Romantik in der bildenden Kunst: Ursprünge und frühe Manifeste
Romantik in der bildenden Kunst: Ursprünge und frühe Manifeste
Die Romantik war eine Kunstströmung, die sich in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts in ganz Europa durchsetzte. Teils vom Idealismus der Französischen Revolution beflügelt, umfasste sie den Kampf für Freiheit und Gleichheit sowie das Streben nach Gerechtigkeit.
Maler nutzten nun aktuelle Geschehnisse und Gräueltaten, um Ungerechtigkeiten pointiert darzustellen; ihre dramatischen Kompositionen konnten es durchaus mit den von nationalen Akademien hochgeschätzten, ernsteren neoklassizistischen Historienbildern aufnehmen.
Der Begriff Romantik tauchte Ende des 18. Jahrhunderts erstmals in Deutschland auf, als die Kritiker August und Friedrich Schlegel über romantische Poesie schrieben.
Im Jahr 1813 machte Madame de Staël, eine prägende Figur des französischen Geisteslebens, den Begriff in Frankreich bekannt, nachdem sie ihren Reisebericht über Deutschland veröffentlicht hatte.
Der englische Dichter William Wordsworth, der zu einer bedeutenden Stimme der Romantik avancierte und Poesie als spontanes Überströmen mächtiger Gefühle verstand, verglich 1815 die romantische Harfe mit der klassischen Leier.
Künstler, die sich dieser Bewegung zugehörig fühlten, sahen sich als Teil einer gemeinsamen Geisteshaltung oder Einstellung zur Kunst, zur Natur und zur Menschheit, ohne sich dabei jedoch auf strenge Definitionen oder Prinzipien festzulegen.
Sie stellten die gesellschaftliche Ordnung, Religion und etablierte Werte infrage.
Die Romantik in der bildenden Kunst
Sowohl der englische Dichter und Künstler William Blake als auch der spanische Maler Francisco de Goya wurden von verschiedenen Gelehrten als „Väter der Romantik“ bezeichnet; dies wegen der Betonung der subjektiven Vision, der Kraft der Vorstellungskraft und eines oft düsteren politischen Bewusstseins in ihren Werken.
Blake, der vorwiegend mit Druckgrafiken arbeitete, veröffentlichte eigene Illustrationen zu seiner Poesie. Darin äußerte er seine Vision einer neuen Welt, schuf mythologische Reiche voller Götter und Kräfte und übte scharfe Kritik an der Industriegesellschaft sowie an der Unterdrückung des Einzelnen.
Goya widmete sich den Schrecken der Irrationalität in einer Serie von vierzehn Gemälden, bekannt als „Schwarze Bilder“. Diese Werke vermittelten die alptraumhaften Kräfte, die dem menschlichen Leben und Geschehen zugrunde liegen.
Mit der Absicht, die Bilder in seinem Haus verborgen zu halten, goss Goya all seine negativen Gefühle in die Werke, indem er Szenen voller Schrecken und grausamer Begebenheiten malte, wie wir es in seinem Gemälde Hexensabbat eindrücklich sehen können.
In Frankreich prägte der Maler Antoine-Jean Gros die Künstler Théodore Géricault und Eugène Delacroix entscheidend mit, welche später die romantische Bewegung anführten und weiterentwickelten.
Indem Gros die militärischen Feldzüge Napoleons Bonaparte in Werken wie Bonaparte besucht die Pestkranken von Jaffa (1804) schilderte, betonte er die emotionale Wucht und das Leid der Szene.
In England, Deutschland und den Vereinigten Staaten widmeten sich die führenden romantischen Künstler vor allem der Landschaftsmalerei – dies zeigen eindrucksvoll die Werke des britischen Künstlers John Constable, des Deutschen Caspar David Friedrich und des Amerikaners Thomas Cole. Dabei stand stets die Beziehung des Einzelnen zur Natur im Mittelpunkt.
Weitgehend während der Französischen Revolution entstanden, verbündete sich die Romantik mit einem revolutionären, rebellischen Geist. Die Herrschaft der Vernunft und des Gesetzes der Aufklärung wurde als restriktiv und mechanistisch empfunden.
Folgerichtig wandten sich die Künstler Szenen der Rebellion und des Protests zu.
Im Jahr 1818 schuf Théodore Géricault Das Floß der Medusa, inspiriert von einem wahren Bericht über einen Schiffbruch. Dieses Werk stellte eine Anklage gegen die französische Regierungspolitik dar, die zu dieser Tragödie geführt hatte.
Ebenso beabsichtigte William Turner mit seinem Werk Das Sklavenschiff, die britische Regierung zu einer aktiveren Abolitionismus-Politik zu bewegen.
Die Freiheit führt das Volk von Eugène Delacroix wurde geschaffen, um den Aufstand der Pariser Bevölkerung gegen die Restaurationsregierung Karls X. zu unterstützen.
Delacroix malte ferner eine Reihe von Werken, die den griechischen Unabhängigkeitskampf gegen das Osmanische Reich thematisieren. So stellt Das Massaker von Chios die Überlebenden eines Massakers dar, das geschah, als das Osmanische Reich eine Insel rebellierender Griechen eroberte und die Mehrheit der Bewohner tötete oder versklavte.
Um den weiteren Verlauf dieser Reise zu erfassen, lesen Sie unseren nächsten Artikel: Romantik in der bildenden Kunst: Nationale Ausprägungen in Deutschland, Spanien und England.
