Paul Gauguin: Biografie und künstlerische Entwicklung (Teil 1)

Als Maler, Grafiker und Bildhauer wird sein Werk dem Post-Impressionismus und dem Symbolismus zugeordnet.

Besonders bekannt ist er für seine turbulente Beziehung zu Vincent van Gogh.

Zudem prägte sein Exil auf Tahiti, im Herzen Französisch-Polynesiens, sein Leben und Schaffen zutiefst.

BIOGRAFIE: DIE ERSTEN SCHRITTE EINES REBELLEN

Eugène-Henri-Paul Gauguin erblickte am 7. Juni 1848 in der pulsierenden Metropole Paris, Frankreich, das Licht der Welt.

Sein Vater, Clovis Gauguin, war ein renommierter Journalist; seine Mutter, Alina Maria Chazal, hatte mütterlicherseits peruanische Wurzeln.

Sie war die Tochter der einflussreichen sozialistischen Führerin Flora Tristan, einer feministischen Vorkämpferin, deren Vater einer prominenten peruanischen Familie entstammte.

Im Jahr 1850 zwang der Staatsstreich Napoleons III. seine Familie zur Umsiedlung nach Peru.

Dort plante sein Vater, eine neue Zeitung zu gründen. Tragischerweise verstarb er jedoch während der Überfahrt.

Gauguins Mutter blieb mit ihren beiden Kindern zurück, und sie zogen zu einem Onkel in die Hauptstadt.

Vier Jahre später kehrte die Familie nach Paris zurück, bestehend aus der Mutter und den Kindern Marie und Paul.

Mit 17 Jahren traf Gauguin eine mutige Entscheidung: Er heuerte bei der Handelsmarine an.

Sechs Jahre lang kreuzte er die Ozeane und lernte die Welt kennen.

1867 verstarb seine Mutter, und die Vormundschaft über die Kinder wurde dem Unternehmer Gustave Arosa anvertraut.

Arosa war es auch, der Gauguin nach dessen Ausscheiden aus der Marine eine Anstellung als Börsenmakler verschaffte.

Er machte ihn zudem mit der Dänin Mette Sophie Gad bekannt, die Gauguin 1873 heiratete.

In dieser Zeit, als er in Paris lebte und seiner Arbeit als Börsenmakler nachging, ermöglichte Gauguin seiner bürgerlichen Familie einen komfortablen Lebensstil.

Die Familie wuchs um vier Söhne und eine Tochter.

Gauguins Zugang zu Gustave Arosas umfangreicher Kunstsammlung – die Werke von Eugène Delacroix, Künstlern des Pariser Salons und Keramiken verschiedener Kulturen umfasste – war entscheidend.

Dieses Eintauchen trug maßgeblich dazu bei, seine Leidenschaft für die Kunst zu wecken und zu entfalten.

Das Eintauchen in die Kunstwelt und das Ende einer Ära

Im Jahr 1876 wurde Gauguins Gemälde, Landschaft in Viroflay, zur Ausstellung im Offiziellen Pariser Salon angenommen.

In dieser Zeit, bis 1881, vertiefte er seinen Kontakt zu den Werken der Impressionisten.

Er erwarb sogar bedeutende Gemälde von Namen wie Paul Cézanne, Édouard Manet, Camille Pissarro und Claude Monet.

Um 1874 lernte Gauguin Pissarro kennen und begann, Unterricht bei dem erfahreneren Künstler zu nehmen.

Anfangs hatte er Mühe, die komplexen Mal- und Zeichentechniken zu meistern.

1880 wurde er in die fünfte Impressionisten-Ausstellung aufgenommen, ein Meilenstein in seiner aufstrebenden Karriere.

Er verbrachte Urlaube malend mit Pissarro und Cézanne, und seine Fortschritte wurden sichtbar.

Danach nahm er sukzessive an den Ausstellungen von 1881 und 1882 teil.

Während dieser Zeit tauchte Gauguin auch in einen Kreis avantgardistischer Künstler ein.

Dieser Gruppe gehörten prominente Persönlichkeiten wie Manet, Edgar Degas und Auguste Renoir an.

Ein unerwartetes Ereignis sollte jedoch alles verändern:

1882 brach der französische Aktienmarkt zusammen, und Gauguin verlor seine Anstellung an der Börse.

Trotz des finanziellen Rückschlags sah er dies als positive Entwicklung, da es ihm endlich ermöglichen würde, sich häufiger der Malerei zu widmen.

Im Versuch, seine Familie zu versorgen, versuchte er jedoch ohne sofortigen Erfolg, seine Werke an Kunsthändler zu verkaufen.

1884 zog Gauguin mit seiner Familie nach Rouen, einer Stadt in der Normandie, Frankreich.

Dort fand er eine Anstellung, die bis zum Ende jenes Jahres währte.

Kurz darauf reisten sie nach Dänemark, auf der Suche nach Unterstützung bei der Familie seiner Frau Mette.

Obwohl er arbeitslos war, fühlte sich der Künstler frei, seine Kunst zu schaffen, stieß aber auf die Missbilligung von Mettes Familie.

Mitte 1885 kehrte er mit seinem ältesten Sohn nach Paris zurück.

1886 nahm Gauguin an der achten und letzten Impressionisten-Ausstellung teil.

Er präsentierte neunzehn Gemälde und ein geschnitztes Holzrelief.

Seine Werke fanden jedoch kaum Beachtung, überschattet vom gigantischen Gemälde von Georges Seurat: Ein Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte.

Frustriert begann Gauguin, Keramikvasen zu fertigen, um sie zu verkaufen und seinen Lebensunterhalt zu sichern.

Im Sommer reiste er nach Pont-Aven in der Bretagne, einer Region Frankreichs.

Seine Absicht war es, ein einfacheres Leben zu suchen, mit geringeren finanziellen Ausgaben, fernab vom Trubel von Paris.

Die Entdeckung des Exotismus und die Geburt des Synthetismus

Im April 1887, nach einem besonders strengen Winter, begab sich Gauguin auf eine Reise.

Er segelte zur Insel Martinique in der französischen Karibik, mit der ausdrücklichen Absicht, "wie ein Wilder zu leben".

Seine auf Martinique gemalten Werke, wie Tropische Vegetation und Am Meeresufer, zeigten bereits seine wachsende Abkehr von der impressionistischen Technik.

Ende desselben Jahres entschied er sich zur Rückkehr nach Frankreich, fühlte sich sicherer und trug eine "exotischere" künstlerische Identität in sich.

Im Sommer 1888 kehrte Gauguin nach Pont-Aven zurück, angetrieben von einer tiefen Suche.

Er suchte das, was er selbst als "eine rationale und offene Rückkehr zum Ursprung, also zur primitiven Kunst" beschrieb.

Junge Maler wie Émile Bernard und Paul Sérusier begleiteten ihn; auch sie sehnten sich nach einem direkteren Ausdruck in ihrer Kunst.

Mit dem Gemälde Vision nach der Predigt machte Gauguin einen entscheidenden Schritt in Richtung dieses Ideals.

In diesem Werk setzte er breite Farbflächen, klare Konturen und vereinfachte Formen ein und revolutionierte damit die Malerei.

Es war Gauguin, der den Begriff Synthetisch – abgeleitet vom griechischen Synthetismus – prägte, um seinen Stil in dieser Periode zu beschreiben.

Das Konzept bezog sich auf die Synthese der formalen Elemente seiner Bilder mit der Idee oder Emotion, die sie vermittelten.

Dies markierte eine klare Abkehr vom Impressionismus und eine Hinwendung zum Symbolismus.

Paul Gauguin und die Künstlergruppe, die diesen neuen Stil annahm, wurden als die Schule von Pont-Aven bekannt.

In dieser Bewegung priorisierten die Künstler den dekorativen Aspekt in den Kompositionen und den allgemeinen Harmonien ihrer Gemälde.

Die Farbe insbesondere wurde als das wichtigste Ausdruckselement geschätzt.

Gauguin fungierte als der natürliche Anführer dieser Künstler, indem er sie mit eindringlichen Worten beriet:

"Kopiert nicht zu viel von der Natur. Kunst ist Abstraktion: Entlockt der Natur, während ihr vor ihr träumt, und konzentriert euch mehr auf die Schöpfung als auf das Endergebnis."

Das explosive Zusammentreffen mit Vincent van Gogh

1888 reiste Gauguin in den Süden Frankreichs, nach Arles.

Er folgte einem Ruf von Théo van Gogh, einem Kunsthändler, der ihm einen Gefallen schuldete.

So willigte Paul ein, für eine Weile bei Théos Bruder, Vincent van Gogh, zu wohnen.

Anfang desselben Jahres war Vincent nach Arles gezogen, in der Hoffnung, eine "Künstlerkolonie" zu gründen.

Seine Vision war ein Ort, an dem gleichgesinnte Maler zusammenkommen konnten, um eine neue, ausdrucksstarke Kunst zu schaffen.

Doch kaum war Gauguin angekommen, gerieten die beiden Künstler häufig in "hitzige" Diskussionen über den Sinn der Kunst.

Beide hatten das Ziel, einen neuen Stil zu entwickeln, der eine individuelle und persönliche Entwicklung im Umgang mit Farben, Pinselstrichen und nicht-traditionellen Themen des Impressionismus zeigte.

Wie bei einem Großteil von Gauguins Werken dieser Zeit trug der Künstler dicke, schwere Farbe auf die Leinwand auf, in einer groben Technik.

In diesen Arbeiten fand er etwas, das seinem wachsenden "primitiven" Ideal nahekam.

Sein Gemälde Alte Frauen von Arles ist ein bemerkenswertes Beispiel dieser intensiven Periode.

Gauguin hatte geplant, den Frühling über in Arles zu bleiben.

Doch das Zusammenleben der Künstler wurde unerträglich, und seine Beziehung zu Vincent gestaltete sich zunehmend schwieriger.

Nach einem heftigen Streit, während dessen Gauguin behauptete, von Vincent angegriffen worden zu sein, verstümmelte sich Van Gogh mit einem Rasiermesser das linke Ohr.

Angesichts dieser Tragödie kehrte Gauguin nach einem Aufenthalt von nur zwei Monaten in Arles nach Paris zurück.

Symbolismus und die Suche nach neuen Horizonten

In den folgenden Jahren wechselte Gauguin seinen Wohnsitz zwischen Paris und der Bretagne.

In der Hauptstadt wurde er mit den literarischen Avantgarde-Zirkeln vertraut, insbesondere mit einigen symbolistischen Dichtern.

Diese Dichter, die die Abkehr von traditionellen Formen vertraten, um das innere emotionale und spirituelle Leben einzubeziehen, sahen in Gauguins Werk das Äquivalent in den visuellen Künsten.

Der Kunstkritiker Albert Aurier erklärte ihn sogar zum Anführer einer Gruppe symbolistischer Künstler.

Aurier definierte Gauguins Werk als "symbolisch, synthetisch, subjektiv und dekorativ" und anerkannte damit seine Originalität.

1889, nachdem er Pont-Aven von Touristen überlaufen vorfand – was ihn zutiefst störte –, entschied sich Gauguin umzuziehen.

Er suchte Zuflucht im abgelegenen Dorf Le Pouldu, ebenfalls in der Bretagne.

Dort, in einer intensivierten Suche nach einem roheren und authentischeren Ausdruck, begann er, sich auf alte Denkmäler der mittelalterlichen Kunst, wie Kreuze und Kalvarienberge, zu konzentrieren.

Diese Inspirationen führten dazu, dass er einfache und strenge Formen in seine Kompositionen integrierte, sichtbar in seinem berühmten Gemälde Der gelbe Christus.

Wie dieses Werk andeutet, wünschte sich Gauguin fortan eine noch abgelegenere Umgebung zum Arbeiten.

Nachdem er Reiseziele wie Nord-Vietnam und Madagaskar in Betracht gezogen und wieder verworfen hatte, beantragte er eine Konzession der französischen Regierung.

Sein großes Ziel war eine Reise ins ferne Tahiti.

Das verlorene Paradies: Der erste Aufenthalt auf Tahiti

Im Juni 1891 erreichte Gauguin schließlich Papeete auf Tahiti und war sofort von der Landschaft und der lokalen Kultur fasziniert.

Doch bald darauf zeigte er sich enttäuscht vom Ausmaß der französischen Kolonialisierung, die einen Großteil der tahitianischen Authentizität bereits zersetzt hatte.

Deshalb versuchte er, in die Aspekte einzutauchen, die er für die ursprünglichsten der lokalen Kultur hielt.

Während seines Aufenthalts auf Tahiti begann Gauguin, seine Werke mit tahitianischen Begriffen zu betiteln.

Beispiele hierfür sind Fatata te miti (oder "Am Meer") und Manao tupapau, bekannt als "Der Geist der Totenwache".

Er integrierte ozeanische Ikonografie und schuf ein idyllisches Bild, reich an üppigen Landschaften und suggestiven spirituellen Szenen.

Die kurze Rückkehr nach Frankreich und die endgültige Entscheidung

1893 kehrte Gauguin nach Frankreich zurück, in der Überzeugung, dass seine neuen tahitianischen Werke ihm endlich den lang ersehnten Erfolg bringen würden.

1894 fasste er einen ehrgeizigen Plan: ein Buch über seine Eindrücke von Tahiti zu veröffentlichen.

Betitelt mit Noa Noa, wurde das Buch mit seinen eigenen, ausdrucksstarken Holzschnitten illustriert.

Dieses Projekt gipfelte in einer Einzelausstellung seiner Werke in der Galerie des Kunsthändlers Paul Durand-Ruel.

Doch die Realität erwies sich als grausam:

Zu seiner tiefen Enttäuschung war die Akzeptanz bei Publikum und Kritik minimal.

Völlig desillusioniert traf Gauguin eine drastische Entscheidung: Er beschloss, nach Tahiti zurückzukehren, diesmal Frankreich endgültig verlassend.

Das Meisterwerk und die letzten Zufluchtsorte

1897 erreichte Gauguin den Höhepunkt seines künstlerischen Ausdrucks in seinem Hauptwerk, das auf Tahiti entstand.

Das Gemälde – Woher kommen wir? Was sind wir? Wohin gehen wir? – ist eine gewaltige Betrachtung von Leben und Tod.

Erzählt durch eine Reihe von Figuren, die mit einem Baby beginnen und mit einer zusammengekrümmten alten Frau enden, ist das Werk umhüllt von einer traumhaften, poetischen Aura und außerordentlich kraftvoll.

Darüber erklärte Gauguin: "Ich glaube, dass dieses Gemälde nicht nur alle meine früheren Werke übertrifft, sondern dass ich niemals etwas Besseres oder auch nur ein ähnliches Bild schaffen werde."

1901 brach Gauguin erneut auf, um eine ruhigere Umgebung zu finden.

Er war gestört von der wachsenden westlichen Einflussnahme in der französischen Kolonie Tahiti.

Er verließ Tahiti und reiste nach Hiva Oa auf den Marquesas-Inseln.

Auf dieser Insel erwarb Gauguin Land und baute ein Haus, das er "Haus der Freude" nannte.

Diese Residenz gestaltete er zu einem wahren Kunstwerk, verziert mit kunstvoll geschnitzten Friesen.

Während dieser Zeit auf Tahiti und Hiva Oa war sein Privatleben von Promiskuität geprägt.

Er war bekannt dafür, Beziehungen zu mehreren einheimischen Frauen, darunter auch Teenagerinnen, gehabt zu haben; viele davon dienten als Modell für seine Gemälde.

1902 schränkte eine fortgeschrittene Syphilis seine Mobilität erheblich ein.

Mit geschwächter Gesundheit konzentrierte Gauguin seine verbleibende Energie auf das Zeichnen und Schreiben.

In dieser Zeit verfasste er ein Buch mit intimen Erinnerungen, betitelt Avant et après (Vorher und Nachher).

Das Werk sollte jedoch erst 1923, posthum, veröffentlicht werden.

Das Ende einer Legende und ein ewiges Vermächtnis

Mit dem unaufhaltsamen Fortschreiten seiner Krankheit fühlte sich der Künstler zunehmend geschwächt und müde.

Dennoch malte und schuf Paul Gauguin weiter mit der ihm verbleibenden Energie, bis zum Schluss.

Er hinterließ ein umfangreiches Werk, das weiterhin inspiriert und provoziert.

Um den Rest dieser Reise zu verstehen und tiefer in sein Leben und Erbe einzutauchen, lesen Sie unseren nächsten Artikel:

Paul Gauguin: Die Reise nach Tahiti, Erbe und essentielle Werke (Teil 2).