einer authentisch brasilianischen Stimme, frei von den Fesseln der Kolonialvergangenheit.

MITWIRKENDE:

Anita Malfatti, Di Cavalcanti, Ferrignac, John Graz, Martins Ribeiro, Paim Vieira, Vicente do Rego Monteiro, Yan de Almeida Prado und Zina Aita (Malerei und Zeichnung);

Hildegardo Leão Velloso, Victor Brecheret und Wilhem Haarberg (Bildhauerei);

Antonio Moya und Georg Przirembel (Architektur); 

Ernani Braga, Guiomar Novaes und Heitor Villa-Lobos (Musik);

Afonso Schmidt, Graça Aranha, Guilherme de Almeida, Menotti del Picchia, Oswald de Andrade, Plínio Salgado, Ronald de Carvalho und Sérgio Milliet (Literatur), unter anderem.

Der Dichter Mário de Andrade, einer der Hauptinitioren der Semana de Arte Moderna, rezitierte am zweiten Tag das Gedicht Ode ao Burguês, das Teil seines Buches Paulicéia Desvairada ist. Es wurde 1922 veröffentlicht und gilt vielen als das erste Avantgarde-Werk der modernistischen Bewegung.

Es folgt ein Video mit ausgewählten Szenen aus der Miniserie „Um só coração“, ausgestrahlt im Jahr 2004. (Credits: Rede Globo)

Jenseits des hundertjährigen Jubiläums: Das lebendige Erbe

Mehr als eine bloße Feier im Jahr 2022 diente das hundertjährige Jubiläum der Semana de Arte Moderna dazu, zu bekräftigen, dass die Bewegung kein isoliertes Ereignis, sondern ein fortlaufender Prozess war.

Heute findet sich das Erbe von 1922 nicht nur in Geschichtsbüchern, sondern in der Freiheit jedes zeitgenössischen Künstlers, zu experimentieren, zu provozieren und neu zu definieren, was es bedeutet, durch Kunst Brasilianer zu sein.

Im Laufe des Jahres 2022 wurden zahlreiche Aktivitäten zur Feier des 100-jährigen Jubiläums der Semana de Arte Moderna durchgeführt.

Um dieses so wichtige Ereignis für die brasilianische Kunstgeschichte zu feiern, führte das Kultursekretariat gemeinsam mit der Kreativwirtschaft der Regierung des Bundesstaates São Paulo Aktionsprojekte durch.