Tarsila do Amaral: Biografia, Formazione e il Risveglio Modernista

Le sue opere, pensiamo ad Abaporu e Antropofagia, sfoggiano colori vibranti e forme che catturano l'essenza della cultura e dell'identità brasiliana.

Non solo pittrice, fu anche disegnatrice e traduttrice, lasciando un'impronta indelebile nell'arte e nella società del Brasile.

Primi Anni e L'Inizio nell'Arte

Tarsila do Amaral venne al mondo nella città di Capivari il 1º settembre 1886, nell'entroterra di São Paulo.

Molti la considerarono una donna ben oltre il suo tempo.

Elegante e raffinata, nipote di ricchi proprietari terrieri paulisti, affrontò nondimeno il rifiuto all'interno della sua stessa famiglia.

Tra le principali rappresentanti del Modernismo brasiliano, Tarsila do Amaral seppe combinare con maestria le specificità della nostra cultura con le nuove possibilità poetiche aperte dalle avanguardie all'inizio del secolo scorso.

Il suo primo quadro, “Sacro Cuore di Gesù”, lo dipinse all'età di 16 anni.

Fin da subito, si nota la presenza di colori forti.

Tarsila iniziò la sua pittura influenzata dal conservatorismo, un approccio che poi, da maestra, avrebbe infranto con il modernismo.

Il Viaggio a Parigi e il Modernismo

Nel 1917, iniziò a studiare pittura con il rinomato artista Pedro Alexandrino.

Il suo interesse per il modernismo nacque dalla visita all'esposizione personale della pittrice Anita Malfatti, intitolata “Esposizione di Pittura Moderna”, nel dicembre del 1917.

Fu in quell'occasione che le due artiste si conobbero, dando vita a un'amicizia destinata a durare a lungo.

Nel 1920, Tarsila si recò a Parigi, dove si iscrisse all'Académie Julian, fondata dal pittore e professore Rodolphe Julian, studiandovi fino al 1921.

Fece ritorno in Brasile nel 1922, subito dopo la conclusione della Settimana d'Arte Moderna.

Tarsila non prese parte direttamente alla Settimana del '22, eppure si affermò nelle arti plastiche già negli anni '20, grazie anche alle istanze formulate dai leader del gruppo modernista.

Aveva già incontrato l'amica Anita Malfatti, e le due si scambiavano corrispondenza, con Anita che la teneva informata su tutto.

In Brasile, tramite Anita, conobbe alcuni degli organizzatori della Settimana d'Arte Moderna, in particolare Oswald de Andrade, Mário de Andrade e Menotti Del Picchia.

In seguito, fu invitata a unirsi al movimento e insieme diedero vita al Gruppo dei Cinque.

L'intento primario del gruppo era promuovere la cultura brasiliana attraverso l'arte moderna, distanziandosi dagli stili tipicamente europei.

Il Manteau Rouge di Tarsila

Quando dipinse il suo celebre Autoritratto del 1923, Tarsila volle eternare non solo i suoi tratti, ma anche il suo posto nel mondo.

Lo splendido cappotto rosso che la avvolge sulla tela fu una creazione di Paul Poiret, uno dei più importanti stilisti dell'alta moda francese dell'epoca.

Il capo funge da forte simbolo dell'artista: una donna cosmopolita, dotata di un'eleganza magnetica, che si muoveva con naturalezza nell'avanguardia parigina e guardava i maestri europei da pari a pari, senza mai smarrire la sua essenza.

Nel dicembre del 1922, Tarsila tornò a Parigi, dove studiò con André Lhote all'Académie Lhote.

Inoltre, studiò per un breve periodo anche con Albert Gleizes e Fernand Léger.

Durante questo periodo, entrò in contatto con i movimenti delle avanguardie europee come il cubismo, il futurismo e l'espressionismo, stili che le arricchirono notevolmente le conoscenze e le servirono, più tardi, per impreziosire la sua opera.

Presto si rese conto che, sebbene il Cubismo avesse i suoi meriti, aiutando gli artisti a liberarsi dalle forme dell'arte accademica, alla fine sarebbe stato distruttivo.

Pertanto, pur non abbandonando del tutto il cubismo, si adoperò per sviluppare uno stile proprio, influenzata soprattutto da Fernand Léger, suo maestro in questo percorso.

La profondità biografica di Tarsila svela le sfumature di una donna che ha saputo transitare tra la tradizione delle piantagioni di caffè e l'avanguardia europea per fondare un'estetica genuinamente brasiliana; vi suggeriamo la lettura del libro illustrato qui.

Il Ritorno in Brasile e il Risveglio dei Colori

Nel dicembre del 1923, Tarsila fece ritorno in Brasile e, insieme a Oswald de Andrade e all'amico francese Blaise Cendrars, iniziò a viaggiare per il paese, visitando Rio de Janeiro durante il suo celebre Carnevale.

Questo viaggio le ispirò la tela ‘Carnevale a Madureira’ e altre opere dello stesso periodo.

Da Rio, si spostarono a Minas Gerais, dove l'artista ebbe il piacere di riscoprire i colori vibranti che amava da bambina.

Inoltre, le case rustiche e le antiche chiese catturarono la sua immaginazione, spingendola a immergersi più profondamente nella sua eredità brasiliana; lentamente, cominciò a scoprire le sue radici.

La Tavolozza di Minas

La carovana del 1924 attraverso le città storiche del Minas Gerais – accompagnata da Oswald, Mário de Andrade e dal poeta franco-svizzero Blaise Cendrars – fu un rito di passaggio visivo.

Lontana dagli atelier parigini, Tarsila riscoprì la luce del suo stesso paese.

Le facciate coloniali, le chiese barocche e la semplicità popolare restituirono alla pittrice ciò che lei stessa definiva “colori rustici”.

L'azzurro purissimo, il rosa violaceo, il giallo vivo e il verde squillante, tonalità che nell'accademia erano considerate di “cattivo gusto”, approdarono sulle sue tele.

Questa riscoperta cromatica sarebbe diventata l'anima della sua fase Pau-Brasil, una celebrazione vibrante e senza alcun pudore della nostra estetica.

Durante i suoi viaggi in Brasile, Tarsila realizzò molti schizzi, che in seguito divennero la base di molte delle sue pitture.

I colori erano sempre vibranti, una caratteristica riscoperta durante questo tour.

Sviluppò anche un interesse per l'industrializzazione e il suo impatto sulla società brasiliana, un tema che possiamo osservare nelle sue pitture legate alla città di São Paulo.

Le Tre Fasi: Pau-Brasil, Antropofagica e Sociale

L'opera di Tarsila si articola in tre fasi: Pau-Brasil, Antropofagica e Sociale.

Nella sua prima fase, la Pau-Brasil, la pittrice ruppe completamente con ogni conservatorismo e iniziò a riempire le sue tele di nuove forme.

Le opere di questo periodo, che inizia nel 1924, affrontano temi tropicali, in cui l'artista esalta la fauna, la flora, le macchine e tutto ciò che è legato alla modernità urbana che contrastava con la ricchezza e la diversità del Brasile dell'epoca.

La seconda fase, l'Antropofagica, fu idealizzata dal suo marito dell'epoca, Oswald de Andrade.

In questo momento, cercavano di assimilare influenze straniere, allora comuni, affinché l'arte da loro creata avesse un'impronta più brasiliana.

Tarsila dipinse un quadro e lo donò a Oswald, al quale diedero il nome di Abaporu  – parola di origine indigena che si traduce con “uomo che mangia carne umana”.  Per i modernisti il significato sarebbe quello di “digerire”, cioè di trarre vantaggio dalle tecniche straniere e applicarle qui, ma senza perdere la nostra tradizione, creando qualcosa di nuovo e profondamente brasiliano.

Con questa pittura dell'artista del 1928, si inaugura l'importante movimento antropofagico all'interno del modernismo.

Il Dizionario di Tarsila

La parola che battezzò la tela più famosa del Brasile non sorse dal nulla.

Per dare un nome alla figura solitaria dai piedi immensi, concepita come regalo di compleanno per Oswald de Andrade, Tarsila ricorse a un antico dizionario di tupi-guarani.

Unendo i termini aba (uomo) e poru (che mangia), diede vita all'“uomo che mangia gente”.

Non in senso letterale, bensì nella geniale metafora che avrebbe ispirato il Movimento Antropofagico: l'idea di divorare la cultura europea per digerirla e trasformarla in un'arte puramente nazionale.

La terza e ultima grande fase è quella Sociale, che culmina con il suo viaggio a Parigi, dove lavora come operaia in un cantiere, dopo essere passata per l'Unione Sovietica.

L'artista non era più sposata con Oswald de Andrade; la loro relazione si interruppe, culminando nel divorzio nel 1930.

Nel 1933, a partire dal quadro Operai, l'artista inaugura una fase di creazioni orientate ai temi sociali dell'epoca e alla condizione dei lavoratori.

In Seconda Classe, Tarsila esplora le differenze con un'espressione che commuove l'osservatore.

Pannelli e gli Ultimi Anni

Tarsila dipinse due pannelli nella sua carriera, entrambi negli anni '50.

Nel 1954, portò a termine Processione del Santissimo, realizzato per le celebrazioni del IV Centenario della Città di São Paulo.

Nel 1956, realizzò per l'Editora Martins un altro pannello, intitolato Battesimo di Macunaíma.

Sebbene il tema comprenda varie questioni di interesse per l'artista, questa pittura è considerata distante dal resto della sua opera, a causa dei toni contrastanti e cupi, nonché della stilizzazione delle figure, dei dettagli e della composizione.

Per proseguire questa avventura, vi invitiamo a leggere il nostro prossimo articolo: Tarsila do Amaral: Opere Iconiche, Eredità e la Fase Post-Antropofagica.