Gustave Courbet foi a figura central para o surgimento do Realismo em meados do século XIX. Rejeitando os estilos clássico e teatral da Academia Francesa, sua arte insistia na realidade física dos objetos que observava – mesmo que essa realidade fosse simples e manchada.  Sua obra é considerada como um importante prelúdio para outros artistas do início do modernismo, como Édouard Manet e Claude Monet.

BIOGRAFIA

Jean Désiré Gustave Courbet nasceu no dia 10 de junho de 1819, em Ornans, uma pequena cidade no coração do Franco-Condado, na França. Ele era o mais velho de quatro filhos de uma família unida e próspera, graças às extensas propriedades de seu pai.

Courbet mostrou respeito e afeição por sua família ao longo de sua vida. Deixou muitos retratos deles, às vezes entre as figuras de suas grandes composições. Ele tinha um carinho semelhante por sua região natal, que usou como pano de fundo em várias de suas obras…

Durante sua infância enquanto estudante, Courbet adorava ser o centro das atenções e entreter seus colegas de classe com sua inteligência já demonstrada.

Embora a educação geral de Courbet fosse sólida, seu treinamento formal em arte iniciou de uma forma muito simples. Aos quatorze anos, ele teve aulas com um pintor de Ornans que havia sido ex-aluno do pintor neoclássico Antoine-Jean Gros, o que provavelmente lhe deu uma base inicial. Por estímulo de seu pai, ele estudou direito em uma faculdade local, mas estava infeliz até que um professor de desenho da faculdade o convidou para ter aulas de pintura em um estúdio caseiro. Isso lhe deu mais confiança em seu potencial artístico e o convenceu a seguir sua paixão.

Em 1837, ele mudou-se para Besançon, onde aprendeu seus ofícios, no ateliê de um seguidor do pintor David.

Courbet tinha vinte anos quando veio a Paris para se matricular na faculdade de direito. Ele logo descartou seguir essa profissão, preferindo frequentar o estúdio de Charles de Steuben. Para aperfeiçoar o aprendizado em arte, ele copiava os mestres do Museu do Louvre como Leonardo da Vinci, Peter Paul Rubens, Caravaggio e Ticiano. Na “Galeria Espanhola” de  Louis Philippe descobriu Diego Velázquez e Francisco de Zurbarán. Entre seus contemporâneos franceses, ele gostava de Théodore Géricault e Eugène Delacroix, dois mestres do Romantismo que pintaram muitos episódios da história contemporânea.

Para além das influências dos antigos mestres e dos românticos, ele já revelava a sua ambição de protagonizar a história da arte através de um estilo de pintura pessoal.

Em 1848, Courbet, que havia exibido poucos trabalhos no Salão, finalmente teve cerca de dez pinturas aceitas. Ele foi notado e desenvolveu uma amizade com o crítico de arte Champfleury,   logo alcançou o reconhecimento do público. No entanto, alguns de seus trabalhos foram recebidos com total incompreensão e causaram indignação.

Na segunda metade do século XIX, a tradição acadêmica exigia que as grandes pinturas tivessem apenas temas históricos, bíblicos, mitológicos ou alegóricos. Courbet ignorou essa convenção pintando um mundo doméstico familiar em variadas telas. Ele considerava que a história contemporânea, mesmo que fosse de pessoas comuns, merecia esses grandes formatos. Ao declarar que “a arte histórica é essencialmente contemporânea”, o artista expressou seu desejo de mudar a pintura de história.

Durante este período, Courbet conheceu Alfred Bruyas um rico colecionador de arte que adquiriu a pintura Os Banhistas. Ele passou a se tornar um patrono do artista, que então pôde viver de forma independente ganhando grande reconhecimento também fora do país .

A maior realização de Courbet neste período foi criar a obra O Estúdio do Artista, uma forma de manifesto em que o artista declarou suas escolhas artísticas e políticas através de sua pintura. Além disso, ele deu a esta tela, que mede quase quatro metros por seis, o subtítulo evocativo de ‘Uma verdadeira alegoria que resume sete anos de minha vida artística e moral’.

O júri do Salão de 1855 aceitou mais de dez das pinturas de Courbet, mas recusou a pintura O Estúdio do Artista por causa de sua dimensão. Diante da rejeição de sua pintura, Courbet construiu um “Pavilhão do Realismo” às suas próprias custas. Fora do evento oficial, organizou a sua própria exposição, que incluiu também a tela, Um enterro à Ornans, para que a sua obra fosse acessível a toda a sociedade.

Durante a década de 1860, Courbet se concentrou em nus eróticos, cenas de caça, paisagens e marinhas. Neste período, ele se rebelou ainda mais ao Neoclassicismo de maneira a promover sua nova visão, trazendo inspiração aos modernistas. Sua última série de paisagens marítimas apontou o caminho para os impressionistas. Os nus de Courbet desta década desafiaram as normas de sua época e, em alguns casos, permanecem conflituosos até os dias atuais. Essas pinturas do nu prenunciavam o erotismo bruto de alguns pintores do início do século XX, como Egon Schiele.

Em 1870, o artista foi condecorado com a Legião de Honra, a maior ordem francesa de mérito, mas Courbet recusou. De maneira tipicamente rebelde, ele elaborou uma carta aberta onde afirmou que “a honra não está em um título nem em uma fita, está nas ações e nas motivações para essas ações. Eu me honro mantendo-me fiel aos meus princípios ao longo da vida.”

Courbet nunca se casou, muitas vezes alegando que sua arte não lhe dava tempo para relacionamentos. Há relatos de que ele propôs casamento a uma mulher muito jovem, declarando em uma carta que, se ela aceitasse seria invejada em toda a França, e até “renasceria três vezes sem nunca encontrar uma posição como esta”. No entanto, a mulher recusou, permanecendo solteiro por toda a vida.

Quando o Império Francês foi finalmente esmagado na Guerra Franco-Prussiana, Courbet foi eleito presidente da Comissão de Artes Republicanas sob a curta Comuna de Paris.

Em 1871, ele foi enviado para a prisão acusado de destruir uma coluna dos canhões inimigos de Napoleão I,  localizada na Praça Vendôme, em Paris. A autoria de Courbet dessa destruição é incerta, e é possível que ele pretendesse apenas movê-la. No entanto, a ruína da coluna levou à sua própria. Mesmo assim, ficou preso por seis meses, passando a última parte da sentença em uma clínica quando ficou doente.

Em 1873, após passar por esta tragédia, ele foi obrigado a pagar pessoalmente 300.000 francos pela construção de uma nova coluna para substituir a que havia sido destruída. Diante desse projeto de lei impossível, ele partiu para um exílio auto imposto na Suíça, onde continuou a pintar, mas nunca voltou para a França.

Gustave Courbet  morreu de uma doença hepática em decorrência de alcoolismo. Faleceu no dia 31 de dezembro de 1877 em La Tour-de-Pails, Suíça, aos 58 anos.

GALERIA – ARTE COMENTADA

O Homem Desesperado – Antes de desenvolver seu estilo único de pintura realista e antes de produzir suas obras-primas inovadoras, Courbet pintou vários autorretratos,  incluindo este.

Com os olhos bem abertos, ele está olhando diretamente para você e arrancando os cabelos. Popular na época, a abordagem romântica do retrato preocupava-se em expressar os estados emocionais e psicológicos do indivíduo. E embora Courbet nunca tenha se considerado um pintor romântico, ele lidou com a tarefa extremamente bem. Quando os espectadores olham para este autorretrato, ele não apenas experimenta seu desespero (como o título sugere), mas também tem a ideia de que tipo de personalidade tinha o artista: ousado, astuto, radical, ambicioso e determinado. Determinado a desafiar gêneros de pintura estabelecidos, protestar contra clichês tradicionais e mudar o curso da história da arte.

Os Quebradores de Pedra – Coubert criou essa obra para retratar o intenso trabalho que a parcela mais pobre da população suportava diariamente.

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Um enterro em Ornans –  A composição decididamente não clássica, apresenta figuras que circulam na escuridão, sem foco na cerimônia. Como um excelente exemplo de realismo, a pintura se apega aos fatos de um enterro real e evita conotações espirituais amplificadas. Enfatizando a natureza temporal da vida, Courbet intencionalmente não deixou a luz na pintura expressar o eterno. Enquanto o pôr-do-sol poderia ter expressado a grande transição da alma do temporal para o eterno, o artista cobriu o céu noturno de nuvens, de modo que a passagem do dia para a noite é apenas um simples eco do caixão passando da luz para a escuridão do solo.

O Estúdio do Artista – Nesta vasta alegoria, considerada uma pintura de manifesto, cada figura tem um significado diferente. E no meio de tudo isso está o próprio artista, rodeado por figuras benevolentes: uma musa feminina, nua como a Verdade, uma criança e um gato. Ao centro, o pintor apresenta-se como mediador. Ele afirma assim o papel do artista na sociedade numa enorme cena à escala de uma pintura histórica.

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Origem do Mundo – Este é um dos mais notórios nu já representado, e polêmico também. Courbert  exibe o torso inferior de uma mulher com as coxas abertas. O artifício clássico é despido e o espectador é forçado a se concentrar na visão mais íntima da anatomia feminina, onde o artista direciona o espectador exatamente para onde olhar e implica que olhar para tal realidade pictórica deve ser aceitável.

A pintura foi uma encomenda a pedido do diplomata turco otomano Khalil-Bey, que era um colecionador de imagens eróticas. Ele solicitou ao artista realista, que ele retratasse um nu feminino frontal na sua forma mais crua.

Após decretar sua falência, o proprietário precisou vender todas as suas obras. A Origem do Mundo pertenceu a vários colecionadores, sempre sendo comercializada e nunca exposta ao público. Somente em 1995, a tela de Courbet foi exposta publicamente pela primeira vez  quando passou a fazer parte do acervo do Museu d’Orsay.

Uma Onda –  Muitos dos primeiros modernistas foram influenciados pelas gravuras japonesas e argumenta-se que Courbet foi um dos primeiros a ser afetado por essa estética oriental. Provavelmente, seguindo a sugestão das impressões, ele nos mostra uma fatia de água isolada da visão de um vasto espaço. As pinturas resumem as paisagens e marinhas de Courbet, que sempre foram compostas por manchas quebradas de tinta carregadas nas áreas claras e escuras. Esse tratamento pictórico foi a inspiração para os impressionistas iniciantes.