Autorretratos de Frida Kahlo: Vida, Dolor y la Génesis de una Artista (Parte 1)

Sus lienzos vibran con colores intensos, un simbolismo arrollador y esa mirada directa, penetrante, que nos atraviesa.

Magdalena Carmen Frieda Kahlo y Calderón, o sencillamente Frida Kahlo, se erige como un faro de la cultura mexicana; su herencia materna indígena y el feminismo, pilares innegables, resuenan con fuerza en cada pincelada de su obra.

Mientras muchos artistas grabaron su huella en la historia del arte con sus creaciones en diversas modalidades, Frida trascendió, fue más allá.

Su obra y su historia se funden en esos innumerables autorretratos, espejos de su encarnizada lucha por permanecer viva. Y lo logró, ¡vaya que sí! Su legado es imperecedero, su obra, eterna.

Para Frida, el dolor no fue un obstáculo, sino la materia prima de su arte.

Una pasión desbordante por la vida, un torbellino de emociones plasmado en cada uno de sus infinitos autorretratos.

Incluso en su melancolía más profunda, su obra irradia un calor vital, una fuerza innegable.

Pero lo que más nos cautiva y nos intriga es esto: a pesar de tanto sufrimiento, nunca se vistió de luto. Frida era color, era vida; prefería adornarse con flores, florecer en medio de la adversidad.

Tras contraer poliomielitis a los seis años, una secuela en el pie derecho la forzó, por desgracia, a usar pantalones durante un tiempo de su vida. Sin embargo, fueron esas largas faldas estampadas las que labraron la marca personal de Frida, convirtiéndola en un referente ineludible en el universo de la moda.

Este es uno de sus primeros autorretratos, donde Frida luce un vestido de terciopelo rojo vino; muchos lo consideran uno de los más hermosos, una joya inicial.

Lo envió a Alejandro, su novio de entonces, con la secreta esperanza de que ella permaneciera imborrable en su memoria.

Alejandro partió hacia Europa en marzo de 1927; sus padres, al parecer, desaprobaban su relación con Frida.

Tras su separación, Frida le escribió innumerables cartas, testamento de su desgarro.

Muchos eruditos del arte de Kahlo la consideran la más surrealista de todas sus creaciones, quizás la más enrevesada; una obra que nos lanza a un abismo de interpretaciones, cada cual más fascinante.

Frida poseía un semblante único, peculiar, que la distinguía radicalmente de la mujer común.

Sus pobladas y unidas cejas negras, inconfundibles, jamás dejó de exhibirlas en sus autorretratos, al igual que ese bozo que tampoco ocultaba y que siempre la acompañó, parte indisoluble de su estampa.

¿Surrealista? Cuando osaban clasificar su obra bajo la bandera de ese movimiento, la artista lo negaba tajantemente. Ella proclamaba a los cuatro vientos: «Yo no pinto sueños, pinto mi realidad».

Aun así, es innegable que en su pintura bullen símbolos y la magia de los sueños, abriéndonos un sinfín de puertas a la interpretación.

En esta pintura, Frida se nos muestra enfundada en un traje masculino, renunciando así a toda su feminidad, desafiando las convenciones.

Al fondo, una tierra agrietada se extiende con oscuros barrancos.

En un principio se pinta desnuda, pero luego cubre la parte inferior con algo que bien podría ser una sábana de hospital, un velo de fragilidad.

Una columna vertebral fracturada, rota, ocupa el lugar de su propia espina dorsal.

La columna parece a punto de desmoronarse, convertida en escombros, reflejo de su propio calvario físico.

Penetrando desde la cintura hasta el mentón, la columna adopta una forma fálica; la conotación sexual se hace aún más patente, subrayada por la rotunda belleza de los senos y el torso de Frida.

Aunque su cuerpo entero es sostenido por el férreo corsé, la obra trasciende, comunicando un mensaje inquebrantable de triunfo espiritual.

Lágrimas surcan su rostro, sí, pero su mirada se alza al frente, desafiante. Está retándose a sí misma y, por extensión, al público, a encarar su cruda realidad.

Dolor y sufrimiento, he ahí los temas recurrentes, la savia inagotable en la pintura de Frida.

En El Venado Herido, Frida se inmortaliza en el cuerpo de un joven venado.

Su cuerpo, horadado por flechas que simbolizan sus heridas físicas y afectivas, grita una profunda angustia, grabada a fuego en su rostro.

En el cuadro Diego y Yo, Frida nos asalta con cabellos sueltos enredados alrededor de su cuello, una imagen que clama estrangulamiento.

Ha despojado su máscara de reserva, de contención.

Resulta dolorosamente obvio que la raíz de su angustia reside en su esposo Diego, sobre cuyas cejas se asienta la imagen de este.

Un tercer ojo, una clara alusión a la perspicacia mental y visual que predominaba en Rivera, se abre en la frente de Frida, una suerte de condena.

De la pirámide de cinco ojos que se posa en esta pintura, solo los de Frida se cruzan con el espectador, un desafío mudo.

La constante presencia de Rivera en los pensamientos de Frida se revela también en su diario, cuyo grueso es un desgarrador poema de amor hacia él: «Diego, estoy sola».

Y, páginas más tarde, un suspiro: «Mi Diego. Ya no estoy sola. Me acompañas. Me acuestas y me reanimas».

En otra ocasión, bosquejó dos rostros que semejan vasos.

«No llores conmigo», ruega uno de ellos.

El otro, conmovido, responde: «Sí. Lloraré contigo».

En un rapto de romanticismo, estampó: «Diego: nada se compara a tus manos y nada es igual al verde-oro de tus ojos».

«Mi cuerpo se llena de ti días y días».

«Eres el espejo de la noche».

«La violenta luz del relámpago».

«La humedad de la tierra».

«Tu axila es mi refugio».

«Mis dedos tocan tu sangre».

«Toda mi alegría es sentir tu vida brotar de tu flor-fuente que la mía guarda para llenar todos los caminos de mis nervios que te pertenecen».

Para desentrañar el resto de esta apasionante travesía, continúe con nuestro próximo artículo: Autorretratos de Frida Kahlo: Pasiones, Política y el Legado de un Icono (Parte 2).