Manierismus
Manierismus
Der Manierismus ist eine Kunstbewegung, die sich zwischen der Renaissance und dem Barock entwickelte. Er trat in einer äußerst fantasievollen Epoche der Kunst auf, unmittelbar nach dem Höhepunkt der Perfektion, den die naturalistische Malerei im Renaissance-Italien erreicht hatte. Neue wissenschaftliche Erkenntnisse rückten die Gesellschaft von humanistischen Idealen ab. Plötzlich stellten Gemälde den Menschen nicht länger als Mittelpunkt des Universums dar, sondern eher als isolierten, randständigen Akteur in den großen Mysterien des Lebens.
Im 16. Jahrhundert begannen Künstler in Florenz und Rom, von klassischen Einflüssen abzuweichen. Sie strebten eine intellektuellere, ausdrucksstärkere Herangehensweise an. Dies leitete eine Abkehr von authentischen Darstellungen von Figuren und Themen ein, eine bewusste Verwerfung der Harmonie und die Entfaltung eines neuen, dramatischen Stils. Ein Stil, der sich weder an die Bildebene, noch an die Realität oder gar wörtliche Korrektheit gebunden fühlte. Radikale Asymmetrie, Künstlichkeit und das Dekorative prägten diese Bewegung entscheidend.
Der frühe Manierismus, der bis etwa 1535 andauerte, vertrat eine antitraditionelle Herangehensweise. Ihm folgte der Hochmanierismus, dessen komplexerer, künstlicherer Stil anspruchsvollere Gönner begeisterte und sich zu einer Art Hofstil entwickelte. Erst viel später prägte Luigi Lanzi, ein Kunsthistoriker und Archäologe des 17. Jahrhunderts, den Begriff „Manierismus“, um diese spezifische Epoche der Kunstgeschichte zu bezeichnen.
Ein zentrales Merkmal des Manierismus war die Anwendung der figürlichen Serpentinata, der „Schlangenfigur“. Menschliche Körper wurden dabei in schlangenartigen Formen dargestellt: gestreckte Gliedmaßen, überlange Proportionen und eine fließende, S-förmige Anmut. Solche Figuren verliehen den Werken eine übernatürliche Qualität, die sich klar von klassischen Interpretationen distanzierte.
In vielen manieristischen Werken sah man Personen oder Szenen in unnatürlichen Umgebungen, oft völlig ohne jeglichen Kontext. Der Betrachter wurde eingeladen, die Kunst nicht wörtlich zu nehmen, sondern sich auf eine eher philosophische Erfahrung einzulassen.
Die Manieristen distanzierten sich klar von einer bloßen Naturimitation in der Kunst. Stattdessen suchten sie danach, die tiefer liegenden psychologischen Aspekte eines Werkes hervorzuheben, weit über mythologische oder religiöse Themen hinaus. Diese Denkweise prägte ein Oeuvre, das zutiefst das Göttliche evoziert und weltweit dafür bekannt ist, die jedem Sein innewohnende Spiritualität sichtbar zu machen.
WICHTIGE KÜNSTLER
Parmigianino (1503-1540) – Ein italienischer Künstler, der als Hauptmaler Parmas galt. Er wurde als exzentrischer, doch technisch versierter Virtuose geschätzt, der auch in Rom und Bologna wirkte.
Giuseppe Arcimboldo (1527-1593) – Arcimboldo, ein italienischer Maler, erlangte Berühmtheit durch seine ungewöhnlichen menschlichen Porträts. Sein einzigartiger Stil zeigte eine wahrhaft surreale Genialität, indem er Gesichter aus Früchten, Gemüse, Tieren, Büchern und anderen Objekten komponierte.
Bronzino (1503-1572) – Bronzino galt als Meister der Porträtmalerei. Seine Werke spiegelten die Ansichten und vornehmen Ideale der Medici-Herzöge im 16. Jahrhundert Italiens wider. Er entwickelte einen eigenen, akribisch linearen Stil, der sowohl Michelangelos Michelangelo als auch Raffaels Raffael Sanzio Einfluss verdankte. Der Künstler schuf zudem eine Reihe mythologischer Gemälde, in denen er seine Liebe zur Symbolik und seine meisterhafte Farbgebung zur Schau stellte.
El Greco (1541-1614) – Doménikos Theotokópoulos, ein in Griechenland geborener Künstler, verbrachte einen Großteil seines Lebens in Spanien. Dort wurde er als El Greco („Der Grieche“) bekannt. Sein Leben und Werk waren von einer tiefen, grundlegenden Gottesverehrung geprägt. Obwohl er die lange Tradition der byzantinischen Ikonenmalerei meisterhaft beherrschte, schöpfte er nach seiner Übersiedlung nach Spanien seine Hauptinspiration überwiegend aus der italienischen und spanischen Renaissance.
Caravaggio (1571-1610) – Dieser bedeutende italienische Maler schuf markante, innovative Werke. Er war ein Wegbereiter in der Nutzung dramatischer Beleuchtung und der Darstellung religiöser Figuren in zeitgemäßer Kleidung und Haltung. Caravaggio beeinflusste die Künstler seiner Zeit und nachfolgende Kunstströmungen maßgeblich, insbesondere den Barock und den Realismus des 19. Jahrhunderts.
Tizian (ca. 1488-1576) – Tizian Vecellio zählte zu den größten Renaissance-Malern der Venezianischen Schule. Er verknüpfte Ideen der Hochrenaissance mit Elementen des Manierismus und entwickelte so einen Stil, der seiner Zeit weit voraus war. Er avancierte zu einem der renommiertesten Porträtisten seiner Epoche, schuf aber auch zahlreiche religiöse und mythologische Sujets. Sein Einfluss auf Zeitgenossen war immens; seine Leinwände gelten als Vorläufer der emotionalen Dramatik des Barocks und prägten spätere Neuerer entscheidend.
Paolo Veronese (1528-1588) – Paolo Caliari, der in Verona geborene Italiener, wurde als Veronese bekannt. Er gilt als einer der renommiertesten Meister der späten Renaissance. Der Künstler, Mitglied der Venezianischen Schule, zeichnete sich als herausragender Kolorist aus. Er malte das Elegante, das Grandiose und schuf Erzählungen, deren Bedeutungen sich durch reiche, fließende Farbschemata entfalteten.
Benvenuto Cellini (1500-1571) – Cellini, ein bedeutender italienischer Bildhauer, galt als der größte Goldschmied seiner Zeit. Zudem verfasste er die berühmte „Autobiografie“. Das unten abgebildete Werk wurde zwar als „Meisterwerk manieristischer Skulptur“ bezeichnet, stand aber auch sinnbildlich für den opulenten, dekorativen Stil des französischen Hofes.
Tintoretto (1518-1594) – Jacopo Robusti wurde als Tintoretto bekannt, ein Spitzname, der auf den Beruf seines Vaters, eines Färbers („tintore“ im Italienischen), zurückging. Sein Schaffen zeichnet sich durch erfinderische Kühnheit in Ausführung und Komposition gleichermaßen aus. Die meisten seiner Gemälde sind erzählerisch, lebendig durch dramatische Beleuchtung und Gesten. Tizians Farbbehandlung beeinflusste ihn tief, ebenso Michelangelos energiegeladene Formen.
HERVORRAGENDES WERK – KOMMENTIERTE KUNST
Tintoretto malte das Letzte Abendmahl mehrfach in seinem Leben. Diese spezielle Fassung lässt sich als „Festmahl der Armen“ beschreiben, wobei die Gestalt Christi fast unauffällig in der Menge der Apostel aufgeht. Doch eine übernatürliche Szene offenbart sich im Lichtkranz um seinen Kopf, mit geflügelten Figuren. Dies verleiht dem Gemälde einen visionären Charakter, der es deutlich von früheren Darstellungen desselben Themas, etwa von Leonardo da Vinci, unterscheidet. Die eigenwillige diagonale Anordnung des Tisches erklärt sich aus der ursprünglichen Installation des Bildes an der rechten Wand des Presbyteriums von San Giorgio Maggiore.
Das Letzte Abendmahl zählt seit den frühesten Tagen des Christentums zu den beliebtesten Motiven der Kunst. Besonders zutreffend war dies während der Renaissance, die mit Da Vincis Wandgemälde für das Kloster Santa Maria delle Grazie die wohl berühmteste Darstellung dieses Themas hervorbrachte – ein Werk, das die Ästhetik der Hochrenaissance meisterhaft verkörpert.
Fünfzig Jahre, nachdem Da Vinci sein Meisterwerk vollendet hatte, zeigte sich der große venezianische Maler Tintoretto gleichermaßen vom Thema fasziniert. Doch unter seinen Händen zerfiel die Harmonie der Renaissance in etwas Chaotischeres, Dunkleres, Mystischeres.
