Edgar Degas : Biographie et Œuvre : Style, Thèmes et Pièces Essentielles
Découvrez Edgar Degas : sa vie, son style, ses thèmes et les œuvres qui ont marqué l'impressionnisme.
Bien que les toiles de Degas n'aient rien de manifestement politique, elles miroitent avec une justesse saisissante l'atmosphère sociale et économique de la France d'alors.
Ses travaux révèlent l'essor de la bourgeoisie, l'émergence d'une économie de services, et l'intégration croissante des femmes dans le monde du travail.
La figure humaine, particulièrement celle de la femme, constituait le cœur de sa thématique.
Il a abordé ce sujet à travers des œuvres allant des portraits plus sombres de ses débuts aux études de blanchisseuses et de prostituées de sa période impressionniste.
Les danseuses de ballet et les nus féminins, eux, ont jalonné toute sa carrière, motifs récurrents et inlassables.
Quant aux ballerines, près d'un millier de toiles leur furent consacrées, usant inlassablement du même motif.
Degas affirmait : « On me dit le peintre des danseuses. On ne comprend pas que la danse fut pour moi un prétexte pour peindre les étoffes de leurs costumes et l'incarnation du mouvement qu'elles réalisent, et c'est là le beau ! »
Edgar Degas fut le seul impressionniste à combler un vide essentiel entre l'art académique classique et les courants avant-gardistes du début du XXe siècle.
C'est pourquoi il fut perçu comme l'un des plus grands dessinateurs de son temps.
Parmi les diverses disciplines des arts visuels, Degas incorpora dans son œuvre l'usage du pastel, de la gouache, de la gravure, de la lithographie, de la sculpture et de la photographie.
Pour concrétiser ses projets picturaux, il se servait souvent de la photographie comme d'un précieux auxiliaire.
À l'instar de Rodin, Degas soumettait ses modèles à des poses fort inconfortables, comme l'atteste la photo de l'Étude pour un tableau de 1896.
Avec le même souci que ses confrères impressionnistes, Degas accordait une valeur immense à la lumière et au mouvement.
Parfois, ses compositions étaient délibérément tronquées, avec des figures reléguées au coin de la toile.
Cette technique visait à rapprocher son œuvre de la photographie, en saisissant des gestes anodins, tels que se gratter le dos, par exemple.
Il se distinguait des autres impressionnistes : ses toiles n'étaient jamais exécutées en plein air pour l'étude des jeux de lumière sur les paysages.
À l'âge de 36 ans, Degas commença à souffrir de problèmes de vue.
C'est pourquoi il intégra de plus en plus le pastel dans ses compositions.
Malgré la dégradation de sa vue, il y décela une foison d'effets de couleurs et de textures.
Sa production au pastel devint aussi estimée que ses œuvres à l'huile.
Degas a dépeint avec une minutie infinie des dizaines de ballerines ; son inclination pour la danse classique le poussait à les parer de décors baignés de lumière.
Surnommé « l'impressionniste d'atelier », l'artiste, contre toute attente, ne concevait jamais une œuvre de manière spontanée.
Ses créations étaient toujours minutieusement échafaudées.
Il étudiait l'ambiance du théâtre, observait la composition scénique et prenait des photographies.
Il griffonnait notes et croquis ; ce n'est qu'après cela que la réalisation des tableaux prenait vie dans son atelier.
Pourtant, il reste difficile d'imaginer que des scènes d'une telle vivacité puissent être le fruit d'un travail d'atelier.
Edgar Degas : GALERIE
La Famille Bellelli : dans cette toile, Degas met en scène sa tante, son époux et leurs deux filles.
Le tableau fut exposé au Salon de Paris en 1867, mais les critiques d'alors l'ont superbement snobé.
Déçu, Degas la conserva précieusement dans sa collection personnelle, ne la remettant sur le marché qu'en 1913.
Aujourd'hui, elle est célébrée comme l'un de ses chefs-d'œuvre.
Au Cœur de la Guerre : voici l'une des premières peintures historiques de Degas.
Ici, l'artiste rend un hommage manifeste aux peintres classiques, révélant l'ascendant d'Ingres, pour qui il vouait une immense admiration.
On y discerne un dessin fondamental parfaitement maîtrisé, trait distinctif des peintures néoclassiques.
Femme aux Chrysanthèmes : dans ce portrait, Degas innove en plaçant le sujet principal au bord latéral de la toile.
C'est là une marque distinctive de son style inimitable.
La Voiture de Courses : la couleur et le dynamisme trépidant des courses de chevaux inspirèrent Degas presque autant que l'univers de la danse.
Dans ce tableau, on découvre une représentation magistrale de chevaux racés.
Elle est largement tenue pour l'une des plus belles réalisations de l'artiste sur ce thème.
La Salle de Répétition de Ballet à l'Opéra : ce tableau marque la première incursion de Degas dans le thème qui deviendrait le plus foisonnant de sa carrière.
Là, il décela une source inépuisable d'inspiration dans l'univers captivant de la danse.
Les Musiciens de l'Orchestre : Degas revisita ce tableau des années plus tard.
Il agrandit l'œuvre, faisant passer son format de l'horizontal au vertical, et repeint certaines sections de la composition initiale.
Cette manière de faire se retrouve fréquemment dans l'œuvre de l'artiste.
Dans la version remaniée, l'attention délaissa les musiciens pour embrasser la scène et ses danseuses.
Ce travail donna le coup d'envoi à la longue série de représentations de ballet pour laquelle Degas est tant plébiscité aujourd'hui.
Il illustre aussi ses cadrages singuliers des scènes.
Un Bureau de Coton à La Nouvelle-Orléans : Degas croque une ambiance animée dans ce marché cotonnier.
Ce lieu appartenait à la famille de sa mère ; la scène fut capturée lors de son séjour à La Nouvelle-Orléans.
Dans l'œuvre, son oncle Musson examine des échantillons, tandis que son frère lit le journal, impliquant ainsi parents et amis dans une composition pleine de vie.
La Classe de Danse : Degas fréquentait assidûment les cours de danse et les représentations de ballet au Théâtre de l'Opéra, dès 1873.
Il passait des heures à observer, à croquer les ballerines.
Ce n'est que par la suite que la peinture de ce qu'il percevait prenait forme dans son atelier.
Chevaux de Courses : dans cette composition, Degas manipule la perspective et l'asymétrie avec brio.
Ce choix met en lumière son approche subtile pour saisir le mouvement équestre.
Mélancolie : Degas n'a laissé aucune trace sur l'identité de son modèle dans ce portrait.
Pourtant, la charge émotionnelle de cette femme y est palpable, d'une intensité rare.
Cette œuvre offre un exemple lumineux de la manière dont le maître agença couleur, ligne, composition et forme.
Il bâtit une pièce qui délivre, avec une simplicité redoutable et une puissance indéniable, un sentiment de tristesse profonde.
La jeune femme, dans des nuances de rouge et d'orange mordorés, se penche sur la courbe du fauteuil.
Elle semble incapable de soutenir le poids ou le fardeau qui l'accable.
Une source de lumière à gauche irradie une aura jaune angoissante, ajoutant à la dramaturgie.
Cette même teinte refait surface sur la main de la femme et dans les ombres abstraites du mur, tissant l'unité de la composition.
L'Absinthe : c'est l'un des tableaux les plus emblématiques de Degas.
Elle est célébrée non seulement pour son apport en tant qu'étude psychologique d'une profondeur insoupçonnée.
Mais également pour la technique audacieuse qu'elle déploie, révélant l'emploi de perspectives multiples au sein d'une même composition.
On y discerne une influence manifeste de la peinture japonaise.
Le Café-Concert : voici l'une des compositions les plus vivantes de Degas, un instantané de la vie nocturne parisienne.
La luminosité des pastels culmine dans la figure de la chanteuse, laquelle capte tous les regards dans cette scène effervescente.
L'Étoile : Degas privilégiait la peinture des ballerines durant leurs répétitions.
Il les dépeignait à l'exercice ou à l'entrée d'un spectacle, dans ces instants privilégiés des coulisses.
Cette œuvre fut, sans conteste, une heureuse exception, capturant l'éclat du solo de cette ballerine pleine de grâce.
Le Cabaret : les contrastes éclatants et les diagonales de la scène sont saisissants.
Les mouvements, cueillis sur le vif comme par un objectif, détonnent.
Tout concourt à octroyer à ce pastel une vitalité qui l'érige en chef-d'œuvre du genre.
L'Entrée des Danseuses Masquées : toute la splendeur du ballet, et plus particulièrement la fantaisie des danseuses, captivait Degas.
L'artiste se laissait charmer par cet univers enchanteur de costumes, de lumières et de sortilèges.
Jockeys sous la Pluie : ce pastel manifeste l'originalité intrinsèque de Degas.
Il parvient à un équilibre harmonieux, en mettant en relief avec finesse chaque plan et chaque perspective de la composition.
La Petite Danseuse de Quatorze Ans : pour en savoir plus sur cette sculpture emblématique, cliquez ici.
Femme au Bain : ce pastel compte parmi les travaux les plus délicats de Degas dans ses études de nu.
Il fait partie d'une illustre série de pastels figurant des femmes dans leur intimité.
Certains furent exposés lors d'une exposition de peintres impressionnistes à Paris, en 1886.
L'accueil fut mitigé : certains critiques saluèrent la représentation de Degas.
D'autres, cependant, se plaignirent de la « laideur » des modèles, fustigeant son choix et allant même jusqu'à prétendre qu'il s'agissait de prostituées.
Mais qu'est-ce qui, au juste, dérangeait tant les critiques ?
Cheval Franchissant un Obstacle : Degas a exécuté une série de travaux où les chevaux occupent le thème central.
Vers 1880, sa vue s'altérant, il se mit à créer des sculptures de petite envergure.
On suppose que cette œuvre en particulier, à l'instar d'autres bronzes, fut inspirée par les clichés d'Eadweard Muybridge, lesquels saisissaient des chevaux en plein mouvement.
Scène de Ballet : cette toile illustre la dernière phase de l'artiste.
Durant cette période, la vue de Degas était déjà fortement altérée.
