Tarsila do Amaral : Biographie, Formation et l'Éveil Moderniste

Ses œuvres, telles qu'Abaporu et Antropofagia, se caractérisent par des couleurs éclatantes et des formes évoquant la culture et l'identité brésiliennes.

Au-delà de son pinceau, elle fut aussi dessinatrice et traductrice, marquant profondément l'art et la société de son pays.

Premières Années et les Prémices de son Art

Tarsila do Amaral a vu le jour à Capivari, dans l'intérieur de l'État de São Paulo, le 1er septembre 1886.

Beaucoup la voyaient comme une femme résolument en avance sur son époque.

Élégante, raffinée, elle était la petite-fille de riches propriétaires terriens de São Paulo, mais elle connut néanmoins le rejet au sein même de sa famille.

Figure emblématique du modernisme brésilien, Tarsila do Amaral a su magistralement concilier les spécificités de notre culture avec les audacieuses possibilités poétiques inaugurées par les avant-gardes au début du siècle dernier.

Son tout premier tableau fut le “Sacré Cœur de Jésus”, réalisé à l'âge de 16 ans.

On y remarque déjà une précoce audace dans l'usage des couleurs vives.

Tarsila entama sa pratique picturale sous l'influence d'un certain conservatisme, celui-là même que le modernisme, dont elle deviendrait une maîtresse incontestée, allait plus tard bousculer.

Le Voyage à Paris et l'Éveil Moderniste

En 1917, elle débuta ses études de peinture auprès du célèbre artiste Pedro Alexandrino.

Son attrait pour le modernisme s'éveilla lors de sa visite à l'exposition personnelle de la peintre Anita Malfatti, intitulée “Exposition de Peinture Moderne”, en décembre 1917.

C'est à cette occasion que les deux artistes firent connaissance, scellant ainsi une amitié durable.

En 1920, Tarsila partit pour Paris et s'inscrivit à l'Académie Julian, fondée par le peintre et professeur Rodolphe Julian, où elle étudia jusqu'en 1921.

Elle revint au Brésil en 1922, juste après l'achèvement de la Semaine d'Art Moderne.

Bien que Tarsila n'ait pas pris part directement à la Semaine de 22, elle s'affirma dans les arts plastiques dès les années 1920, répondant à l'impulsion des figures du mouvement moderniste.

Elle avait déjà rencontré son amie Anita Malfatti, et les deux femmes échangeaient des lettres ; Anita la tenait au courant de tous les événements.

De retour au Brésil, c'est par l'intermédiaire d'Anita qu'elle fit la connaissance de plusieurs organisateurs de la Semaine d'Art Moderne, notamment Oswald de Andrade, Mário de Andrade et Menotti Del Picchia.

Peu après, elle fut invitée à rejoindre le mouvement, et ensemble, ils formèrent le Grupo dos Cinco (Groupe des Cinq).

L'objectif premier du groupe était de promouvoir la culture brésilienne par l'art moderne, en s'affranchissant des styles typiquement européens.

Le Manteau Rouge de Tarsila

Lorsqu'elle peignit son célèbre Autoportrait de 1923, Tarsila tint à immortaliser non seulement ses traits, mais aussi sa place dans le monde.

Le manteau rouge éclatant qui l'enveloppe sur la toile fut l'œuvre de Paul Poiret, l'un des plus grands couturiers français de l'époque.

Ce vêtement fonctionne comme un puissant symbole de l'artiste : une femme cosmopolite, dotée d'une élégance magnétique, qui évoluait avec une aisance naturelle au sein de l'avant-garde parisienne, considérant les maîtres européens d'égal à égal, sans jamais trahir son essence profonde.

En décembre 1922, Tarsila retourna à Paris et étudia auprès d'André Lhote à l'Académie Lhote.

Elle suivit également, pour une brève période, les enseignements d'Albert Gleizes et de Fernand Léger.

Durant cette période, elle se familiarisa avec les mouvements d'avant-garde européens tels que le cubisme, le futurisme et l'expressionnisme, des styles qui lui apportèrent une richesse de connaissances et servirent à enrichir son œuvre par la suite.

Elle réalisa rapidement que, bien que le cubisme eût ses avantages, aidant les artistes à s'affranchir des formes de l'art académique, il finirait par être destructeur.

Ainsi, sans pour autant renoncer au cubisme, elle s'efforça de forger son propre style, sous l'influence déterminante de Fernand Léger, son mentor durant ce cheminement.

La profondeur biographique de Tarsila dévoile les nuances d'une femme qui a su naviguer entre la tradition des plantations de café et l'avant-garde européenne pour fonder une esthétique authentiquement brésilienne ; c'est pourquoi nous vous recommandons la lecture du livre illustré ici .

Le Retour au Brésil et l'Éveil des Couleurs

En décembre 1923, Tarsila revint au Brésil et, accompagnée d'Oswald de Andrade et de leur ami français Blaise Cendrars, ils entreprirent un voyage à travers le pays, visitant Rio de Janeiro pendant son célèbre Carnaval.

Ce périple lui inspira la toile ‘Carnaval em Madureira’, ainsi que d'autres œuvres de la même période.

De Rio, ils se rendirent à Minas Gerais, où l'artiste eut le plaisir de retrouver les couleurs vibrantes qu'elle chérissait depuis l'enfance.

De plus, les maisons rustiques et les églises anciennes captivèrent son imagination ; elle plongea ainsi plus profondément dans son héritage brésilien, découvrant, pas à pas, ses propres racines.

La Palette de Minas

La caravane de 1924 à travers les villes historiques du Minas Gerais — en compagnie d'Oswald, Mário de Andrade et du poète franco-suisse Blaise Cendrars — fut un véritable rite de passage visuel.

Loin des ateliers parisiens, Tarsila redécouvrit la lumière de son propre pays.

Les façades coloniales, les églises baroques et la simplicité populaire rendirent à la peintre ce qu'elle nommait elle-même les "couleurs paysannes".

Le bleu purissime, le rose violacé, le jaune éclatant et le vert chantant, des teintes considérées de "mauvais goût" dans les cercles académiques, trouvèrent alors leur place sur ses toiles.

Cette redécouverte chromatique allait devenir l'âme de sa phase Pau-Brasil, une célébration vibrante et décomplexée de notre esthétique propre.

Au cours de ses voyages à travers le Brésil, Tarsila réalisa de nombreux croquis, qui servirent plus tard de fondement à nombre de ses toiles.

Les couleurs étaient toujours vibrantes, une vivacité qu'elle avait redécouverte lors de ce périple.

Elle développa également un intérêt pour l'industrialisation et son impact sur la société brésilienne, comme en témoignent ses tableaux liés à la ville de São Paulo.

Les Trois Phases : Pau-Brasil, Anthropophagique et Sociale

L'œuvre de Tarsila se décline en trois phases distinctes : Pau-Brasil, Anthropophagique et Sociale.

Dans sa première phase, celle de Pau-Brasil, la peintre rompait radicalement avec tout conservatisme, emplissant désormais ses toiles de formes audacieuses.

Les œuvres de cette période, débutant en 1924, explorent des thèmes tropicaux, où l'artiste célèbre la faune, la flore, les machines et tout ce qui touche à la modernité urbaine, contrastant avec la richesse et la diversité d'un Brésil foisonnant.

La deuxième phase, dite Anthropophagique, fut conceptualisée par son époux de l'époque, Oswald de Andrade.

À ce moment-là, ils cherchaient à "digerer" les influences étrangères, courantes à l'époque, afin que l'art qu'ils créaient revête un aspect plus profondément brésilien.

Tarsila peint un tableau qu'elle offre à Oswald, et qu'ils baptisèrent Abaporu  - un mot d'origine indigène signifiant "l'homme qui mange de la chair humaine".  Pour les modernistes, cela signifiait "digerer", c'est-à-dire s'approprier les techniques étrangères et les appliquer ici, sans pour autant perdre notre tradition, créer du nouveau, mais résolument brésilien.

Avec cette peinture de l'artiste datant de 1928, s'inaugura le mouvement anthropophagique, pilier essentiel du modernisme.

Le Dictionnaire de Tarsila

Le mot qui baptisa la toile la plus célèbre du Brésil n'est pas apparu de nulle part.

Pour nommer cette figure solitaire aux pieds démesurés, conçue comme un cadeau d'anniversaire pour Oswald de Andrade, Tarsila eut recours à un ancien dictionnaire tupi-guarani.

En fusionnant les termes "aba" (homme) et "poru" (qui mange), elle donna vie à "l'homme qui mange les gens".

Non pas au sens littéral, bien sûr, mais dans la métaphore géniale qui allait inspirer le Mouvement Anthropophagique : l'idée de dévorer la culture européenne pour la digérer et la transmuer en un art purement national.

La troisième et dernière grande phase est la phase Sociale, qui culmine avec son départ pour Paris, où elle travaille comme ouvrière sur un chantier, après un passage par l'Union Soviétique.

L'artiste n'était plus mariée à Oswald de Andrade ; leur relation s'était brisée, menant à un divorce en 1930.

En 1933, avec le tableau Operários (Les Ouvriers), l'artiste inaugure une phase de créations axées sur les thèmes sociaux de l'époque et la condition des travailleurs.

Dans Segunda Classe (Deuxième Classe), Tarsila explore les disparités avec une expressivité qui touche profondément l'observateur.

Panneaux et Dernières Années

Tarsila a peint deux panneaux majeurs durant sa carrière, tous deux datant des années 50.

En 1954, elle acheva Procissão do Santíssimo (Procession du Saint-Sacrement), œuvre réalisée pour les célébrations du IVe Centenaire de la Ville de São Paulo.

En 1956, elle réalisa pour l'Editora Martins un autre panneau, intitulé Batizado de Macunaíma (Le Baptême de Macunaíma).

Bien que le thème intègre plusieurs questions chères à l'artiste, cette peinture est souvent perçue comme un écart par rapport à l'ensemble de son œuvre, en raison de ses tons contrastés et sombres, ainsi que de la stylisation des figures, des détails et de la composition générale.

Pour saisir l'intégralité de ce parcours, nous vous invitons à poursuivre votre lecture dans notre prochain article : Tarsila do Amaral : Œuvres Iconiques, Héritage et la Phase Post-Anthropophagique.