Jean-Michel Basquiat

Sus obras, un grito visceral con trazos intensos y colores que vibran, no hacían más que abordar cuestiones sociales, políticas y culturales de una forma tan suya, tan inconfundible, que te golpeaban el alma.

Acércate a Jean-Michel Basquiat y no solo desvelarás a un artista dotado, sino a un auténtico estandarte de la resistencia, un símbolo vivo de la expresión artística más pura. Un genio, sin más.

Basquiat

Basquiat fue un artista visual de peso, sí, pero no olvidemos que también brilló como poeta y músico. Con todo, fue en el asfalto, entre las grietas de la ciudad, donde su nombre se grabó a fuego, primero con sus grafitis, y luego, catapultándose, como el neoexpresionista que rompió esquemas.

Tomando inspiración de íconos inmortales de la Grecia y Roma antiguas, del misticismo africano, de la poesía francesa, del jazz que estremece, del boxeo puro, del baloncesto que vuela y de la mismísima vida callejera, emergió de la explosiva escena punk neoyorquina como un grafitero audaz. No tardó ni un suspiro en irrumpir en el circuito internacional de galerías, coronándose como uno de los artistas más celebrados de todos los tiempos. Un ascenso meteórico.

Jean-Michel Basquiat vio la luz en la vibrante Nueva York, Estados Unidos, un 22 de diciembre de 1960. Su padre, Gerard Jean-Baptiste Basquiat, exministro del interior en Haití; su madre, Mathilde Andrada, con raíces puertorriqueñas. Un crisol de culturas en su sangre.

Fue su madre quien, con una visión adelantada a su tiempo, lo empujó sin cesar hacia la senda del artista visual. Ella, una verdadera orfebre de su genio, pulía su talento, animándole a dibujar, a gestar pinturas, a zambullirse de lleno en todo cuanto oliera a arte. Contaba ella misma que, desde muy niño, el pequeño Jean ya se deleitaba dibujando. ¡Un predestinado!

Hacia finales de la década de los 70, con apenas 17 años, Basquiat y su cómplice, Al Diaz, se lanzaron a plasmar su arte en los edificios abandonados de Manhattan. Su firma, una provocación en sí misma: ‘SAMO’ o ‘SAMO shit’, abreviatura descarada de "same old shit" (la misma mierda de siempre). Un grito, una declaración.

A veces, en sus grafitis, las palabras devoraban casi todo el espacio, dejando apenas un resquicio para las imágenes. Otras, las repetía una y otra vez, hasta lograr un efecto casi hipnótico, un mantra visual. Una maestría.

Aquella forma de manifestación despertó una curiosidad feroz, un anhelo irrefrenable de descifrar los propósitos de esos grafiteros rebeldes. Sin embargo, este fogonazo artístico culminó con la inscripción tajante: “SAMO is dead”  (SAMO está muerto), pintada con desgarro en las paredes de los edificios del SoHo neoyorquino. Un punto final.

En 1981, apenas veinteañero, colgó el espray y se lanzó a la tela. Sus pinturas, vendidas en las galerías del SoHo, lo catapultaron, sin tardanza, a la cúspide, convirtiéndolo en uno de los artistas más talentosos de su generación. Un meteoro.

Desde 1982, Basquiat se codeaba, con naturalidad, con artistas ya consagrados. Incluso, por aquel entonces, se le veía a menudo con la mismísima Madonna, su pareja, aunque ella aún no era el ícono artístico que conocemos. Un cruce de caminos.

En uno de sus encuentros con Warhol, Basquiat, con esa osadía suya, le pidió a un asistente que los fotografiara a ambos. Apenas terminó el flash, Basquiat echó a correr, desoyendo las súplicas de su amigo para que se quedara a almorzar. Una escena digna de película.

Menos de dos horas más tarde, Basquiat reapareció con un lienzo imponente: una pintura de ambos artistas juntos, en su inconfundible estilo primitivo. Aquel encuentro fue la oportunidad de oro, el golpe maestro, para que el joven impresionara al consagrado. El suceso quedó inmortalizado en el diario de Andy, donde anotó: "fue a casa y en dos horas, una pintura estaba de vuelta, aún húmeda, de él y yo juntos..." Y prosiguió, ¡con una mezcla de admiración y envidia!: "¡Oh, estoy tan celoso!", exclamó Andy. "¡Es más rápido que yo!". Un momento legendario.

La noticia, tan demoledora como inesperada, de la muerte de su amigo Andy Warhol en febrero de 1987, quien tanto lo había respaldado en su fulgurante carrera, lo golpeó hondo. Basquiat, con el alma desgarrada, canalizó ese dolor en una explosión, una auténtica erupción de creatividad. El arte como catarsis.

Al año siguiente, la tragedia: Basquiat fallece a los 27 años, en 1988, por una sobredosis de éxtasis y cocaína. En apenas siete años de carrera, había legado al mundo cerca de 2.000 piezas. Una vida breve, una obra inmensa.

Se estima, y esto es un dato revelador, que más del 80% de sus trabajos reposan en manos de coleccionistas privados, lejos de las galerías públicas. Una paradoja.

Tras su muerte, el valor de sus obras se disparó, alcanzando cifras estratosféricas. Los museos, incluso los más grandes, no pudieron seguir el ritmo de sus ventas en el frenético mercado del arte. Un fenómeno post-mortem.

Este lienzo es la joya de la corona, la obra cumbre del artista. Retrata un rostro, una calavera inquietante, que te mira de frente. En 2017, durante una subasta, pulverizó récords al venderse por la asombrosa cifra de 110,5 millones de dólares (equivalente a unos 99,3 millones de euros) en la prestigiosa casa Sotheby's de Nueva York. ¡Una barbaridad!

Cabalgando con la Muerte es, sin duda, una de las pinturas más expresivas y conmovedoras de Basquiat. En ella, alcanza una sobriedad y una pureza técnica que, quizás, nunca más volvió a tocar en ninguna otra de sus creaciones. Una cumbre, un grito íntimo.

Pintura en capas...

Para dar vida a El Pescador, la pintura fue concebida en capas, un proceso que permitió añadir la figura central al final. Esta técnica se aprecia, sobre todo, en el rostro de la figura humana, plasmada como un esqueleto, coronada con vibrantes estratos de verde, gris, rosa, negro y rojo. Una composición magistral.