Paul Gauguin: Die Reise nach Tahiti, sein Erbe und Schlüsselwerke (Teil 2)

Er verstarb am 8. Mai 1903.

Seine letzte Ruhestätte fand er auf der Insel Hiva Oa.

Die zerrüttete Familie: Der Preis für Gauguins Kunst

Paul Gauguins Entscheidung, Künstler zu werden, zog ihn in ein Leben voller ausgedehnter Reisen.

Diese innere Triebkraft führte jedoch zu einer schleichenden Entfremdung von seiner Frau und der ganzen Familie.

Sein ältester Sohn, Emil, berichtete über seine Mutter: „Sie willigte ein, ihn gehen zu lassen – nicht, weil sie an sein Genie glaubte, sondern aus Respekt vor seiner Leidenschaft für die Kunst.“

„Das war ein mutiger Schritt meiner Mutter“, fuhr Emil fort. „Es bedeutete, dass sie die Last auf sich nehmen musste, uns, meine Geschwister und mich, noch Kinder, zu versorgen und zu erziehen.“

Obwohl sie achtzehn Jahre lang getrennt lebten, ließen sich Paul und Mette-Sophie nie offiziell scheiden.

Sie führten bis 1897 eine regelmäßige Korrespondenz.

Mit seiner offiziellen Frau, Mette-Sophie, hatte Gauguin fünf Kinder: vier Söhne und eine Tochter.

Tragischerweise überlebte Gauguin zwei seiner Kinder, ein persönlicher Schicksalsschlag, der ihn tief prägte.

Seine Tochter Aline starb an einer Lungenentzündung, und sein Sohn Clovis erlag einer Blutinfektion nach einem chirurgischen Eingriff.

Emile, ein weiterer Sohn, machte Karriere als Bauingenieur in den Vereinigten Staaten, wo er in Florida begraben liegt.

Jean Rene, der ebenfalls das künstlerische Talent seines Vaters erbte, wurde ein anerkannter Bildhauer und verstarb am 21. April 1961 in Kopenhagen.

Paul Rollon hingegen, besser bekannt als Pola, widmete sich der Kunstkritik und hinterließ mit dem 1937 erschienenen Memoirenband Mein Vater, Paul Gauguin ein bedeutendes Erbe.

Mette-Sophie spielte eine entscheidende Rolle bei der Förderung von Gauguins Werk.

Sie organisierte mehrere Ausstellungen und war für den Verkauf vieler seiner Werke verantwortlich.

Viele der ausgestellten Arbeiten gehörten ihr oder gingen irgendwann durch ihre Hände.

Mette-Sophie starb am 25. September 1920 in Dänemark.

Tekha'amana – ein Kapitel für sich

Auf Tahiti begegnete Gauguin Tekha'amana und war von der schönen Einheimischen völlig fasziniert.

Er nannte sie liebevoll Tehura.

Das Paar heiratete nach den lokalen Gesetzen der Insel, wo die Verbindung einseitig aufgelöst werden konnte, sowohl vom Ehemann als auch von der Ehefrau.

Die Einheimischen betrachteten solche Ehen ohnehin oft als temporäres Phänomen.

Dies erlaubte ihnen, jederzeit ins Elternhaus zurückzukehren oder einen neuen Partner unter Besuchern oder Einheimischen zu finden.

Interessanterweise hatte Tekha'amana, den lokalen Traditionen zufolge, zwei Elternpaare: leibliche und adoptierte.

Gauguin musste sich beiden Elternpaaren Tehuras vorstellen und um Erlaubnis für die Heirat bitten.

Diese Eigenheit zeigt sich im Gemälde „Die Ahnen der Tekha'amana“, wo er die Komplexität der Abstammung seiner Geliebten festhielt, mit Tehura, die viele „Eltern“ hatte.

Tehura gehorchte dem Künstler in all seinen Wünschen, ohne Widerspruch.

Sie war duldsam und, was noch wichtiger war, anders als jede Frau, die Gauguin zuvor gekannt hatte.

Vielleicht war es gerade dieser Exotismus, der Tehuras attraktivste Eigenschaft für den Maler ausmachte.

Zweifellos war er verliebt in seine tahitianische „Nymphe“.

Eine Zeit lang wurde sie zu seiner Muse, die Verkörperung seines Traums von einer demütigen, leidenschaftlichen Frau.

Er schrieb enthusiastisch über sie, lauschte ihren Erzählungen lokaler Legenden und genoss ihre Schönheit und jugendliche Lebhaftigkeit.

Bald darauf gebar sie ihm einen Sohn.

Doch die Geschichte birgt ein bizarres Detail:

Für eine kurze Zeit musste Gauguin nach Paris reisen, um seine Gemälde zu verkaufen.

Als er nach Tahiti und zu seiner Tehura zurückkehrte, verweigerte sie ihm die Annahme und lehnte all seine Geschenke ab.

Doch der Künstler litt nur kurz unter dieser Ablehnung.

Er tröstete sich schnell in den Armen anderer exotischer Schönheiten, dem Muster folgend, das ihn bereits von seiner ersten Familie entfremdet hatte.

Man geht davon aus, dass Gauguin weitere Einheimische heiratete und mit ihnen drei weitere Kinder hatte.

Gauguins bleibendes Erbe: Einfluss auf die Moderne Kunst

Gauguins Erbe wurzelt, teils, in seiner radikalen Entscheidung, den Materialismus der zeitgenössischen Kultur zu verwerfen.

Er entschied sich für einen spirituelleren Lebensstil, befreit von den gesellschaftlichen Beschränkungen seiner Zeit.

Seine Bedeutung liegt zudem in seinem unermüdlichen künstlerischen Experimentieren.

Forscher bringen ihn seit Langem mit einer Reihe von Kunstrichtungen in Verbindung.

Insbesondere sein Spätwerk bezeugt die Einzigartigkeit seiner künstlerischen Vision.

Zusammen mit dem Schaffen seiner großen Zeitgenossen, wie Paul Cézanne und Vincent van Gogh, inspirierten Gauguins Neuerungen eine ganze Künstlergeneration.

Zwischen 1889 und 1890 griffen viele junge Anhänger, die sich in Pont-Aven versammelten, Gauguins Ideen auf.

Daraus formierten sie die einflussreiche Künstlergruppe Nabis.

Die Fauvisten, insbesondere Henri Matisse, ließen sich von seinem Werk zutiefst begeistern.

Matisse zum Beispiel setzte in seinen Kompositionen Farben kühn ein, eine deutliche Anlehnung an Gauguin.

In Deutschland zeigte sich Gauguins Einfluss besonders deutlich im Werk von Expressionisten wie Ernst Ludwig Kirchner.

Gauguins Umgang mit ozeanischer Ikonografie und seine stilistischen Vereinfachungen beeinflussten Pablo Picasso nachhaltig.

Dies beflügelte Picassos eigene Wertschätzung für die afrikanische Kunst und trug unmittelbar zur Entwicklung des Kubismus bei.

Somit ebnete Gauguin durch seine stilistischen Neuerungen und die Abkehr von der empirischen zugunsten der konzeptuellen Darstellung entscheidende Wege für die Kunstentwicklung des 20. Jahrhunderts.

Paul Gauguin: ZITIERTE WERKE

In Landschaft in Viroflay von 1876 ergründet Gauguin erste Spuren seiner Sensibilität. Pinselstriche evozieren die Atmosphäre der Szene.

Dieses Werk, noch dem Impressionismus nahe, zeigt seine Suche nach einer persönlichen Sprache, mit Fokus auf Licht und Farbe.

Tropische Vegetation (1887) offenbart Gauguins anfängliche Faszination für exotische Kulissen.

Die Leinwand zeigt lebendige Farben und üppige Formen, was seine zukünftige Vertiefung in die tahitianische Kultur und die Erforschung des Symbolismus ankündigt.

In Am Meeresufer (1887) entführt Gauguin den Betrachter in eine Küstenlandschaft, geprägt von einer kräftigen Farbpalette und klaren Konturen.

Dieses Werk markiert bereits seinen Übergang vom Impressionismus zu einem persönlicheren Ansatz, bei dem die Realität interpretiert und nicht nur reproduziert wird.

Vision nach der Predigt, oder Jakobs Kampf mit dem Engel (1888), ist ein bahnbrechendes Werk, das Gauguins Wendung zum Synthetismus markiert.

Darin bricht der Künstler mit der naturalistischen Darstellung. Er nutzt nicht-deskriptive Farben und einen intensiv roten Hintergrund, um die spirituelle, visionäre Erfahrung der bretonischen Frauen nach der Predigt auszudrücken.

Alte Frauen von Arles zeigt eine Gruppe von Frauen, die sich durch eine Landschaft bewegen.

Die Szene ist mit einer abgeflachten, willkürlich konzipierten Perspektive komponiert, was eine feierliche Prozession erzeugt.

In Der Gelbe Christus (1889) verschmilzt Gauguin den christlichen Glauben mit der ländlichen Kulisse der Bretagne.

Die Christusfigur, in einem intensiven Gelb gemalt, spiegelt seine Suche nach einer ursprünglichen Spiritualität und einer Vereinfachung der Formen wider, fernab akademischer Normen.

Miti de Fatata Te (oder Am Meer), von 1892, entführt den Betrachter direkt an die Strände Tahitis.

Das Werk ist geprägt von der Ruhe der Landschaft und lebhaften Farben, die das Wesen des einfachen, harmonischen Lebens einfangen, das Gauguin im Pazifik suchte.

In Manao Tupapau (1892) widmet sich Gauguin den Themen Angst und tahitianische Spiritualität.

Das Werk zeigt eine liegende junge Einheimische, mit einer gespenstischen Figur im Hintergrund, die die Präsenz eines nächtlichen Geistes andeutet und die mystische Atmosphäre der Insel einfängt.

Die Ahnen der Tekha’amana (1893) ist ein bedeutsames Gemälde, das Gauguins tahitianische Muse mit ihrer komplexen Abstammung verbindet.

Das Werk untermauert die Erzählung, dass Tekha'amana mehrere Eltern hatte, sei es biologisch oder adoptiv – ein Aspekt, der den Künstler faszinierte.

Woher kommen wir? Was sind wir? Wohin gehen wir? Eine existenzielle Frage, verwandelt in Kunst, eine der tiefgründigsten Gauguins.

Der Künstler selbst beteuerte, nach der Vollendung dieses Gemäldes einen Suizidversuch unternommen zu haben.

Ob wahr oder nicht, Fakt ist: Monate vor dem Schaffen dieses Meisterwerks brach sein Privatleben zusammen.

Es lief so katastrophal, dass alles auf ein tragisches Ende des Malers hindeutete.

Gauguin erlebte eine Zeit verheerender Verluste: Er war finanziell ruiniert, stand vor der Trennung von seiner Frau und trauerte um den Tod seiner geliebten Tochter.

Dies ist nicht nur das kolossalste Werk, das Gauguin in seiner Karriere malte (mit Maßen von 139 x 375 cm).

Es entfaltet auch vollständig die philosophische und malerische Lehre des Künstlers, ein starkes Spiegelbild seiner Weltanschauung.

Mit einem ausgeprägt horizontalen Format folgt die Leinwand einer umgekehrten chronologischen Entwicklung – faszinierend, nicht wahr?

Es beginnt ganz links mit der trostlosen Figur einer Mumie, die, in fötaler Stellung, die Ohren bedeckt, als wollte sie der gesamten Szene fernbleiben.

Unterdessen wird ganz rechts ein Baby, Symbol für Unschuld und Leben, von drei jungen Tahitianerinnen umsorgt.

Im Zentrum symbolisiert die Figur des Mannes, der eine Frucht pflückt, die Versuchung und den Sündenfall der Menschheit.

Indem Gauguin das Gemälde in diesem umgekehrten chronologischen Sinne strukturiert, scheint er das Primitive und Unschuldige als den einzig wahren Weg anzudeuten, den der Künstler einschlagen sollte.

KOMMENTIERTE KUNSTWERKE

Badende Frauen in Dieppe entstand in der Zeit, als Gauguin in Dieppe, an der Küste des Ärmelkanals, lebte.

Das Werk wurde auf der 8. Impressionistischen Ausstellung im Jahr 1886 gezeigt.

Ihre Komposition, basierend auf einem horizontalen Band und vereinfachten Figuren mit dicken Konturen, belegt das wachsende Bedürfnis des Künstlers, sich vom damals vorherrschenden impressionistischen Stil zu lösen.

Les Alyscamps, auch bekannt als Die drei Grazien im Venus-Tempel, ist ein herausragendes Werk.

Mit ihren juxtaponierten Massen und dem „Farbausbruch“-Stil ist dieses Gemälde charakteristisch für Gauguins Synthetismus.

Die Pinselstriche, die eine gewisse Ähnlichkeit mit Cézannes Stil aufweisen, ermöglichten es ihm, das Motiv zu transkribieren, ohne sich an die Nachahmung der realen Welt zu klammern.

Die auf der Leinwand verwendeten hochgesättigten Töne sind eine subjektive, dekorative Interpretation der Landschaft.

Bemerkenswert ist, dass diese heitere Sicht auf Les Alyscamps stark mit den zeitgenössischen, oft gequälten Kompositionen kontrastiert, die Van Gogh vom selben Ort malte.

Das Porträt von Van Gogh ist ein Werk, das Kontroversen auslöste.

Vincents erster Eindruck beim Anblick dieses Selbstbildnisses war, Gauguin habe ihn als Verrückten dargestellt.

Später milderte er seine Ansicht in einem Brief an seinen Bruder Théo, schreibend: „Mein Gesicht ist seither stark erhellt, aber es war tatsächlich ich, extrem müde und voller Elektrizität, wie ich damals war.“

Die schöne Angele war ein Gemälde mit einem bemerkenswerten Schicksal.

Das Werk wurde vom renommierten Künstler Edgar Degas auf einer Auktion erworben.

Diese Auktion wurde von Gauguin selbst veranstaltet, um Geld für seine lang erträumte Reise nach Tahiti zu sammeln.

Das Modell für dieses Porträt, das in typisch bretonischer Tracht posiert, war Marie-Angèlique Satre.

Das Selbstporträt mit Heiligenschein zählt zweifellos zu Paul Gauguins bedeutendsten und radikalsten Gemälden.

Darin stellt sich der Künstler mit einem Heiligenschein dar, fast körperlos, nur eine Hand ist sichtbar.

Eine Schlange, ein vielschichtiges Symbol, windet sich zwischen seinen Fingern, alles schwebend in amorphen Gelb- und Rottönen.

Diese Kompositionselemente verleihen dem Werk eine ironische, aggressiv ambivalente Note.

Das Gemälde präsentiert uns seine Wahrnehmung künstlerischer Überlegenheit. Es macht ihn zum Vorreiter eines neuen, kühnen ästhetischen Blicks.

Bei seiner Ankunft auf Tahiti im Juni 1891 war Gauguin zutiefst daran interessiert, die lokale Vegetation zu beobachten und zu verstehen.

Der im Titel dieses Gemäldes erwähnte große Baum ist spezifisch der Hotu-Baum, der links in der Komposition hervorsticht.

Das Werk ist durchdrungen von intensiven, traumhaften Farben – prägende Merkmale seiner tahitianischen Periode.

Die Komposition ist höchst dekorativ, um geschwungene, üppige Linien organisiert, die das rein Topografische übersteigen und eine symbolischere, sensorischere Darstellung anstreben.

In Landschaft von Tahiti war Gauguin tief berührt von der ungewöhnlichen Stille und der Atmosphäre der Ewigkeit dieses paradiesischen Ortes.

Die friedliche Atmosphäre durchdringt die weite Komposition, die überraschend wenige Elemente enthält und zur Kontemplation einlädt.

Angedeutet durch eine kleine, einsame Figur sind die Proportionen der Szene immens. Das verstärkt das Gefühl der Weite angesichts von Licht und Tiefe.

Die farbigen Harmonien, die Abfolge von Kurven und die Ausdehnung der Flächen sind prägende Elemente von Gauguins einzigartigem Stil in dieser Periode.

Die Komposition von Tahitianische Frau und zwei Kinder evoziert das christliche Bild der Jungfrau Maria mit dem Jesuskind und dem jungen Johannes dem Täufer.

Hier jedoch ist das „ältere Kind“ vermutlich das Mädchen, das sich in der rechten Ecke der Leinwand befindet, eine Anpassung der Ikonografie.

Es ist möglich, dass der Junge auf dem Schoß der Frau eines der Kinder des Künstlers selbst ist, geboren von seiner tahitianischen Geliebten Pahura.

Der Junge erhielt den Namen Emil, eine Hommage an Gauguins ältesten und ehelichen Sohn.

Die ältere Frau im Gemälde könnte hypothetisch die mütterliche Großmutter des Jungen sein, ein Detail, das der Szene familiäre Tiefe verleiht.

Gauguins erste Stillleben, darunter Sonnenblumenarrangements, entstanden zwischen 1888 und 1890 in der Bretagne.

Georges Wildenstein verweist in seinem Kommentar zu diesem Gemälde auf einen Brief Gauguins an seinen Freund, den Bildhauer Daniel de Monfreid, datiert Oktober 1898.

Im Brief bittet der Künstler um Samen und Zwiebeln für seinen kleinen Garten auf Tahiti, was seine persönliche Verbundenheit zur Natur unterstreicht.

Sein Malerblick war sichtlich entzückt und inspiriert von diesen Sonnenblumen, die er selbst kultivierte.

Dies belegen die vier Sonnenblumen-Stillleben, die Gauguin 1901 in schneller Folge auf Tahiti schuf.

Für ihn, dessen Gedanken stets zwischen Tahiti und Frankreich schwebten, riefen die Sonnenblumen stets Erinnerungen an Van Gogh und den gemeinsamen Aufenthalt in Arles im Jahr 1888 hervor.

Gauguin porträtierte sich im Laufe seines Lebens unzählige Male, erkundete dabei sein eigenes Bild und seine Identität.

Dieses, insbesondere, ist sein letztes Selbstporträt, gemalt im selben Jahr, in dem er verstarb.

Zusammen mit dem Werk hinterließ er eine tiefgründige Reflexion: „Das Leben ist nicht mehr als ein Bruchteil einer Sekunde. So wenig Zeit, sich auf die Ewigkeit vorzubereiten!“